戏剧舞蹈编导中形象思维培养策略探析

【摘 要】形象思维作为戏剧舞蹈编导创作过程中的核心认知机制，直接影响作品的情感表达与思想深度，并贯穿于导演构思、舞台设计及排练等多个关键环节。本文针对戏剧舞蹈编导形象思维的培养策略进行探讨，从理论与实践结合、项目导向的创作实践、即兴训练、跨学科知识汲取等多个维度，分析形象思维的形成机制与应用路径。通过强化生活体验、多感官整合训练、跨学科融合等手段，进一步探讨提升编导形象思维能力的培养策略，使其在创作中能够更为精准地表达情感与思想，最终推动作品的艺术价值与社会影响力的双重提升。

【关键词】戏剧舞蹈" 舞蹈编导" 形象思维" 跨学科融合" 即兴创作

中图分类号：J805" "文献标识码：A" "文章编号：1008-3359（2024）19-0153-06

舞蹈思维指的是创造舞蹈形象的特定思维方法，它是一种以人体动作为感性材料的形象思维。舞蹈思维贯穿于舞蹈创作的全过程，具有动态性和发展性。而戏剧舞蹈编导作为艺术创作的核心，需具备将抽象情感、思想观念通过具体的肢体语言和舞台呈现表达出来的能力。在此过程中，形象思维属于艺术创作的思维方式，也是编导与舞台、演员互动的基础。

一、形象思维的概念与特征

（一）形象思维与逻辑思维的关系

形象思维是以具体形象为基础，通过直观感性的方式进行思考的一种思维方式。此思维方式主要强调感官体验和对具体情境的理解，最终导向特定的思维活动。此过程并非单纯依赖于抽象化的逻辑推理。换言之，形象思维与逻辑思维之间并非对立关系，而是相辅相成、互为补充。逻辑思维专注于事物之间的因果关系和推理过程，强调理性与系统性；而形象思维则注重具体感受以及视觉化的表达。在戏剧与舞蹈创作中，形象思维可为逻辑思维提供情境背景，以此使舞蹈作品所传达的内涵更为深刻、立体。

（二）形象思维在戏剧与舞蹈创作中的应用价值

1.创作灵感的源泉

创造性的想象力和情感是舞蹈思维的关键，它以形象思维为主，同时涵盖抽象思维、灵感思维。在舞蹈创作过程中，编导需基于自身的形象思维，通过对生活、文化和情感的观察，将此类元素转化为具体的形象与情景。例如，在构思一部反映社会现实的舞蹈作品时，编导可以从日常生活中的小细节入手，通过形象化的方式展示特定的情感状态或社会现象，从而赋予作品深刻的社会意义。

2.情感表达的有效手段

形象思维可通过具体的肢体语言、动作、表情和舞台布景等方式，将情感以视觉的形式传递给观众。例如，编导可通过舞者的身体姿态和动作组合，表现出欢乐、悲伤、愤怒等复杂情感，使观众在观看的过程中产生强烈的共鸣。在此过程中，形象思维还可帮助编导在叙事上构建情感的层次，通过形象化的叙述方式使故事更加引人入胜。

3.跨界融合与创作创新

在戏剧与舞蹈创作的跨界融合方面，形象思维可持续推动对艺术形式的创新。在此过程中，编导可通过形象思维，将戏剧、舞蹈、音乐、视觉艺术等多种艺术形式相结合，创造出更为丰富的艺术体验。例如，在现代舞表演中，编导可通过结合多媒体投影、现场音乐和舞者的形象化表达，形成多层次的艺术作品。

二、当前戏剧舞蹈编导教学中的形象思维培养模式

（一）理论与实践相结合的课程体系

在当前的戏剧舞蹈编导教育中，形象思维的培养模式应以理论与实践结合的课程体系为核心，强调通过系统化的课程设计，使其在掌握形象思维理论的同时，通过所进行的舞蹈创作进一步深化对其的理解和应用。

第一，课程结构应呈现多样化特点，既包含形象思维的基础理论，如心理学原理、艺术哲学和审美理论，也涵盖具体的实践课程，如舞蹈编排、戏剧表演和即兴创作，从而构建一个多层次的学习环境。这样的设计旨在使学习者在学习形象思维的基本概念时，可通过对角色行为、心理的分析，使理论知识转化为实际的创作能力。

第二，理论学习仅提供了形象思维的框架和工具，实践操作则是形象思维落地的关键。在实践课程中，学习者有机会将所学的理论知识运用到编导创作中。通过排练和舞台实践，学习者可以将抽象的形象思维具体化为可视、可感的艺术表现。

（二）项目导向的创作实践

项目导向的创作实践主要是通过真实的创作项目，进一步培养学习者掌握形象思维的方法，促进其发展自身的形象思维。

首先，项目实践要求学习者从构思，到编排，再到最终呈现，完成一个完整的作品。在此过程中，学习者需要在每个创作阶段进行独立思考，分析如何将剧本或舞蹈的核心思想通过形象表达出来，以此锻炼其对剧目整体的把握能力，并增强其在实际创作过程中运用形象思维的能力。

其次，每个项目的题材、风格可能各不相同。有些作品需要编导通过象征性的舞蹈动作表达深层次的情感或抽象概念，而有些作品则要求编导以具体的肢体语言展现明确的情节和角色。

最后，戏剧舞蹈编导一般为集体创作过程，涉及舞者、舞美设计、音乐、灯光等多个部门的合作。在实践项目中，其不仅需要运用自己的形象思维完成编导任务，还需要学会与其他创作人员有效沟通，将自己的构想与他人的创意相结合。

三、戏剧舞蹈编导中形象思维的培养策略

（一）强化生活体验与感性认知的交互作用

1.从日常生活中获取形象化创作素材

在戏剧舞蹈编导的创作中，形象思维的构建往往源自对现实生活的深入观察与体悟。通过从日常生活中汲取形象化的创作素材，编导得以捕捉丰富的细节，并将其艺术化地转化为舞台表演。在此过程中，编导需认识到日常生活中的每个情感瞬间和行为细节，均蕴含着丰富的创作潜力。编导通过对细节的敏锐观察，将其转化为舞台上富有象征意义的动作和形象。

例如，在舞蹈作品《咱爸咱妈》中，编导从日常生活中的普通物件——一根竹竿出发，通过巧妙的艺术处理，将竹竿象征为人生的重担与责任。该道具承载舞者的肢体动作，并通过象征手法传达亲情与生活压力的双重主题。这种生活化的表达，可以将物件经过艺术升华，使观众感受到舞蹈动作的美感，并从中体会到深刻的情感意蕴。

再如，在《红色娘子军》舞蹈作品中，编导通过对劳动妇女日常劳动姿态的观察，提炼出舞蹈动作，表达出她们反抗压迫的力量与决心。舞剧中，反复出现的挥舞手臂、高举姿态，象征着革命者的勇气与力量。该舞蹈动作的灵感来源于现实劳动场景，经过编导的艺术加工，成为舞蹈作品中极具表现力的符号。这种将生活化动作转化为艺术形象的创作方式，使得舞蹈作品在表现历史题材时具有了更强的感染力。

在日常生活肢体语言的应用中，其也属于编导进行创作的形象素材。如在《母亲》一作中，编导通过提炼母亲在日常生活中抱孩子、轻拍背部等细微动作，将母爱的温柔与深沉通过舞台表现得淋漓尽致。基于生活化的情感表达，舞者通过细腻的动作诠释，使观众得以在舞蹈中感受到亲情的力量，并激发出强烈的情感共鸣。通过从日常生活中获取创作素材，编导将现实中的简单动作、情感互动、环境氛围等，转化为富有象征意义的舞台形象。

2.通过现实体验提升编导的感性认知与形象建构

编导的感性认知与形象建构可通过深入现实生活的体验进行培养。对此，编导需从感性认知出发，捕捉到细腻的情感脉络与复杂的社会现象，并通过艺术化的手段，将此经验转化为形象化的舞台呈现。

首先，现实体验可丰富编导的感性认知，增强其对情感表达和动作语言的理解力。通过深入参与并观察现实生活中的具体情境，编导可以深刻体会人与人之间的情感交流以及其蕴含的复杂社会关系。例如，在经典作品《白毛女》的创作过程中，编导深入农村，亲身体验农民的日常劳动与生活环境。而这种切身的生活体验，使得编导能够在作品中通过舞者的肢体语言，真实再现劳动人民的艰苦生活与反抗压迫的斗争精神。在创作过程中，编导巧妙地运用了劳动场景中的肢体动作，并通过情感化的动作刻画，深入展现了人物的内在情感及其面临的生存困境。

其次，舞蹈创作中的形象思维主要通过动作传递情感、思想及文化象征。此过程立足于编导对现实的观察和体验，以此为基础精准把握作品的核心思想，并通过形象化的动作呈现给观众。例如，在现代舞作品《无声的呐喊》中，编导通过对都市生活的深入观察，提炼出象征紧张、压抑与孤独的动作符号。这些动作中所蕴含的社会与心理意义较为深刻。在该舞蹈作品中，它们能够生成具有社会象征意义的舞台形象，彰显了编导形象思维的深刻性。

最后，形象建构与感性认知的交互关系，可通过美学中的“再现”与“表现”理论得到进一步阐释。现实体验为舞蹈创作提供“再现”素材，通过直接感知现实，编导可收集大量形象思维的原始材料，并通过自身的感性认知将此类生活素材升华为富有艺术表现力的形象，实现从“再现”到“表现”的艺术转化。正如戏剧理论家阿尔托所言：“编导应通过深入体验，使得舞台的表现并非单纯限于外在动作的呈现，而是成为内在精神世界的符号化表达。”在此，现实体验帮助编导提升了感性认知的深度，使作品中的形象建构更为生动和富有情感穿透力。

（二）多感官整合训练中的形象认知深化

1.视觉、听觉与身体感知的交互性培养

视觉、听觉与身体感知的相互作用是形象思维构建的基础。在实际创作过程中，编导需要通过整合这三种感官的信息，构建出更具表现力的舞蹈形象，从而实现情感、动作与空间的有机统一。

第一，视觉感知可为编导提供出舞台上最直观的形象信息，其中包括对舞台画面的构图和布局的把握，涵盖对色彩、光影以及场景变化的敏锐观察。例如，在舞剧《大红灯笼高高挂》中，编导通过红色灯笼的反复运用，强化了舞台的视觉冲击力，并利用光影效果传递出封建家庭生活的压抑感。同时，视觉元素与舞者的动作形象相结合，使观众可通过视觉体验到故事的情感张力和内在冲突。

第二，听觉感知主要涉及音乐、环境音效与节奏的变化，其内涵在于能够塑造出特定的情感氛围。例如，在现代舞《春之祭》中，编导将斯特拉文斯基的音乐与舞者的身体语言紧密结合，使音乐的震撼与舞者的急促动作形成强烈的情感共鸣。听觉的节奏与声音的层次感，也进一步增强了观众对作品的情感体验，而舞者通过对音乐的回应使得情感表达更具层次。

第三，身体感知则是形象思维构建的核心部分，通过身体的感知，编导可将视觉与听觉的信息整合为有机的舞蹈动作语言。例如，在《黄河》舞剧中，编导可通过舞者的肢体动作向观众展示出黄河的波涛汹涌，体现出本舞蹈作品中蕴含的民族精神，且可通过舞者与舞台空间的互动，增强作品的视觉效果与情感表现力。通过身体的感知，编导得以在空间中构建出充满动感的舞蹈画面，进而增强其形象思维的表达效果。

由此可见，通过视觉、听觉与身体感知的交互性培养，舞蹈编导可在多维感官体验中深化形象认知，提升舞蹈作品的整体表现力。基于多感官整合训练还可进一步丰富编导的感官体验，增强其在舞台空间中构建复杂舞蹈形象的能力。

2.情感与动作的多层次表达

情感与动作的多层次表达是深化编导形象思维的主要路径。编导需通过动作传达具体的情感，并着力打造出基于动作层次性所传达的内在复杂情感世界。在此过程中，要求编导在编排舞蹈时，从不同的情感维度进行动作设计，以便在舞台上呈现出情感的多层次性。

舞蹈编导中的多层次情感表达，一般通过动作的细腻变化来完成。例如，在芭蕾舞剧《天鹅湖》中的“黑天鹅”片段，编导通过舞者动作的轻盈与突然的变化，表现出主人公内心情感的复杂性。通过动作的节奏变化，编导将单一的情感动作提升为多层次的情感表达，使观众更为直接地感受到人物复杂的心理活动。

而在现代舞作品《无名之辈》中，编导则通过动作的层次性表达出城市生活中人的孤独感与抗争精神。舞者的动作先是缓慢且沉重，随后逐渐加速，并伴随着突如其来的爆发。这种基于动作层次变化，传递出人物从压抑到奋起的情感过程。编导通过动作的渐变与突变，成功地展现了角色内心的无助和抗争，使得情感表达更为深刻。

（三）即兴创作训练与形象思维能力的激发

1.即兴表演中形象联想与思维创新

即兴创作为激发舞蹈编导形象思维的关键，其旨在打破传统既定的编排框架，使舞蹈编导可在舞者的即兴表演中获得创作灵感。例如，在创作舞蹈《白毛女》的劳动场景时，编导让舞者以即兴的方式表现农村妇女在田间的劳作姿态。这种没有预设动作的即兴练习，促使舞者通过自身的身体感知直接反映出生活中的劳动节奏与动态。编导通过对这些自然生成的动作进行观察与提炼，发掘出其中富有生活气息的肢体语言，并巧妙地将其融入舞蹈作品中，真实再现了劳动人民的生活状态与内在情感。在即兴创作的过程中，编导不断进行形象联想，将平凡的动作转化为具有审美、象征意义的舞台表现形式，使作品在创新性以及表现力上达到全新的高度。

2.实现形象思维的多维拓展

在动作、时间和空间等多个维度上即兴创作训练有助于激发编导的形象联想。相较于预设性的创作模式，即兴创作允许编导自由探索动作在不同维度中的表现形式，从而增强舞蹈作品的层次感。如在《红色娘子军》的创作过程中，编导通过让舞者在丛林战斗场景中进行即兴动作练习，探索战士与自然环境的互动。而这种不受空间限制的即兴创作，可使编导从舞者的自由动作中得到舞台场景的灵感，从而创造出具有张力的战斗场面。最终呈现的作品因此达到了更加生动、鲜活的效果，从而在空间维度上展现了更为丰富的表现力。

（四）跨学科知识体系对形象思维的促进作用

1.从文学与视觉艺术中汲取形象思维的灵感

文学与视觉艺术可帮助编导在创作中打破单一的表现方式，将形象思维推向新的高度。通过深入解读文学作品中的叙事结构和人物心理，编导能够从中提炼出具有深度的情感表达，并将其融入舞蹈动作的设计之中。

以现代舞剧《天鹅湖》为例，编导彼得·马丁斯在柴可夫斯基的原作基础上，汲取了爱情悲剧的文学情感，借鉴了古典绘画中天鹅意象的视觉表达。在舞台设计上，他利用天鹅的优雅姿态，通过舞者的动作细节呈现出人与命运抗争的内在冲突。基于文学与视觉艺术的结合，《天鹅湖》改变了传统的舞剧方式，而侧重展现一种充满哲学思考的艺术表达，体现出编导形象思维的多维度延展。

2.跨学科背景下抽象与具象思维的融合

舞蹈编导通过抽象思维可赋予动作以深层次的思想内涵。在跨学科背景下，编导需将抽象的哲学思想、心理学概念与具象的肢体动作相结合，从而实现形象思维的高度融合。

例如，皮娜·鲍什的《咖啡馆穆勒》通过极具象征意义的肢体语言，表现出人物的内心孤独与社会疏离感。编导不仅借助心理学对孤独和压抑的抽象理解，还通过具象的舞台行为，如舞者撞击桌椅的反复动作，表现出内在情感与外在环境之间的张力。此舞蹈作品的形象建构，基于编导自身形象思维的转化，并以传达抽象概念的手法，使得舞蹈作品可在视觉与情感之间找到微妙的平衡，最终达到形象思维深层次提升的效果。

（五）角色塑造中的形象思维引导与情感共鸣

1.通过情感形象化构建人物内在世界

以舞蹈作品《永不消逝的电波》为例，该舞蹈作品展示了编导是如何通过情感的形象化来塑造角色的内在情感世界的。该舞蹈作品以地下党员李侠的故事为原型，通过细腻的舞蹈动作和舞台调度，呈现出李侠在抗战时期隐忍与坚守的复杂内心。编导在创作时，通过对现实生活中情感体验的提炼，逐渐将李侠的紧张、焦虑和坚定的情感外化为肢体语言。作品中李侠传递情报时的谨慎步伐和隐蔽动作，不仅表现出他在复杂环境中的心理压力，也传达出他坚定的信仰与牺牲精神。

通过情感的形象化表达，编导将人物的内心世界具象化为肢体动作，赋予舞蹈作品极强的情感张力。而这种创作处理方式，可让观众深入角色的内心世界，与角色的情感产生共鸣，最终使角色形象更加立体和生动，提升作品的艺术表现力和情感穿透力。

2.角色与形象思维的深层互动分析

构建人物的内在世界在于形象思维与角色内在世界的深层互动。舞蹈编导在创作中，通过形象思维引导角色的内外统一，他们需要考虑的不仅是动作、视觉效果，还需确保每个动作背后都蕴含情感深度。

首先，编导通过形象思维，可设计出角色的外在动作，并赋予动作内在的情感动机，使得每一个舞蹈动作背后都有深刻的情感支持。形象思维帮助编导打破了动作的机械性，使动作成为情感和思想的象征。

其次，形象思维通过对角色心理状态的深度把握，进一步推动了角色的情感层次发展。在塑造角色时，编导需处理好角色的外部动作，还需通过形象思维深入挖掘角色的内心世界。

最后，在形象思维与角色塑造的深层互动方面，需基于动作的象征性和隐喻性进行深化处理。在此，编导需借助形象思维，将角色的肢体语言转化为具有象征意义的舞蹈形象，以此增强角色的表现力，赋予舞蹈动作更深刻的思想内涵。角色通过形象化的动作传达出情感和思想，使观众在观看角色动作的同时，也能感受到角色背后的情感力量，领会舞蹈作品的思想深度。

四、形象思维在实践中的应用与训练

（一）导演构思中的形象思维

在实践应用训练中，导演构思阶段为编导形象思维的萌发阶段，此阶段也为创作框架的初期。在此阶段，编导需理解剧本的情感内核，还需通过形象化思维将这些抽象的情感、思想以及文化符号具体化，并通过视觉、肢体等多重手段来传达。在形象思维的引导下，导演构思需基于对情节的梳理，以及对情感、意象的高度凝练。例如，编导在创作一部关于孤独与希望的舞剧时，首先要通过形象思维来设想舞台空间、人物动作的构成，将孤独这一抽象情感具体化为舞者的动作、灯光与道具的配置。形象思维帮助编导从广义的概念中提炼出符号化的动作语言，进而在每一场戏中通过视觉化的方式传递主题。

（二）舞台设计与形象思维的互动实践

在舞台设计中，编导需通过形象思维将剧本中的情感与思想具象化，并通过空间、道具、光影等设计元素加以呈现。如编导在设计舞蹈剧场时，往往通过形象思维设想舞台空间的功能性和象征意义。通过将形象化的空间设计与演员动作相结合，舞台设计可最大化地体现舞蹈作品所需要的情感张力。

（三）排练过程中的形象思维强化训练

排练阶段是形象思维实践的核心过程。对此，编导需通过反复试验、调整和完善，将抽象的构思通过舞者的动作和场景表现得更加具象化。在排练中，编导可通过形象思维设想动作的节奏与空间布局，并通过反复的试验和调整，逐步细化每一位舞者的动作、每一个节拍的切换，确保最终的视觉呈现可最大程度地表现群体情感的流动与交错。基于反复的形象化思维训练，舞蹈动作不再是简单的肢体表现，而是情感与思想的有机结合。

五、结语

总之，形象思维作为戏剧舞蹈编导创作中的核心技能，决定着作品的艺术性，影响着情感传递与观众的认知体验。通过多元化、多样化的培养策略，舞蹈编导可在创作中更加灵活、精准地运用形象思维，将其转化为可感知的艺术表现，以此为我国未来舞蹈创作提供更为广阔的空间，最终推动舞蹈艺术创作在思想深度和视觉表现上的突破。

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