从音乐鉴赏视角看当今流行音乐的发展

当今互联网碎片化信息井喷式发展，使音乐传播有了除专辑、电视、演唱会等传统路径外的新传播手段。今年央视春晚舞台上的《不如见一面》《上春山》等歌曲在播出后被广泛传播，但当人们的讨论并非集中在歌曲本身，而在于歌曲所产生的流量时，我仿佛看到了流行音乐发展的困境——是坚持本心还是服务于流量？本文将从音乐鉴赏的视角出发，探讨当今流行音乐的发展现状，分析大众的审美变化。

好的音乐的评判标准是什么？

对于音乐好坏的争论，其实来自我们对这个问题不同的解答：“如何决定一件事物的好坏？”这是哲学上的一个经典问题。我将选择“目的论”的角度，因为它对这个问题的回答更有说服力，但我会概述其他观点和其中存在的问题。

一、多数论原则

多数论的原则大致可以阐述为：如果认为一件事好的人比认为它不好的人多，那它就是好的。那么，回到流行音乐的角度来看，当被问到为什么周杰伦的音乐好时，我们也会下意识地回答：因为他在世纪之初统治了华语流行音乐榜单，创作的歌曲至今仍被广为传唱。当被问到为什么柴可夫斯基的音乐这么好时，古典乐迷会一致认为：这么多年来，只要有交响乐队演奏他的音乐时，台下必然是座无虚席。这便在一方面解释了现在粉丝狂热追星的现象：疯狂地为偶像买唱片、买热度、刷点击率以及统一口径评论。就好像卖出的唱片越多，偶像的音乐便是“更好的音乐”——最起码从数据上来说。大数据时代，流量为王，从美国公告牌到国内各大榜单，无不是刷榜的重灾区。当普通听众想要打开榜单找寻最近流行的音乐作品时，眼前便会充斥着粗制滥造的工业化音乐。这时，理智的听众会自己作选择，让耳朵决定思维；而一部分听众则会被这些音乐潜移默化地影响着自己的音乐审美，认为听的人多，就一定是好的音乐。

这时，我们需要思考一个问题：“多”就是“好”吗？或许人类的从众心理会影响人的自我判断，但举一个简单的例子：假设有一个外星种族，它们最喜欢听的音乐是指甲划过黑板的声音。那么，当它们的数量超过人类时，“指甲划过黑板的声音”便是好音乐吗？

二、自我论原则

若从听众自身来判断，自我论者会认为：我感觉这个事物是好的，这个事物就是好的。那么，当被问到为什么周杰伦的音乐好时，听众会说：因为我就是喜欢他的音乐；当被问到为什么柴可夫斯基的音乐好时，听众也可以说：因为我就是喜欢他的音乐。

然而自我论同样会产生许多问题，比如：为什么我的主观喜好就是客观的“好”呢？这时理智的自我论者会这样回应：我并没有认为这音乐在“客观上不错”，我只是说这是“适合我的音乐”。而另一类听众则选择在唯心主义上走到底：我的意识是我在这个世界上唯一能感觉到的现实；其他所有人、其他事物可能都不存在，可能只是电脑模拟，也可能是我自己想象力产生的疯狂幻想。我认为的好，就是我力所能及的最“客观”的好。这种观念看似极度自我，实则也是一种审美包容：即使别人喜欢喊麦，喜欢《科目三》，我仍然没有资格去鄙夷、贬低别人的喜好，或安利任何我喜欢的音乐。

可如果任由自我论肆意延展，则会出现许多对古典音乐的颠覆性言论：所有古典音乐竞赛都失去了意义，肖赛只是“八股文”似的取悦评委。我是一名钢琴老师，如果我上课时并不是指导学生如何弹得更好，而是要倾听他们演奏中的思想；我的工作只是帮助他们弹出那样的效果。我想大多数的钢琴老师都会对此产生疑问，这或许就是音乐审美的变化对于音乐本身产生影响的一个缩影。

抑或在和声试题中，我想怎么用平行五度就怎么用，若老师不同意，若巴赫不同意，也与我无关，是他们迂腐守旧，无法理解音乐发展的新观点。事实上这种看似离经叛道的做法在近现代音乐发展中早已出现，印象主义后期涌现出各种无调性音乐、序列音乐等，在那个年代就是对主调音乐，或者对主流古典乐的直接讽刺。但这并不是讽刺，因为承认艺术的绝对主体性，就意味着对客观评价体系的绝对抛弃。如果这一理论成立，那么大量乐评人将面临失业。因为他们说的“好作品”只是对于他们来说的“好作品”，对于大众来说完全没有参考意义。但在一切理论走向失控之前，我们要保持理智地去思考，因为没有几个人喜欢“指甲划过黑板的声音”。

三、精英论原则

从精英论的角度出发，听众会认为如果专业评审认为这个事物是好的，这个事物便是好的。那么要解释为什么周杰伦的音乐好，我会列出当年歌曲收获了哪些奖项、分析编曲的精妙。当被问到为什么柴可夫斯基的音乐好，我会做乐理、和声与曲式分析，因为精妙的音乐理论诠释蕴含着某种“专业上的认可”。

而此时需要讨论的问题是：什么是专业评审？专业评审的标准是什么？这一下子又回到了原点，因为这又是一个“如何决定一件事物的好坏”的问题。要回答这个问题，必须建立一套专业的评价系统，然后又要回答“为什么这个专业的评价系统是专业的”，如此循环往复。

同样的“循环问题”可以被扔向“技巧”：为什么精巧专业的编曲是好编曲？为什么符合乐理的和弦是好和弦？为什么丰富的和声是好和声？

同样，要回答这些问题，我必须再建立一套专业的评价系统，然后我又要回答“为什么这个专业的评价系统就是专业的”。可以看到，精英论并没有给出真正的解决方案。

往往我们只是不愿深究下去了，便懒惰地给予了“专业评审”权利，让他们思考、决定“什么是好音乐”；让他们告诉我们“什么是正确的乐理”，而不自己主动思考为什么这个音乐是好音乐，或者遵循乐理的意义在哪里。这样做的危险，是让音乐成为一个用来讨好精英阶层的“运动项目”：用他们制定的规则练习，被他们所引领。失去了自己的主动性，是一个音乐人不应有的境地。

四、目的论原则

目的论认为：如果这个事物达成了它存在的目的，这个事物便是好的。也就是说，在比较两个事物时，若其中一个更好地达成了它被赋予的目的，那么这个事物便是更好的。例如：你面前有两个器具，你打算选一个用来喝汤。其中一个器具长得像勺子，另一个器具长得像叉子。用“目的论”评价，我会说长得像勺子的器具更好，因为我能用它来更容易地喝到汤。但若我打算选一个器具用来扎东西，用“目的论”评价，我会说长得像叉子的器具更好。所以，决定“目的”，是使用这一论点很重要的前提。

音乐的目的是什么？

这是一个很宽泛的主题，我在其中走了很久，而以下是我走得最通顺的一条路：当原始人开始着迷于敲击石块、着迷于风穿过小管子发出的声音时，音乐便有了目的。

他们精心控制石块大小，让那些石块发出特定的声音，不应只是为了满足乐理的正确，而是为了在那些声音里感受到什么。他们应是发现了，那声音有储存情感的能力。而“记录、传递情感”，应是音乐的目的。

当然，我不知道原始人究竟在想什么。事物被创造时所被赋予的目的，并不一定是其最终目的。但我仍认为这个目的是最有信服力的：音乐不同于其他艺术形式，因为音乐不同于光影、色彩，是极度人造的——钢琴的声音，只有钢琴能发出，而电吉他的声音，只有电吉他能发出。若要感受文学，光看到字是没有用的，你必须识字。但若要听歌，你只要听，就能感受到它的情感。

当我选定音乐的目的是“记录、传递情感”，那么当被问到为什么周杰伦的音乐好时，我会说：那个和弦，让我感受到了某种十分珍贵的感觉。当被问到为什么柴可夫斯基的音乐好时，我会说：那些音，让我感受到了某种十分珍贵的感觉。是的，沟通间，似乎还是有些许障碍，似乎有“自我论”的影子。

但首先，不同于“自我论”中难以沟通且玄而又玄的“喜好”，我们可以继续讨论：创作者是如何记录、传递那种感觉，我又是为何会感受到那种感觉。其次，这是十分合理的事情，因为音乐本就与文字是两种不同的媒介：若你能用文字准确传达某种情感，那么周杰伦的音乐就没有存在的必要了。这也体现了观众之所以喜欢某一个音乐种类、某一个作曲家或某一个表演者，应是因为观众更容易从那个音乐种类中、那个作曲家的音符中或那个表演者的诠释中，构建接收情感的桥梁，获得自己喜爱的情感。

那么既然情感最重要，乐理和技术分析是不是无用呢？答案是否定的，乐理、演奏、编曲等，都是“技巧”的一部分。而技巧，是辅助你记录、传递，甚至接收情感的实用工具。所以，音乐的最终目的是记录、传递情感。更好完成这一使命的音乐，便是更好的音乐。

什么是更好的音乐审美？

若一个听众更容易和贝多芬建立情感连接，却无法从李荣浩的歌中获得情感，那么对他来说，贝多芬的音乐是更好的音乐。若一个听众更容易和李荣浩建立情感连接，却无法从贝多芬的曲子中获得情感，那么对他来说，李荣浩的音乐是更好的音乐。那么，这可以证明第一个听众比第二个听众拥有更好的审美吗？

就算你是只听同一音乐种类的听众，阅（唱）片量多了，便可以发现哪些歌有着独一无二的情感，而这些歌也会变得极其难以被替代、令人着迷。你甚至会逐渐发现，哪些特定的“音乐套路”（音乐技巧）会传递哪些特定的情感。而在音乐中寻找“从未体会过的珍贵情感”的过程里，或许你会逐渐愿意探索其他音乐种类，甚至着迷于小众的、极度复杂的，甚至极度精简的情感。

这是更高的审美吗？或许更好的形容词是“更开阔的眼界”。我会更趋向于成为眼界更开阔的听众，但对于普通听众来说（而不是对于权威乐评人来说，这个下面会讲），我仍无法用逻辑证明“更开阔就是更好”。若在这个问题上也使用“目的论”：或许，听众都应该思考：“我想要从音乐中获得什么情感？”（目的）是下班候车时，想得到“安然”这类情感；是起床时，想得到“精神焕发”这类情感；还是失恋时，想得到“释然”这类情感……

若自己欣赏音乐的眼界（功能）能满足自己想获得的情感（目的），那么就不必为“觉得流行乐俗”或“听不懂巴赫”这类想法而烦恼吧。

学习音乐理论的作用是什么？

乐理代表一类听众的审美习惯，人去做符合乐理的行为，是为了更好地向那一类听众传递情感。而不同类型的听众其实会代表不同的，甚至相互矛盾的乐理。

如何解释？回到平行五度的例子：上学时，我若在古典和声考试中写出平行五度的和声关系，那么批卷的教授会给我个大大的叉。但到了晚上爵士吧的舞台上，我想怎么用平行五度就怎么用平行五度，只要情绪到了，观众照样喝彩。这是因为，课堂上我的观众是更容易从古典乐中接收情感的教授，而晚上，我的观众是更容易从爵士乐中接收情感的观众。学习乐理让我明白，不写平行五度，能让我更好地向早晨的观众传达情感，而弹modal sequencing更能向晚上这些观众传达情感。这是乐理对“传递情感”的帮助。

同样的道理可以被放在其他的技巧（音色、音准、编曲等）。有些和弦，只要弹出就会让人身心愉悦；有些旋律，只要听到就会让人感到开心。当《乡村骑士间奏曲》在柏林西部的森林音乐会上奏响时，轻柔的旋律仿佛为每个席地而坐的听众盖上薄毯，耳边只有温柔的呢喃。而当你低头对着手机屏幕里费力扭动身躯、劲爆的鼓点中穿插着一句句老铁点个赞时，内心的空虚只能化作一个个亮起的红星，随着手指的滑动进入下一个十五秒。

音乐，似乎有着某些客观的规律，它可以是引人思考、发人深省的；也可以是轻松活泼、娱乐身心的，但它不可以是粗制滥造的、低俗且碎片化的。

作者简介：

李松岩，1994年生，男，河南周口人，硕士，助理讲师，研究方向：钢琴演奏、钢琴即兴伴奏。作者单位：周口文理职业学院音乐学院。