浪漫主义音乐作品的风格特征及教学应用

【摘   要】浪漫主义音乐作品因其独树一帜的艺术风格和极具感染力的情感表达而成为音乐史上的瑰宝。这些作品不仅体现了作曲家们超凡的创造才能和丰富的内心世界，而且映射了该时期的社会文化及精神生活的多维度图景。深入分析浪漫主义音乐的风格特点，人们能洞察其结构布局、旋律发展及风格构成要素，这不仅丰富了音乐理论知识，而且提升了鉴赏力。此外，在音乐教育中融入这些元素具有深远的教学价值，能引导学生更深刻地领悟和表现经典音乐作品，进而激发他们的音乐想象力和创作潜能。

【关键词】浪漫主义音乐作品  风格特征  教学应用

中图分类号：J605

文献标识码：A

文章编号：1008-3359（2024）04-0001-07

浪漫主义音乐在欧洲音乐史上占据着至关重要的地位，其时段大致涵盖从19世纪初至20世纪初这一历史区间。相较于此前盛行的古典主义音乐风格，浪漫主义音乐呈现出显著的风格转变与深化的发展趋势。这一时期的作曲家们尤为推崇个性化的情感表达与情感深度的挖掘，将对自由精神、个性张扬和艺术创新的追求作为音乐创作核心。浪漫主义音乐强化了音乐的表现潜能与情感交流的功能，突出体现了作曲家个体的独特性和创造性，由此极大地推动了音乐语言的多样化和表现手法的拓宽，进而凸显了音乐艺术的总体面貌。

这一时期的音乐作品，不仅在艺术上有着重要价值，而且在音乐教育中也占有重要地位。在音乐课堂（作品分析、欣赏、钢琴、声乐等）上通过分析浪漫主义音乐作品的风格标志，人们能够为音乐教学注入新鲜元素，提升教学成效，并推动音乐教育向前发展。

一、浪漫主义音乐的历史背景

浪漫主义音乐的历史背景，可以追溯到18世纪末至19世纪中叶的欧洲。这是一个充满激情与创造力的时期，人们对于音乐、艺术和文学的追求不再受限于传统框架，而是追求个性化的表达和深刻的情感传达。在这个时代，音乐家们不再只是作为宫廷乐师的身份出现，而是成为独立的艺术家，他们的作品充满了个人风格和独特的创意。

在这一历史阶段，音乐的功能与意图经历了一场深刻的转型。浪漫主义音乐超越单纯娱乐及宗教仪式的既定范畴，转变为一种深入探索与表达个体情感与内在心理世界的媒介。作曲家群体借助音乐语言，将内心的喜悦、悲伤、愤怒与欢乐等各种情感体验，以及对诸如自然意象、爱情理念、国家情怀等深层次主题的哲思与共鸣，生动而真切地传达给听众。这一音乐形态尤其重视情感的真诚流露，以及音乐语法的革新应用。

与此同时，浪漫主义音乐的演进深深植根于当时的文化语境之中，特別是随着浪漫主义文学与艺术运动的兴起，它们对个体化、情感强度和想象力的推崇在音乐领域产生了深远影响。音乐创作者受此思潮驱动，致力于音乐情感深度的拓展和形式创新，倾向于创作富含民族特色和本土情感认同的音乐作品，以此作为抒发对故乡和民族文化深厚感情的有效途径。

科技创新也在浪漫主义音乐的孕育过程中扮演着重要角色，尤其是乐器制作工艺的显著改良，例如钢琴构造与音质的改进，赋予音乐家们更为宽广的创作空间和技术手段。

此外，音乐传播技术的进步也不可忽视，以乐谱印刷技术的提升为例，音乐作品能够更便捷、更广泛地扩散至各地，并得到演奏呈现。

综上所述，浪漫主义音乐的发生与发展是一个复杂的社会文化现象，它受到包括但不限于政治格局、经济发展、文化变迁及科技进步在内的多元因素交织影响与共同催化，这些元素共同构成浪漫主义音乐萌芽与繁盛的肥沃土壤。

二、浪漫主义音乐作品的风格特征

浪漫主义音乐家们不再满足于古典音乐的严格形式与规范，他们追求个性解放、情感流露和心灵抒发。他们的作品宛如抒情诗篇，充满丰富的想象力和深刻的情感表达，旋律优美动人，戏剧性张力和感染力十足。和声与配器也得到了极大的丰富和发展，音乐能够生动描绘出各种画面和情境。

（一）音乐形式的创新与突破

当涉及音乐形式的创新与突破时，焦点应集中于音乐史上一个极具影响力的时期——浪漫主义音乐时期。在这个阶段，音乐创作者们勇于挣脱古典音乐传统的框架束缚，积极探寻并实践全新的表现技法，对传统音乐形式进行深入且广泛的改革与创新活动。

1.音乐结构的创新与突破

在浪漫主义音乐语境下，新颖的结构设计成为其标志性的特征之一。相较于古典主义时期严格遵循的曲式结构原则，诸如二部曲式和三部曲式等，浪漫主义时期的音乐作品展现了对个性化表达的强烈诉求，从而催生诸多非传统的结构形式，诸如较为自由的奏鸣曲式变体、不完全奏鸣曲式等形式。这些结构上的革新极大地拓宽了作曲家们的艺术创造空间，确保音乐作品能够更加契合其独特的艺术表达需求。

以瓦格纳的歌剧《尼伯龙根的指环》为例，这部作品堪称浪漫主义音乐在形式革新上的典范之作。瓦格纳在此剧中摒弃传统的曲式限制，采用诸如片段式连续结构、开放性终止手法等创新策略，使整部歌剧的结构布局呈现出前所未有的灵活性与多样性。此外，瓦格纳还充分凸显管弦乐队的丰富表现力，构建了一种充满象征意味和情感张力的音乐语言体系。

同样在音乐形式创新方面有所建树的是李斯特的《交响诗》系列作品。李斯特以交响乐的形式为载体，创造性地描绘出一系列栩栩如生的音乐场景，引领听者步入一个充满诗意与想象力的音乐王国。在《交响诗》的创作中，李斯特精妙地运用主题变奏、旋律发展和复杂的和声处理手法，进一步提升了作品的艺术品质与内涵深度。通过这样的实例，可见浪漫主义音乐在形式创新方面所取得的重大成就，以及其对后世音乐发展的重要影响。

作曲家的探索和实践引领他们远离古典主义的严格形式，开创了音乐创作的新领域。浪漫主义作品展现出更加自由的结构特点，作曲家们超越传统的奏鸣曲式和变奏曲式，依据作品内容和情感需求，设计出各种表达力十足的新结构。这种突破不仅增强了音乐形式的多样性和丰富性，而且更有效地传达了浪漫主义追求的情感共鸣和个性化表达。同时，浪漫主义音乐更注重结构的内在逻辑和发展。作曲家们深入挖掘音乐主题，确保音乐结构在逻辑和连贯性上的加强，使得作品在形式上更为紧凑，能够表达更复杂的思想和情感。此外，浪漫主义音乐结构中的民族音乐元素也得到了显著重视。通过将民族旋律、节奏与和声融入作品，作曲家们赋予音乐独特的地域风格和特色，这不仅增强了音乐的表现力，而且促进了音乐文化的交流与融合。总体来说，浪漫主义音乐在结构上的创新和突破展现了作曲家在形式探索中的勇气和智慧。这些改进使得音乐作品在形式上更为丰富、多元和具有表现力，为后世音乐创作留下了宝贵的遗产和启示。

2.旋律的创新与突破

在浪漫主义音乐领域内，旋律创新担当核心的推进角色，它是音乐家们追求深层次情感传达与表现力拓展的关键途径。浪漫主义音乐作品的旋律构造呈现出更为复杂且多变的特点。不同于古典主义时期对于明晰简约旋律线条的偏好，浪漫主义作曲家倾向于利用旋律的动态波动、曲折变化，以及延伸延展来体现内心世界的细腻情感。他们通过扩展现有音阶和调式的应用范围，整合变化音级与装饰音符等手法，有效地增强了旋律的表情强度和感染效果。频繁采用的大跨度音程与广阔音区，进一步凸显了音乐的动态活力与层次质感，这方面的实验与探索无疑是旋律创新的一项重要突破。

另外，从宏观视角审视，旋律的结构形态亦发生了显著变化。浪漫主义音乐家勇于挑战传统的旋律构成法则，采用非规律性的节奏组织与弹性化的曲式架构，以此精准对应并传达个人内在情感体验与思想观念。他们在作品中普遍运用重复、变奏，以及动机的发展深化等手法，有力地展现旋律的内在含义与深度表达。

此外，旋律色彩维度上的丰富化也是浪漫主义时期的一大特色。作曲家们精于借助各类乐器的独特音色和演奏技巧，以实现旋律表现力的多元化提升。这种对音色美学的积极探索与实践，使旋律的表现形态更趋于立体饱满，更富有魅力。

以柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》为例，这位作曲家匠心独运地融汇舞曲、交响乐等多种音乐元素，展示了多层次的音乐形式之美。在《天鹅湖》中，柴可夫斯基尤其擅长汲取和运用俄罗斯民间音乐素材，如大量采用和声小调，赋予作品鲜明的民族风格印记。他借鉴俄罗斯本土舞蹈的节奏韵律与旋律线条，将其有机融入芭蕾音乐的织体之中，从而使《天鹅湖》的旋律洋溢着浓郁的民俗气息。作品旋律精确捕捉角色的性格特质与情感变迁，通过旋律线条的抑扬顿挫、节奏模式的切换，以及音色对比的运用，将角色内心的情绪波澜描绘得细致入微。与此同时，柴可夫斯基凭借精湛的音色调配与和声处理技术，赋予旋律线条优美的流动性，使《天鹅湖》的旋律既保持古典主义音乐的高雅韵味，又饱含浪漫主义的热情奔放，使得《天鹅湖》成为一部兼具艺术审美价值与情感冲击力的杰作。如谱例1所示。

总体而言，浪漫主义音乐中的旋律创新不仅是对传统旋律的改进，更是一种对音乐表现力的深入探索和突破。音乐家们通过丰富的音阶和调式、变化音和装饰音，以及多样化的旋律形式和表现技巧，使旋律变得更加丰富和多变，从而提升了其表现力和感染力。这种旋律创新为浪漫主义音乐带来独特的艺术魅力和更广阔的表现空间，使音乐更加触动人心。

3.和声的创新与突破

在浪漫主义时期，作曲家们摒弃传统和声的约束，追求更加自由和个人化的表达。人们可以从浪漫主义音乐作品中看到更为丰富多样的和声色彩。作曲家们开始运用更为大胆的和弦变化，如增二度和减七度等，以及更为复杂的和声进程，使得音乐作品充满情感张力和戏剧性。具体来说，他们在和声的使用上展现出前所未有的丰富性，超越传统的大小三和弦与七和弦，引入九和弦、十一和弦等更为复杂的结构，极大地丰富了音乐的色彩和表现力。在和声进程上，浪漫主义作曲家们也有一定的突破，他们用更加灵活自由的节奏来安排和声，打破了旧有的和声模式，通过使用多样的过渡和弦，使音乐的流动变得更加平滑自然，从而增强了音乐的表现力和感染力。此外，浪漫主义作曲家们也开始尝试使用更为自由灵活的和声处理。他们不再严格遵循古典主义时期的和声规则，如：功能和声的顺序和稳定性，而是根据作品的情感表达需要，灵活运用和声手法，使得音乐形式得以突破。同时，浪漫主义音乐作品中的和声创新还包括对民族音乐的吸收和融合。许多作曲家在和声中融入民族音乐元素，如：民間旋律、节奏和音阶等，使得音乐作品更具特色和地域风格。

比如勃拉姆斯《f小调第三钢琴奏鸣曲（Op.5）》第一乐章片段，整段音乐在属持续下通过不断离调，最后通过属九和弦，以及导七和弦解决回主和弦。作品大胆使用极具张力的九和弦、二度叠置，以及降Ⅳ级变音过渡和弦，使和声效果充满浪漫主义色彩。如谱例2所示。

通过对浪漫主义音乐作品进行深入的和声学研究与分析，人们可以洞察作曲家群体如何在音乐形式构建中实现革新与超越。此种革新的内涵不仅局限于和声色彩层面的广泛拓展与精细化处理，它还表现在和声技法的高度个性化与自由化，以及对异彩纷呈的民族音乐元素创造性吸纳与整合。这种和声语言的革命性发展，连同其他音乐要素，如：结构布局的更新、旋律设计的多样性、配器手法的革新等极大地提升了浪漫主义音乐作品的艺术个性与独特吸引力，使之成为能够更加细腻而深刻地诠释人类情感内涵与精神世界的载体。

浪漫主义音乐时期在音乐形式创新与突破上的卓越贡献，表现为作曲家们在整体结构设计、旋律线条的创造与拓展、和声语言的改革运用，以及配器技术的精致化等诸多方面的综合变革。这些开创性的工作使得音乐作品能够以前所未有的方式触及人类情感的核心地带，从而对后世音乐创作实践与理论体系产生持久且深刻的影响力。

（二）情感表达的自由与丰富

在音乐史上，浪漫主义音乐因其自由且丰富的情感表达而著称。诸如贝多芬、肖邦、李斯特，以及瓦格纳等杰出作曲家的创作，反映了他们对生活深沉的感触，以及对理想执着的追求。浪漫主义音乐的本质特征在于其对情感表达的无拘无束，作曲家们追求独特的音乐语言，强调音乐的情感深度，将个人情感体验融入音乐创作。他们摆脱古典主义音乐严谨的结构范式，转而采用更为自由随性且富含即兴成分的创作路径，此举有效提升了音乐作品的表现力和感染性。

这一历史阶段，音乐的表现维度得到了空前扩充，作曲家们力求通过音乐全面涵盖生活中种种复杂的情感状态，如：炽烈的激情、深切的哀愁、欢腾的喜悦和浓烈的浪漫情绪等。他们熟练运用丰富多彩的和声构造、富有叙事性的旋律线条、灵动多变的节奏安排，以及多样化的音色处理和精湛的演奏技艺，旨在拓宽情感表达边界。同时，浪漫主义作曲家们高度重视音乐与受众间的互动联系，秉持音乐应该被大众理解并深受喜爱的理念。因此，浪漫主义音乐作品往往具备较高的聆听亲和力与情感共鸣潜力，容易触动听众内心世界。

以贝多芬的《第九交响曲》为例，这部作品堪称浪漫主义音乐风格的典范之作。贝多芬在这一作品中成功嫁接了古典音乐的形式逻辑与浪漫主义的情感释放，通过大量前卫的和声处理、富有戏剧张力的旋律建构，以及对音色和节奏表现力的崭新探求，完成了对既有音乐规范的突破与升华。

（三）民族特色的强调与体现

在浪漫主义音乐中，民族文化的彰显与诠释起到了决定性作用。那个时代的作曲家群体日益意识到发掘本土文化渊源的重要性，并积极尝试将各自民族特有的音乐元素熔铸于作品之内，这种趋势直接催化了浪漫主义音乐多元化流派的形成与发展。例如，肖邦在其《夜曲》系列中融入波兰民间音乐素材，以此锻造出一种蕴含独特个性与民族特质的音乐语汇。在旋律构建、和声织体与节奏布局等方面，肖邦的《夜曲》充分展现了浪漫主义音乐独有的韵味和魅力。

追溯至浪漫主义音乐初期阶段，德国音乐家继承并发扬了古典音乐的卓越传统，尤为重视音乐作品内在情感的深刻传达，并通过精心构筑音乐形式与结构，催生了广为人知的“浪漫主义音乐”潮流，其中佼佼者包含贝多芬、舒伯特和勃拉姆斯等人。

随着浪漫主义音乐进一步发展，它步入一个更加强调个性表达和多元探索的时代。法国音乐家们开始聚焦于音乐表现的力度与色彩层次，赋予情感传达前所未有的优先地位，他们机智地借鉴民族音乐元素，孕育出许多洋溢着法兰西浪漫气息的音乐杰作，如柏辽兹、圣-桑的作品即是此种倾向的卓越体现。

与此同时，俄罗斯的浪漫主义音乐亦经历了繁荣昌盛的阶段。俄罗斯作曲家群体专注音乐情感的真挚传达，尤其强调作品的标题性和叙事性，他们在创作中将民族特色与音乐构思完美结合，从而诞生诸多饱含俄罗斯民族风情的经典之作，诸如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》和穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》等。

在整个浪漫主义音乐发展历程中，对民族特色的提炼与展现既体现在音乐作品的内在构造与表现手法上，又体现在作曲家们对本民族文化资源的关注、保护与传承实践之中。匈牙利作曲家巴托克·贝拉与柯达伊便是生动例证，他们积极搜寻与整理民谣音乐，并将其民族元素创造性地植入自己的音乐创作中，为世界音乐宝库增添了不可估量的价值。这些作曲家们透过对本民族文化的深度研究与创造性转化，创作出众多富含鲜明民族特性且丰富多样的音乐作品，有力地促进了世界音乐多样性的扩展与深化。

三、浪漫主义音乐作品的教学应用

（一）浪漫主义音乐作品在教学中的重要性

浪漫主义音乐在音乐史上占据着极其重要的地位，其作品因其独特的风格、丰富的表现力和强烈的感染力而闻名。在音乐教学过程中，深入研究这一时期作品的风格特征，以及如何在教学中应用这些特征等具有极其重要的作用。

首先，理解风格特征是音乐教学的基础，它不仅让学生对音乐结构有深刻的理解，而且能帮助他们掌握音乐的发展脉络，进而提高他们在音乐鉴赏和创作方面的能力。其次，浪漫主义音乐的丰富曲式结构对理论教学极为关键，通过仔细分析这些结构，学生可以掌握各种形式的特点及其应用，从而丰富他们的音乐理论知识。此外，在实际教学中，引导学生掌握浪漫主义音乐的特征，有助于他们在创作中灵活运用这些知识，从而显著提升实践技能。最后，通过研究这一时期的音乐风格，学生能够更好地理解浪漫主义音乐的美学特质，从而提高他们的音乐审美水平。

（二）教学策略与方法

在探讨浪漫主义音乐作品的风格特征教育时，当前的教育宗旨并非仅仅局限于使学生认知并熟练掌握此类风格特征的技术层面，而更为关键的是启迪学生领悟并鑒赏浪漫主义音乐的美学内涵。因此，在教学手段与策略的设计上，人们必须充分考量如何有效激发学生的求知欲，提升其课堂参与程度。

首先，在课程设计中融入浪漫主义音乐的历史脉络及其代表性作品，以此调动学生的学习热情。例如，选取肖邦的《夜曲》、贝多芬的《第九交响曲》等标志性浪漫主义音乐作品，可以让学生在聆听音乐的过程中，同步探究作品的创作环境与音乐特质。

其次，借助案例解析的教学模式，引导学生通过具体音乐实例研习和把握风格特征的分析技术。例如，指定一部典型的浪漫主义音乐作品，指导学生从音乐形态结构、旋律线条、和声运用等多个维度进行深度剖析，确保学生能切实领会作品的艺术精髓。

再次，提倡实施一系列实践活动，如：小组研讨、音乐会观摩等课外延伸活动，鼓励学生在实践中学习与进步。举例来说，安排学生实地参与音乐会或者录音棚体验活动，使其亲身经历音乐制作流程，借此提高学生对音乐实质的认知能力和审美鉴赏力。

最后，作为教育者，持续的专业进修与自我提升至关重要，这可以确保为学生提供高质量的教学指导。可通过参加专业研讨会、研读相关学术专著和科研论文等方式实现，从而始终保持对音乐教学工作的热情和专业水平的与时俱进。

总而言之，教学策略与方法的选择应当紧密结合学生的实际需求与教学目的，旨在培养他们对浪漫主义音乐深层次的理解和更高层次的欣赏能力，全面提升其音乐综合素质。

四、结语

在本文研究中，系统探究了浪漫主义音乐作品的风格属性及其在教学实践中的应用价值。通过对横跨该时期及具有代表性的作曲家作品进行详尽考察，对浪漫主义音乐作品的曲式构造获得了更为深刻的认识。起始阶段，追溯了浪漫主义音乐的历史沿革，细致探讨了这一时期音乐风格的独特标识，诸如：对情感表达的极致追求、个性化的艺术表达，以及创新性的音乐语言等特征，这些特点在很大程度上展现出浪漫主义音乐作品区别于古典主义音乐的复杂且多元的曲式结构。

接下来，针对一系列浪漫主义音乐作品的不同体裁，如：交响曲、钢琴奏鸣曲和歌剧等，进行详细的曲式结构剖析。结果显示，浪漫主义音乐作品的曲式结构呈现出以下显著特点：首先，作品的开篇通常具有强劲的吸引力，旨在迅速捕获听者的注意力;其次，旋律线条展现出丰富而多变的特征，具有强大的表现力;再次，和声处理手法新颖且富有创意;最后，结构布局体现出自由且灵动的特性，尤其注重情感表达的自然流转。

基于上述分析，进一步就浪漫主义音乐作品的曲式结构特征在教学中的应用进行深入探讨。笔者认为，在教学实践中，教师应对浪漫主义音乐作品的曲式结构特性给予足够重视，引导学生从结构分析的角度去感知和解读作品。以交响曲教学为例，可以引导学生观察乐曲首段如何实现吸引听众的艺术效果，探究旋律线条如何历经变化发展以传达丰富情感，分析和声配置如何创新性地增强作品的情感渲染力，以及整体曲式布局如何通过流畅转换以体现情感表达的连贯性。

最终，通过深入研究课堂教学中对浪漫主义音乐作品曲式结构特征的应用，不仅能够提升学生对这一时期音乐作品的鉴赏力和理解深度，同时也对其音乐创作才能的培养和创新思维的激发具有重要意义。因此，认识并运用浪漫主义音乐风格特征在音乐教育领域内具有举足轻重的意义与价值。

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作者简介：李运春，铜仁学院艺术学院副教授，DMA作曲博士，贵州省音乐家协会会员。

基金项目：本文为贵州省高等学校教学内容和课程体系改革项目，项目名称：OBE教学理念下《音乐分析》虚拟仿真实验教学及课程思政构建研究，项目编号：2023325;本文为贵州省2023年省级金课《曲式与作品分析》阶段性成果。