谈油画中装饰性色彩的艺术表现

孔倩

摘要：油画起源于15世纪的西方，作为绘画中最为常见的艺术表现手法之一，其在整个艺术发展史上占据着重要位置。很多取得过伟大成就的著名画家，如莫奈、梵高、达芬奇等，都是通过油画来表达自身的思想感情与情绪诉求。与其他绘画形式相比，油画多采用丰富的色彩突出画面的表现力与视觉效果，以此激发观众更深的情感共鸣。装饰性色彩是一种能够准确表达作者独特审美与内在情感的色彩表现形式，近些年越来越多的被画家运用于自己的油画作品中。本文笔者首先将装饰性色彩的含义及特征进行介绍，将其在油画中的艺术表现加以阐述。

关键词：油画  装饰性色彩  艺术表现  情感共鸣  表现形式

中图分类号：J205 文献标识码：A文章编号：1008-3359（2021）20-0041-03

油画是一种既需要遵循绘画艺术创作规律，又要充分表达自身情感与主观审美意识的绘画形式。由于自身材料特性等因素，相较其他绘画手法而言，油画的创作过程更为复杂。色彩是油画作品中最为重要的指标之一，一幅油画的好坏很大程度上取决于画家对色彩的把握程度，画面的色彩基调稍微出现偏差都有可能导致整副绘画作品宣告创作失败。装饰性色彩与传统色彩表现形式不同，更多的是通过点、线、面、灯光及阴影等装饰性手法进行油画的色彩构成，这种表现形式能够更好的表达作者的主观审美与内心情感，使其作品变得更加立体、丰满，因此也被越来越多的画家运用于自己的绘画作品中。

一、装饰性色彩的含义和特征

（一）装饰性色彩的含义

“装饰”，顾名思义，可以理解为附着在绘画作品上的装饰物品，对整体绘画作品起装点促进作用。装饰性色彩与传统的色彩表现形式不同，不再使用颜料进行单一的画面表现，更多的是遵循常规的美学法则，以发挥作者主观审美与内心情感为主要核心目标，使作者的油画作品更具氛围感、装饰感的特殊表现形式。装饰性语言统一了作品的创作材料和创作模式，通过将点、线、面、灯光、阴影等多种因素进行不同组合，使其构成一幅幅具有美感与浪漫感的油画作品，装饰性色彩下的绘画作品不仅遵循了现实客观发展规律，更包含了作者的主观情感色彩与审美色彩，是一种极具理想化的色彩表现形式。

油画作为绘画中最为常见的艺术表现手法，起源于15世纪的欧洲，是一种具有源远流长历史的绘画形式，从诞生之初至现在，产生了多个派别，也经历了从具体到抽象、从客观到主观的多次转变。同时，由于油画材料的特殊性，色彩成为油画最重要的元素之一，在过去传统的绘画创作过程中，颜色通常是被作者用来表现画面主体物的固有色彩特征。当前，随着文化艺术事业的不断改革，人们的绘画观念也在发生变化，情感因素在油画色彩运用中的比重越来越大。装饰性色彩普遍具有夸张、放大、抽象等特点，不仅可以体现绘画物体的固有色彩，更主要的是可以表达作者自身的真实情感反映。

（二）装饰性色彩的特征

與传统色彩表现形式一致，装饰性色彩能够将油画中主体物的固有色彩特征体现在画面中，并在此基础上，根据变化统一、对称均衡、调和对比等美学法则延伸出自身的风格特点，以此表达作者的内心情感。装饰性色彩的特点主要可分为以下四个方面：观察移动性、纯洁性、平衡性及色彩的象征性。

1.观察移动性

装饰性色彩依照美学原则与空间分布法则，通过一定的装饰手法，实现物体的秩序排列，使观赏者的视觉中心能够随着画面的空间分布一起延伸放大，不再聚焦于一点，以此避免远近、左右、上下空间被遮挡覆盖的情况。如毕加索超现实主义时期《坐着的玛丽·泰雷兹》，多采用大面积的线条与色彩覆盖，使视觉中心随着线条流动产生移动。

2.纯洁性

纯洁性所指代的是画面的色彩纯度，鲜艳、明亮的颜色符合绘画的一般审美要求，因此很多画家经常使用高纯度的色彩使画面的整体效果更加强烈突出。挪威画家雅昌爱徳华蒙克的作品《桥上的小女孩》就是通过红、绿、蓝、黄等高纯度颜色，将女孩、树木、道路、房屋等物体均衡的创作于画面中，描绘出一幅人物与风景完美融合的作品，画面的动态感与浪漫感也有所体现。再如马蒂斯成熟时期的油画作品《红色中的和谐》就很好的运用了装饰性色彩中的纯洁性特点，作者在整幅画面中运用了大量的红色、绿色等高纯度色彩，构成一幅室内与室外景象交汇的画面，极具氛围感。

3.平衡性

色彩的平衡性不是单指画家对画面颜色进行平均分配，而是指一幅画面能为观众带来视觉感官上的对称感受。通常情况下，色彩较深的作品往往会使人们感到压抑、沉闷，而明亮、颜色较浅的画作能使人们身心获得放松，心情也会变得更加愉悦。因此，作者在油画的创作过程中，可以通过装饰性色彩将一幅画面的重色与亮色加以均衡，以此带给观众更好的观赏体验。马蒂斯的油画作品善于使用大面积平涂，看上去像儿童信手涂鸦，但其富有很强的表现力，这种看似简单的平涂表现手法，能给人以平静安详的感觉，特殊的肌理效果，运用画布的底色，颜料的屯积，画笔托、拉、扫等方法，通过视觉形象的表达完成传递画家特有的情感和话语，其色彩平衡性表现在均衡对称，又不呆板，使画面稳定而具平衡性，通过其作品的色彩运用向观众展示画家自身的内涵，能够引起大家的共鸣。

4.象征性

色彩的象征性具体是指作者在体现作品主体物固有色彩特征的同时，通过装饰性色彩手法对画面进行艺术加工。在绘画艺术中，任何色相都有它特定的象征形象，包括地域、人文、时代及人的审美观念、思想、情感等，通过对装饰性色彩的象征性进行运用，能够更好的激发观者的情感共鸣。著名油画家达芬奇的作品《最后的晚餐》具有明显的象征性。分析这幅油画作品会发现，画家在空间与背景的处理上，将情景展现在有限的狭小空间里，后面是食堂墙壁，空间非常有限，画家用了透视的表现手法给人以深远感，从画面上看，给人的直觉就好像这顿最后的晚餐场景就发生在这间食堂里。画面中共有十二个人，各自的年龄、性格和身份都不尽相同，表情各异，他们或惊讶、或疑虑、或深思、或恐慌，人物之间并不是孤立的，相互之间既有呼应又有联系，形成一个整体，使画面具有很强的感染力，虽然没有用文字语言描述，但比起文字语言更有寓意和象征性，这种特征在达·芬奇的这幅画上得到了空前有效的体现。在这幅画里，通过人物的动态和表情，以及色彩表现，仿佛人们亲眼看见这一幕圣经故事的场面。尤其在装饰效果上，画面背景上成排的间壁、窗子、天顶和背后墙上的各种装饰，以及对称形式的构图，凝重的色彩给人一种神圣的庄严感。画家还独具匠心的采用了“向心力”式的构图，这种构图形式显然起到具有凝聚力的独特效果，画面上一束阳光照射进来，洒在众多人的脸上，象征着这些人内心的光明磊落，反映出他们内心坦荡与平静。唯独这束阳光没有照到犹大的脸部，使其置身于黑暗的阴影中，而他正是出卖耶稣的叛徒，这种象征性的暗示手法，在绘画上是由达·芬奇开始的，其打破了传统观念，开辟了一条用油画作品达到象征意义的道路，为后来的作品表现打开了广阔的思路。

1606年出生于乌得勒支的荷兰静物画家扬·达维兹·德·海姆，因从小受到同为画家的父亲大卫·德·海姆的影响，海姆从小开始接触绘画，并展现了一定的绘画天赋。通过观察海姆的油画作品，不难看出其早期作品在构图、色彩的把握方面较为简单。后来海姆主要刻画静物，对日常生活用品，如书籍、乐器等进行观察写生，其很多画面的主体物都是具有象征意義的物品，整体色彩基调变得更加丰富、饱满。当时荷兰也把这种具有象征性的静物绘画作品称为“瓦尼塔斯”。

二、油画作品中装饰性色彩的艺术表现

（一）空间表现

装饰性语言具备抽象、夸张的特征，画家通常在油画创作中运用装饰性色彩，将作品中除主观形象以外的物体、线条及阴影等进行弱化，这些色彩较为主观，能够与画面主体产生一定的视觉冲突，以此展现作品的空间感，提升作品的艺术层次。空间感是油画作品中一种比较常见的表现形式，也就是画面富有立体感，使人们在观看作品的同时有种身临其境的感觉，达到人和画心灵上的融合，这也是油画作品的境界之一。如纳比派的代表画家博纳尔在创作时通常采用对比较为强烈的几种颜色作为画面的主要色彩基调，如黄与紫、红与绿等，整个画面色彩变得更加丰富、大胆，色调与画面物体产生了强烈的视觉冲击，以此突出画面的空间感与动态感。

（二）造型表现

传统色彩与装饰性色彩的表现形式具有两种完全不同的色彩运用观念。在过去的写实油画创作过程中，创作者更注重通过色彩对物体进行逼真细致的刻画，追求的是物体的实际视觉效果。但装饰风格的油画创作，画家更注重的是如何体现自身的内心情感，使观者形成情绪共鸣，而不再将构建物体的形体作为创作核心。因此，画家将装饰性色彩运用于油画的创作过程中，忽略了色彩构建的基本原则，更多的运用装饰性色彩的平衡性、象征性等特点，创作出的画面色彩更加协调、统一。

（三）韵律节奏表现

画家在油画的创作过程中，要注重美学法则，通过韵律节奏手法将静态物品变得具备动态感，整幅画面呈现出一种流动性的、有节奏感的视觉效果。装饰性色彩下的油画作品，更多的是通过层次分明、有序的色彩变化进行韵律节奏表现，如瑞士画家保罗·克利，他的作品极具个人风格，通常是采用色彩将画面分为不同大小的色块，并进行堆叠、重复，采用点、线、面的融合将画面变为一首音乐，具有极强的律动感与节奏感，以此为观众带来别样的视觉效果。

（四）光影表现

在传统的古典油画创作过程中，画家通常是将作品中的各项物品加以刻画，通过物品的色彩效果对光影进行具体展现。当前，随着艺术事业的不断改革，人们的审美观念与创作理念也在发生变化，科学界的色光理论被引入于油画创作中。为了更好的表现作品的光影效果，很多画家在作画时不再受物品固有色彩的限制，而是将多种色彩进行融合，以此完成画面绘制。例如法国著名画家莫奈的《阿尔让特浓的帆船》，作品运用了多种蓝色，将天空与湖水在色彩基调上进行融合，使整个画面变得更加协调、统一，同时整幅作品也体现了很强的光影感，成功提升了视觉效果。

17世纪的荷兰画家伦勃朗被誉为“光影艺术大师”，他的油画作品通常都是采用适当的光影方式表现物体之间的明暗关系，通过观察其油画作品可以发现他对光影的处理规律，处于暗部阴影中的物体基本采用透明稀薄的方式刻画，光影明暗对比强烈，亮部物体仿佛散发着圣洁的光芒，极其透亮，整个画面笼罩着诗一般的意境效果。

由于油画材料的特性具有覆盖效果，在处理光影的过程中，画家需要对色彩进行反复的调整与修改，以此获得更好的视觉效果。如果想要进一步突出画面的光感，就需要找到准确的光源。当代很多画家为了追求画面的形式感，会采用将物体的体积表现减小到最弱化的方法，通过明暗关系烘托整体氛围，这样的光影处理会使画面的光感增强，使整体的画面效果更加突出。

雷诺阿的油画作品总有光影中的色彩在闪动。他注重实际，在实践中寻找光影的变化。他曾把模特安排在斑驳陆离的树荫下，观察光影在人脸部的细微变化。在他的作品中充分诠释了大自然景色中光影的色彩分解和重构，使人们仿佛置身于流动的光影之中。

三、结语

装饰性色彩与传统的写实色彩形式不同，是一种极具理想化的色彩表现形式。该色彩形式下创作出的作品，不仅遵循与展现了物体的客观发展规律，更是作者主观审美与内心情感的注入。当前，我国很多著名的艺术家也越来越多地将装饰性色彩及手法运用于油画的创作过程中，在进行装饰风格的油画创作时，应注意把握其概念及特点，注重画面的空间表现、造型表现、韵律节奏表现及光影表现，以此带给观众更好的艺术欣赏体验与情感共鸣。同时，我国致力于油画事业的画家及研究学者也应就当前的装饰性色彩进行不断探究，使其能够更好的运用于现代油画中，以此创造出更多具有中国风格的油画作品，促进我国民族油画的创新发展。

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