李斯特钢琴练习曲《悲愁》的创作背景与演奏要诀

摘要：《悲愁》是浪漫主义音乐大师李斯特著名的《三首音乐会练习曲》中独具特色的一首。结构精美、内涵诗意、技巧高超融，与通常以技术训练为目的的练习曲大异其趣。本文通过对相关外文文献的梳理，结合笔者的演奏与教学心得，在描述该作品背景的基础上，对演奏处理提出了相应的建议。

关键词：李斯特 《悲愁》 创作背景 演奏要诀

一、《悲愁》的创作背景

浪漫主义音乐大师李斯特一生创作了不少钢琴练习曲，《三首音乐会练习曲》（Trois Etudes de Concert S.144）是其中具有代表性的作品之一，《悲愁》则是三首音乐会练习曲中独具特色的一首。

一般认为，李斯特从1848年开始着手创作，直至1849年莱比锡的克斯托纳出版社首版发行，他的《音乐会练习曲—悲愁》自然完成于这段时间里。但实际上，有资料显示这三首练习曲好像应当完成于1848年前后。因为克斯托纳出版社保存的李斯特写于同年7月26日的信中有这样的文字：“我想6月15日之前能够完成3首音乐会用的练习曲。”

对于李斯特而言，1848年是他具有人生重大转折意义的年份。这一年李斯特从钢琴家的位置上引退，并于当年3月就任魏玛宫廷的乐长。于是钢琴家李斯特摇身变为作曲家李斯特，迎来他音乐艺术生涯重要的“魏玛时期”。

这一阶段，李斯特对从前创作的一些钢琴练习曲相继进行了修改订正。特别明显经过修订的练习曲有《帕格尼尼大练习曲集》（LW-A173//S141）和《超技练习曲集》（LW-A172//S139）等人们熟悉的作品。这些有着娴熟作曲技巧的练习曲正好成为《音乐会练习曲—悲愁》的先导。

稍稍观察一下乐谱的书写方式就不难看出，李斯特写作于《悲愁》前后的同类钢琴曲，正是一位精通即兴演奏之道的钢琴家的作品，而实际演奏这些作品时这种感受会更加深刻。例如，一个小节内单位拍数的急速增加，普通时值组合的音符段落里常冒出明显华彩风格的音符组合等现象，经常出现于上述作品中。这样的情形充分说明，虽然已变身为作曲家，与用缜密的乐思来构筑作品的音乐家相比，李斯特倒是更擅长一边弹奏一边写作。

这种在钢琴上一边创作《练习曲》一边修改完善的活动，对于李斯特而言，与其说是一种演奏训练不如说是作曲训练。经过反复的练习琢磨，李斯特终于建立并完善了“主题变形”的作曲技法，他自己的创作也从在钢琴上“用手指即兴弹奏”进入到“用大脑控制作曲”的阶段。这是革命性的一步，并一发而不可收，不仅在音乐史上首创交响诗的崭新体裁，结构庞大的交响曲及宗教圣乐、钢琴协奏曲等杰出作品也相继问世。

有趣的是，《三首音乐会练习曲》中意大利语的三个小标题《||lamento》（悲愁）、《La Leggierezza》（轻盈）、《Un Sospiro》（叹息）广为人知，但这几个标题在莱比锡的初版乐谱上却并没有出现，最早仅见于与莱比锡版同时出版的巴黎版乐谱上，所以三个小标题应当与李斯特本人没有关系。并且，巴黎版乐谱集的名称也改成了《3 caprices poetiques》（诗意的随想曲三首）。李斯特在第一首及第二首的开头，都标有“随心所欲的性格”（A capriccio）的音乐表现和艺术形象的提示，所以巴黎版乐谱不管是曲集名还是小标题，大概都是受此影响而产生的。纵观李斯特的一生，从来都没有使用过这几个意大利语的小标题。他总是用《降A大调练习曲》、《降D大调练习曲》来称呼他的作品。事实上，在大师生前就出版的《李斯特作品目录》中，也并没有出現上述意大利语的小标题。但时至今日，这些小标题（曲名）却已经在全世界广泛流传，为人们普遍接受，成为对李斯特相应作品的“爱称”。

本文叙述这一历史事实，目的并不在于要人们放弃已经习惯了的关于曲集中的曲名称谓，而是想强调，正因为曲名并非出自李斯特本人，所以不管是演奏处理还是艺术联想，都不必拘泥于现在使用的标题的蕴含。

二、《悲愁》的音乐特点

李斯特《音乐会练习曲—悲愁》最为重要的目的，应当是训练“耳朵”，或者叫做训练“听的技术”。因为该练习曲集三首作品的手指技术都并非特别难。但是，各种细致入微的音乐表现，丰富多彩的音色变化，却需要在仔细研读作品的基础上下功夫练习才能够获得，而练习的关键点正在于努力提高“耳朵的能力”。的确，许多钢琴大师都强调“耳朵的技术”，认为它是钢琴演奏技术的最高境界，是钢琴演奏家通向成功的阶梯。

关于《悲愁》的演奏，这里先提几条整体性的建议，其中涉及的问题笔者以为都是应当引起演奏者重视的。

首先，关于李斯特《悲》的乐谱常常有多种多样的解读方法，这并不影响每个人自己的具体理解。当尝试了用某种方法诠释但怎么也不能令自己满意的时候，就应当重视个人的感觉。其次，乐谱的解读方式还常常会随着时间的推移而变化，重要的是以宽广的视野来理解作品，以细致入微的态度反复斟酌乐谱的细部，不断探寻合适的解释与表现方法。

关于该曲集的乐谱还有一点也应当引起注意，即用文字标记的渐强、渐弱（crescendo、diminuendo）与用记号标记的渐强、渐弱 ，其意义并不完全一样。对于以文字标记的渐强、渐弱（crescendo、diminuendo），应该带着明确的音量强弱变化的意识来演奏。与此相对，如果是记号 与 标记的渐强与渐弱，演奏者则应在微妙的缓急变化和情感表现上多做文章。具体而言， 的情况下，音乐应有积极向上的情绪，速度则有超前之感； 的情况下，音乐呈现出消极的情绪，速度则有滞后之感。不过，关于这一点有些习琴者常会片面理解，在处理强弱、速度、音乐表现之间的微妙对应关系时，造成节奏与速度的不稳定，这是应当避免的。

再来谈谈李斯特钢琴作品的连线。有研究报告指出，今天使用的李斯特作品乐谱中有些标有连线的地方，原版乐谱里有很多都省略了（例如《||lamento》（悲愁）的第75-82小节右手的八度、《Un Sospiro》（叹息）的第21小节之后的琶音、《Waldesrauschen》（森林之声）（二首音乐会练习曲）的第27及45小节等音乐片段）。所以，一见没有连线符号，就立刻弹成非连音或者跳音的效果常常是错误的。在弹奏标记有f 与ff的八度的时候，应当特别给予充分注意，演奏时要把丰富的表情放在最重要的位置。即便音乐上要求硬朗的声音，因为现代的乐器比从前（李斯特时代）的乐器更易获得超强的音量，一定要以良好的“耳朵”（音乐听觉）来判断并据此加以控制。

关于指法的运用，李斯特的原谱没有太大问题。少数标记了指法又有其他可能性的地方，后来的不同版本的乐谱里大都有专家进行了指法校订，可以根据演奏者的具体情况参考运用。

三、 《悲愁》的演奏分析

（一）《悲愁》（||lamento）的演奏处理

如前所述，《悲愁》（|| lamento）的曲名不是出自李斯特本人。事实上，《悲愁》（|| lamento）的名称只是传达出作品某一方面的内容。也许，说作品表现的是年轻人对往日爱情的回忆更为合适。总之，应当尽量避免以过于忧郁的情绪演奏，要具有优美的歌唱性，传达出丰富的表情。至于这部作品的强弱处理，较之李斯特原谱的提示，应当有更加丰富多样的表现。在节奏方面，则常常要求运用伸缩速度、缓急法等表现手段。

开始的乐段应当以饱满的力量来弹奏。全曲结束前再现这个乐段的时候，力度则需要减弱些，与起首时的浓郁效果形成对比。不过，再现时从P的力度开始逐渐推向高潮，形成最后倾情一呼的效果，亦不失为一种有特色的艺术处理。

一开始的主题音调的旋律具有断断续续的特征，要注意连续的休止符的运用。可以弹成感伤的效果，但应避免过于柔弱。

第90小节是全曲的高潮所在。从第66小节起到高潮为止，演奏者一定要控制好音量，一气呵成。第82小节以后，特别是标记ardito（勇敢大胆地）的部分，应当敞开情感的闸门，汪洋恣肆，尽情宣泄。

另外，全曲从头至尾，左手弹奏的拍头多为休止符（即弱起）。休止符的地方应当踩踏板，亦即紧扣旋律的进行明了清晰地转换踏板。还要注意灵活使用1/2踏板（半踩）和1/3踏板（浅踩）。

下面谈谈演奏《悲愁》（|| lamento）的细节处理。

不要忽视了第1小节起首的八分休止符，第4拍的断奏则不要太弱。第2小节的第4拍及第3小节的第7拍亦可采用同样的处理。

第2小节的第2拍要注意节奏处理。三连音的第一个音应略有保持的感觉。

第3小节第3拍以后，李斯特作品原谱标注的指法有几处不便演奏，可自行调整。调整的原则是一定要保证每个音的清晰度。

第4小节后半标注dolce（柔和的、甜美的）的下行音型不要弹得过于急促。接下来密集音符的华彩乐段应当演奏得优美而高雅。注意，第21、62、65小节，也可参照这样的处理，后文不再赘述。

第14、15小节如果依照下面的演奏方法，会有助于获得干净明亮的声音效果。

14小节

55小节

第29小节的第3拍，旋律标有

记号，伴奏要以渐慢的速度，进行到低音d上再做自由延长。

第44小节与第48小节的后半部分，旋律的节奏型应当演奏成这样的效果：

第53小节的演奏，要注意不能忽视agitato（激情地）的表情记号。

从第 66小节进行到第75小节时，因为其间乐谱是一个长大的渐强要求，为了获得良好效果，可以处理成从P的力度进入。

第71与73小节的第2拍，左手有可能弹出高音声部的b音，但如果用右手弹奏，旋律会更加連贯流畅，若不方便弹出，则可采用分解和弦琶音的奏法。

第75-81小结，乐谱上虽然没有连线标记，但仍然应当演奏得流畅连贯，尽量避免破坏完整的旋律线条。

第80小节的开头与第82小节的第1拍内，为了获得渐强（crescendo）的效果，音量应当稍稍有些控制。

第88小节和第90小节，必须充分遵照谱面上的表情记号演奏。音乐在这里形成了高潮，应当充分考虑到这一点来把握演奏的处理。第90小节要奏出弦乐般的歌唱性效果。

第91小节开始处左手的低音降A，应当发出充分的音响。另一方面，分解和弦最后的降A音，则应注意音响的平衡，需要有控制地演奏。第2拍以后的十六分音符，要保持均衡和节制，旋律线条要清晰

第132-139小节的演奏处理，首先应当弄清表情术语“abbandono”的意思。翻开词典，可知此术语的意思是“放弃、弃而不顾”。那么，与此意义相反的表情术语“con abbandono”，意思就是“一切根据当时的音乐情绪、随心所欲地演奏”。所以，众多演奏家对这里的处理是仁者见仁智者见智。不过，在诸多演奏实例中，有一种方案确有相当好的艺术效果。就是在这里稍稍减缓速度，演奏得静谧深邃而富有意蕴。总之，一定要把包括稍后重复出现的华彩乐段及整体结构放在一起综合考虑。

第153小节的左手颤音演奏时，最好不要踩踏板。

四、结语

虽然被称为“练习曲”，但不管是精美的结构，还是诗情画意的内涵，李斯特的《三首音乐会练习曲》都与一般以技术训练为主要目的练习曲大异其趣。从这一点出发，前文述及的巴黎版的乐谱将其冠以《三首诗意的随想曲》的名称并非张冠李戴。正因为此，《悲愁》不仅是钢琴技术训练的重要教材，也常常为一些钢琴演奏家纳入音乐会的演奏曲目。本文对如何演奏诠释《音乐会练习曲—悲愁》提出了一些操作性较强的建议，旨在为演奏该作品提供有益的参考。

参考文献：

[1][日]北川幸比古.钢琴魔术师李斯特[M].东京：音乐之友社，1991.

[2][匈]李斯特.李斯特·音乐会用练习曲集[M].东京：全音乐谱出版社，2005.

作者简介：

黄伊娜，武汉音乐学院副教授。