舞蹈技巧在舞蹈表演中的运用分析

王睿

摘要：舞蹈技巧是舞蹈表演的主要手段，只有通过技巧的运用，才能使舞蹈动作得到展示，进而表现出作品的思想和情感。然而在高校舞蹈教学中，多数学生们在舞蹈技巧的运用方面却存有很多的不足，从而使舞蹈表演效果受到了负面影响。鉴于此，本文从什么是舞蹈技巧谈起，就当前学生们的不足表现进行了分析，并对如何更好的运用舞蹈技巧提出了具体的建议。

关键词：舞蹈技巧 舞蹈表演 运用分析

一、舞蹈技巧的含义

所谓舞蹈技巧，是指在舞蹈训练或表演中，通过正确运用人体的骨骼、韧带和肌肉所做出的各种简单或复杂的动作。从艺术内容和形式的角度来看，舞蹈技巧是从属于形式范畴的，有着自身重要意义和价值。首先，其本身就是舞蹈艺术的重要组成部分，技术因为艺术而存在，但是没有了技术，艺术也就不能称之为艺术了。其次，其是舞蹈表演的重要手段。无论是舞蹈形象的塑造、气氛的渲染还是情感的表达，都要借助于舞蹈技巧才能够实现。最后，其是衡量舞蹈表演的重要标准。一部舞蹈作品表演的成功与否，在很大程度上取决于技巧的运用和发挥。因此技巧上的成熟和完善，是能否获得表演成功的前提，更是衡量的表演水平的标尺。

二、高校舞蹈教学中学生技巧运用的不足和误区

（一）舞蹈技巧不扎实、不完善

前文中提到，舞蹈既是一门艺术，也是一门技术，这种技术性特征决定了其必须要以扎实、娴熟和完善的舞蹈基本技巧为基础。这个基础越牢固，舞蹈表演的质量也就越高。但是从实际情况来说，多数舞蹈专业的学生在舞蹈技巧上，特别是基本功方面都有所欠缺，使表演效果受到了直接的影响。一方面，学生在进入大学校门之前，多数都没有接受过系统和正规的技巧训练，水平参差不齐；另一方面，舞蹈技巧功的训练是一个漫长和艰苦的过程，需要学习者付出极大的努力后才能有所收获，而不是一朝一夕之功。在这两个原因的影响下，多数学生的技巧运用都不到位，在表演起来给人一种浅尝辄止的感觉，甚至会因为不恰当的技巧运用而受伤。所以要想提高舞蹈技巧的运用和表现能力，首要做的就是强化对技巧的训练，从而为后续的运用和表现打下一个良好的基础。

（二）陷入“唯技术论”的误区

技巧的重要性是毋庸置疑的，但是其并不是舞蹈艺术的全部，一个真正优秀的舞蹈表演者，是善于利用舞蹈技巧更好的表现作品的，而不是一个仅会一些舞蹈技巧的“匠人”。现实教学中就存有这样的误区，很多学生都沉侵在单纯的技巧训练中不能自拔，甚至执泥于各种高难度的技巧的练习，以攻克了某一个技巧难关为荣。殊不知这种单纯技巧训练的意义是及其有限的，甚至会起到反作用。真正高质量的技巧运用，是与舞蹈作品本身紧密联系在一起的，所有的舞蹈技巧的展示，都应该以更好的表现作品的内容和的情感为目的和原则，脱离了舞蹈作品技巧训练，更多的是一种纯粹的肢体展示，没有任何的艺术表现力可言。舞蹈表演的本质是表现出作品的情感，和更多人获取情感共鸣，而不是看一个舞蹈者能够跳多高，身体有多么柔软。所以教师要引导着学生尽快从这种误区中走出来，认识到舞蹈技巧真正的价值和意义，在这种正确认识上的训练，才是有价值的训练，才是真正有美感和艺术表现力的。

（三）舞蹈技术运用不娴熟

这里所说的不娴熟，主要是针对公开场合的舞蹈表演而言。现实中一个常见的现象是，学生们在台下的练习十分熟练，能够表现出较高的水平。但是到了真正的演出时，多数学生都会表现出一定程度的紧张，在这种紧张状态下，动作不到位、动作变形甚至遗忘动作的情况屡屡发生。这显然是缺乏舞台表演经验所致，在平时教学中，学生很少有机会进行舞台表演，当来到真正的舞台上之后，面对一个全新的环境，自然会感到陌生，技巧运用的质量下降，也就不足为奇了。所以丰富的舞台实践对于技巧运用有着极为重要的作用，需要教师予以充分的重视。

三、舞蹈技巧运用能力的提升

（一）夯实舞蹈基本功

因为多数学生的舞蹈基本功都有所欠缺，且水平参差不齐，所以教师十分有必要对基本功予以再次的夯实。这一点俄罗斯的钢琴教学能够给我们以很大的启示，即升入大学后，无论之前的演奏水平如何，所有的学生都要进行基本功的“回炉”，并设有专门针对基本功训练的考核，如果基本功训练不达标，即使乐曲演奏的再出色，也难以得到教师的认可。虽然是钢琴教学，但是和舞蹈教学在本质上是相同的，唯有扎实的基本功训练，才能使舞蹈表演有一个坚实的基础。具体说来，首先是引导学生对基本功的正确认识。很多学生都有这样的认识误区，认为基本功不重要，在真正的舞蹈表演中，体现不出一个舞蹈者基本功的水平。其实不然，一个基本功扎实的舞蹈者，其每一个动作都能够给人以舒服的美感享受，更不用说各种丰富的舞蹈技巧了。很多有经验的欣赏者，一眼就能够看出该舞蹈者的基本功水平如何，继而对其整体表演质量进行评价。所以说，要引导学生对基本功有足够的重视。其次是采用科学的训练方法。基本功的训练是漫长和枯燥的，让很多学生都有了一种畏难情绪。对此教师要采用丰富、灵活的方式和方法。比如分阶段目标法，其将一个艰难的学习任务分成了若干个小目标，学生可以按照事先制定的计划一步步完成，每每完成一个小目标，都能收获一次成功的喜悦，继而使整个学习过程都充满了动力。通过这种对基本功的夯实，为舞蹈表演打下一个坚实的基础。

（二）加强舞蹈技巧和作品的联系

脱离了舞蹈作品的技巧是毫无意义的，所有的舞蹈技巧都是为了更好的表现作品的内容和情感。面对学生们普遍存在的“唯技术论”误区，教师应该采用多种方式和方法，加强技巧和作品的之间的联系。具体来说，可以从以下两个方面入手。首先是引导学生在训练中融入情感。舞蹈技巧是由身体技巧和心智技巧构成的。心智技巧就是在感知、记忆、想象和思维等因素的作用下进行的技巧展示和训练，因为有着这些元素的融入，使得技术训练的枯燥程度被大大的降低，既提升了训练的效率和质量，也使学生们学会了有感情的训练。其次是加强对作品的情感体验。每一部舞蹈作品都不是凭空而生的，而是创作者情感的凝结，所以在表演一部舞蹈作品之前，理应对作品进行了全面的分析和体验，包含作品的时代背景、作品的主要内容、作者的个人经历等，由此获得一种最初的情感体验，在此基础上，则要尝试着利用动作将这种情感表现出来，在经过多次练习之后，舞蹈技巧就真正和作品融合为了一体，而这种状态下的舞蹈表演，则注定是充满艺术表现力的。

（三）加强舞台实践

公开的舞台表演是舞蹈艺术的本质属性之一，具有娴熟的舞蹈表演能力，也是一个舞蹈专业学生所应该具备的基本能力。从当前的实际情况来看，之所以会出现出现紧张、技巧不到位或遗忘等现象，就是因为缺少舞台实践，只有通过一次次真实的演唱，才能提升学生对各种不同环境的适应能力，继而获得良好的发挥。首先，作为学校方面来说，要尽可能多的为学生提供舞台表演的机会。比如建设和完善音乐厅，和校外一些艺术单位、团体建立良好的合作关系等，既满足了一些活动开展的需要，也让学生得到了更多的实践机会；作为教师来说，也应该用多种方式来加强学生的舞台实践。比如和学校负责各种活动的部门建立定期联系的机制，保证每一次活动中都能让舞蹈专业的学生有上台表演的机会。在校外，则要充分利用教师的个人关系，为学生寻找到合适的实践岗位，不但能够使学生的舞台实践能力得到充分的锻炼，还能为他们今后的就业做好准备。

综上所述，舞蹈表演既是一门技术，也是一门艺术，这种技术和艺术的融合性，决定了舞蹈技巧对其的重要性。而且学会或具备了舞蹈技巧还远远不够，重要的是能够对其予以有机、合理的运用，才能使其和舞蹈作品本身真正融合在一起，获得形式和内容的完美统一。本文也正是本着这一目的，就当前高校舞蹈教学中学生技巧运用不足的现状进行了分析，并对此提出了有针对性的建议，希望能够起到抛砖引玉之用，引起更多舞蹈教师对这一课题的充分重视，从而使舞蹈教学和表演的质量得到本质的提升。

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