探析少儿钢琴教学中练习曲的音色控制与技巧训练

刘 娜

（天津市南开区少年宫，天津 南开 300100）

探析少儿钢琴教学中练习曲的音色控制与技巧训练

刘 娜

（天津市南开区少年宫，天津 南开 300100）

随着经济的发展，越来越多的少儿开始学习钢琴，本文就少儿钢琴教学中少儿心中的钢琴音色、音阶中的音色训练、练习曲中音色控制的重要性与技巧训练三个方面进行论述。

少儿钢琴；教学；练习曲；音色；技巧

一、少儿心中的钢琴音色

音色——是指乐器或者嗓音的特质，我们这里说的音色，是指钢琴的声音特色。在日常的教学中我们发现，少儿对声音的辨别能力很强，想象力也很丰富。基于他们的想象力，我们让他们区分自然音响和乐音音响。他们之间是可以模仿却又是不同的，比如钢琴的高音可以模仿小溪流水的音响；低音可以模仿大象走路；一些中音的音程还可以模仿一些号角声等等。那么在钢琴的弹奏中如何表现这种音响色彩呢？

（一）手指触键方法与音效

我们发现有很多琴童甚至家长都误认为弹得响、弹得快就是弹得好，正如有人觉得唱歌时，音唱的越高就越好。这是个很大的误区！许多琴童和家长一味的要求手型、要求进度，却忽视了声音这一最关键的因素。因此要有许多琴童弹琴出现“压琴”和“砸琴”这种方法。

触键这一概念，对于少儿来说是较抽象的，在教学中，我们要让孩子们知道用不同的力量、角度弹琴，出来的音响效果是不同的。分的细致一些，用指尖触键、指腹触键；连奏、断奏；用手臂的力量、手腕的力量、手指掌关节的力量等等。

（二）音乐作品风格与音色

钢琴乐曲涉及面广，不同国家、不同时期的作曲家写出的作品都各不相同，乐曲所要的音响也不同。对于每种风格的乐曲都有其特别的音色要求，比如巴洛克时期的作品是含蓄、不夸张、中规中矩的。我们现在听到的巴洛克时代的作品实际上和当时演奏出来的效果并不相同。当时，现代钢琴还没有被发明，使用的是拨弦钢琴，音质和音色都有不同。这就需要纯正而美丽的音色，风格也比较质朴。相对巴洛克时期，浪漫时期的钢琴作品在钢琴的音色处理上要求就高了许多。华丽、优美、抒情、炫技这些词语都能用于浪漫派时期作品的特色上。

（三）少儿自身感知能力与弹奏音响

基于音乐层面，感知能力一般包括听觉、视觉、触觉以及对音乐的领悟能力。在教学中我们会遇到各种条件不同的琴童，有的对音乐很敏锐，有的却很迟钝。作为教师来说，如何启发学生弹出优美的音质，是值得研究的。我们可以通过讲故事、打比方、换位教学（让学生指出老师的不足之处）等方式来启发学生，从而让他们发自内心的演奏出好听的声音。钢琴音乐色彩的变化极为重要，即使是练习曲，其旋律也有着主题，其音色也代表着曲目的灵魂。在日常教学中，尤其是大量的钢琴练习曲的教学，如何有计划、有针对性的训练学生对音色的把握呢？

二、音阶中的音色训练

（一）在演奏中存在的问题

在音阶练习中常见以下缺点：①演奏不连贯，破坏音阶的连续性；②单音的颗粒感差，含糊不清，破坏音阶练习要求的颗粒性；③音色、力度不匀、缺乏统一性，尤其是无名指和小指力度及灵活性方面的相对弱势，往往影响整个音阶练习的整体感和美感；④只强调速度，忽视声音质量，造成单纯的手指“劳务”；⑤手指不能作到直起直落，杂音太多；⑥缺乏音乐性，表情麻木。①②⑤点涉及练习曲演奏的技法，即颗粒性、连贯性等，《拜厄》和《哈农》两本教材中引入了大量练习。关于音色的控制，③④⑥点都涉及音阶中音色的作用，即音乐表现力的问题。音阶练习不只是简单无序地重复与高抬手指，更重要的是掌握合理的触键方法，进而追求更完美的音色。

（二）加入多种弹奏方法、注重音阶弹奏质量

重视音阶练习的音乐性，首先自己应当主动的将其作为一个独立的音乐来理解和演奏，而非单独音阶的拼凑，因此要具备审美的心理，这样相应的机体运动就可避免僵硬，而手下的音乐也不会显得枯燥无味。我们可以在训练过程中，加入断奏、跳音、非连音以及半连音的弹奏方法，结合音阶音高变化方式可以获取一举多得的学习效益。这样做不但学生可以更好的掌握不同弹奏技巧，而且也可以增强学生学习的兴趣与创造能力，同时也为钢琴作品演奏积累多种不同的表现手段。

三、练习曲中音色控制的重要性与技巧训练

俄罗斯著名钢琴家捏高兹曾言：“任何钢琴演奏总是以制造出艺术化声音为其目的，无论弹奏练习曲还是艺术作品，演奏者都必须在声音问题上痛下功夫，说得更确切些，就是钢琴音色的控制问题。”

（一）不同程度练习曲的音色控制

演奏中音色的控制是一项不可或缺的技艺。不同练习曲的作者对于其练习曲所要求的音色基调都有不同的表现。一般而言，拜尔是比较简单的练习曲，而其中的练习曲也并非都是技法的堆砌，很多练习曲的旋律和主题性都比较明显，很多都有儿歌的主旋律成分在内。另外以车尔尼为例：他的练习曲区别于其他基本功教材，虽然其音乐性不是十分显著，但其具备完整的曲式结构，主要是以训练某些特定技术为主要目的，并且双手训练过程中结合了旋律与伴奏，相比纯粹的基本功训练更加具有听觉艺术感，是学生喜闻乐见的练习形式。其弹奏技术上更富于灵活多变性，除了技术练习外，兼顾到声音的理解、演奏的音色等的综合训练，如车尔尼599、849、299等，而对于练习曲中音色的强调则更大程度上体现在肖邦的练习曲中。

（二）身体与声音的协调与控制

传统的练习曲基础教学中，注重把握手指力量，将手指的敲打刻意放大化，过分追求大音量和颗粒性音响，这样做就丧失了获得各种音色变化和各种技术应用的基础——合理的松弛。更为严重的有，在演奏中出现身体僵硬，力量集中在手指敲打键盘与支撑中，身体忽略了积极参与演奏的能力。过于紧张和不协调的演奏，往往导致声音发紧、音色单一，与乐曲中要求的力度变化背道而驰。

（三）手指、手掌、手腕的基础训练

触键这一概念，对小孩来说是很抽象的，我们对少儿说这是“弹下去”的感觉。在教学过程中，我们发现其实少儿的可塑性很强，有很多方法都能用在他们身上，只看怎么启发他们。在弹琴的过程中，身体的很多部分都起着作用，手指、手腕、手臂、肩膀、腰部甚至臀部都在用力。

1.手指触键训练

手指作为最关键的一个部位，手指的独立性和灵活性是弹好钢琴的基本功。那么对手指来说，指尖和各个手指关节，是最基本的训练点。在授课时，教师可以用不同的触键方法直观的弹在琴童的手上，让他们感觉各种力气的不同。指尖与琴键的接触点是最难控制的，不管力度是强是弱，每个音的发音点都应在触键时感觉好。需要深厚的音色时该把琴键弹“深”；演奏短促的音色时触键必须直截了当；表达歌唱的音色时要让琴弦更好的共鸣与延长；在呈现轻巧的音色时则应在触键的过程中寻求到恰当的位置，不能下压。

弹琴时要弹到“点”上，这是基于钢琴特点而来的。手指触键时，寻求每个音的最佳发音点，更好的加强手指的控制能力，注意手指触键的精密程度，更好的诠释作曲家创作本意。值得一提的是，这样不仅改善了音色的质量，同时发出的音色更具“钢琴化”。

2.手掌支撑训练

保证声音质量的关键在于手掌的架子，无论力度强还是弱，手掌支撑尤为关键，特别是弹弱音的时候，往往会有学生觉得因为要弱，所以不敢下键，声音飘浮，其实越是弱，越需要手掌的支撑。因此在练一些基本功时，就格外需要强调手型，也就是手掌的支撑感。这样在弹速度较快的作品和较完整乐曲时，就不必过于把握外型，而是凭内在的功夫和力量。

3.手腕协调训练

手腕是钢琴演奏过程中一个至关重要的部位，起着桥梁的作用。一些初学的琴童在刚开始弹连奏时，手腕会上下抖动，这是需要格外注意的，因为少儿的手小、力气小，钢琴的琴键相对他们来说就较重，靠手腕的力气是不可避免的，重要的是让学生明白连奏是手指的动作而不是手腕的，让力气通过手腕自然落到指尖就能轻松自如的演奏了。在弹琴时，从身体接触琴凳开始到手指接触键盘，应该是一个可以灵活调节的整体。当我们的身体处于自然积极状态时，声音必然会丰润宽厚，使人听起来顺畅，舒展。很多学生弹琴时，坐姿不正确，弯腰驼背，重心往后往下，弹出来的声音自然不好听。

4.想象力的运用

很多时候人们在演奏练习曲的过程中往往发生错误、中断等现象，严重影响练习效果，而究其原因则是演奏者缺乏对音乐的认识，心中没有音乐。心里没有音乐，在于没有想象力，缺乏对音乐的理解以及敏锐的听觉审美感。构画意境就是根据演奏者对于音乐的想象力和理解力，在自己的头脑中构画出一种类似情绪格调的场景，这时自然而然就会产生相应应景的背景音乐的感觉，在这种情景下，身体各感官部分就可以联动反映，其力度控制以及音色也越接近作者要求和具有感染力。

不管学生音乐方面的资质如何，想象力是每个少儿都具有的。少儿的思维是很天马行空的，在教学中，我们可以充分调动起这一有利条件，可以充分利用自己身体的某个部分，让学生想象、聆听、弹奏，这样就更形象的表现出不同的音色了。日后对于一些稍大一些的作品，能诠释的更到位、更忠于作曲家的意图。

四、结语

俄罗斯著名钢琴家捏高兹曾说：“任何钢琴演奏总是以发出的声音、‘制造出’声音为其目的，那么无论你弹的是练习曲还是艺术作品，弹钢琴必然就是在声音上下功夫，说得更确切些，就是练习声音。”音色的问题既是如此重要，作为一个对学生负责的教师，必须把对音色的训练放到一个重要的位置。从长远来看，要使学生成材，必须训练出好的技术、好的音色。

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