中国画的审美意蕴与大学生审美观教育

孙希娟

【摘   要】中国画蕴含丰富的民族文化精神与艺术情理，承载着大学生审美观教育的重要使命。“外师造化，中得心源。”中国画建立在古典美学基础上，从自然造化中学习，揣摩创作方法，体现“天人合一”的艺术审美追求。学习中国画，不仅要掌握中国画的艺术特征、绘画技巧，还要善于挖掘其审美意蕴，赋能大学生审美观教育。中国画的美育价值，在于塑造大学生的审美品格，从中国画中认识、理解、传承独特的艺术审美精神，提升大学生审美的感受力、辨析力和创造力。

【关键词】中国画  审美意蕴  审美观教育

文章编号：1008-3359（2024）06-0051-06

中图分类号：J205

文献标识码：A

中国画是传统绘画艺术，其博大精深的艺术审美思想，是中华文明璀璨的瑰宝。在中国画创作中，水、墨、笔的综合运用讲究取法自然但又不拘泥于自然，呈现出一种浑然天成、意境悠远的视觉审美境界。老子言“大象无形”，庄子谓“得意忘言”。富有古典美学的中国画艺术，具有提升大学生艺术修养，增强大学生审美情感的美育价值。因此，应立足于审美视角，聚焦中国画的艺术特色，挖掘其多元的美育文化内涵，更好地发挥中国画艺术以美育人的作用。

一、中国画的艺术特色

中国画文化底蕴丰富，历史悠久。在创作对象上，早期中国画多表现人物，后逐渐延伸到山水、花鸟等题材。隋唐时期，人物画创作多表现世俗生活。宋代以来，花鸟画、山水画渐成主流。元明清三代，涌现出一大批优秀的中国画画家及经典画作。回顾中国画的发展简史，发现中国画在学习、借鉴其他艺术形式的过程中，在表达主题和技法、手法的运用上更加多元，然而其艺术特色却具有显著的文化传承性。

（一）形神兼备的创作手法，展现独特的艺术魅力

中国画创作对实物的描摹手法与其他绘画不同，它更加强调神似，特别是融入画家的情感、理解和思想，为欣赏者营造形神兼备的视觉艺术氛围。在中国画创作中，注入了画家更多的主观意愿，画作成为载体。观者需要与画家对话、与画作对话，体会其中蕴含的丰富艺术魅力。在中国画艺术中，写意是一种重要的表现手法。“写”是对书法艺术的巧妙运用，每一笔，都构成了画作的基本内容;“意”是对画家情感的表达，通过笔墨，借助画作中的形态来传达画家的意趣。通过对比中国画的艺术表现形式可以看出，工笔画追求笔触的精准、细腻、严谨;写意画强调笔触的挥洒、豪放、直抒胸臆。但综观两者的共通点，形神兼备是中国画创作的关键，也是中国画审美艺术的重要特征。

（二）以线造型的创作特色，赋予画作鲜活的生命力

在中国画中，线条是最富有特色的表现载体。中国早期的帛画，就是通过线条来构造描摹形态，升发艺术内涵。以线造型时，线条的运用强调不同绘画对象之间的横向关联，让整个画作场景更加完整，艺术神韵更加显著。但在现实中，物象本身并没有“线”，所谓的“线”是画家在描绘整个物象的过程中，为增添画作的立体感、生动性而有意为之。当然，线条本身会随着物象的形态需要，呈现出不同的粗细、长短、深浅等变化。画家对线条的灵活运用，又赋予中国画多样化的艺术风格，满足不同观者对国画艺术的不同审美需要。以线造型时所呈现给观者的线条，既是画家造型的需要，也寄寓着画家的思想和情感。观者在欣赏不同画家的国画作品时，可以抓住线条的特征去体会画家的创作心态和艺术审美情怀，感知画作所表达的艺术生命力。

（三）虚实结合的美感呈现，营造富有层次感的意境空间

在中国画创作中，虚与实的处理为整个画作营造了灵动的审美意境。虚实结合，是中国画的艺术特色，它借助实景来衬托虚景，带给观者无限的想象空间，使他们在画作中获得愉悦的精神体验。比如，李可染《渡牛图》的整幅画作将头部、臀部进行重点呈现，再大面积运用留白手法，渲染出强烈的虚实对比空间。作品构思精巧，富有创意，用墨层次变化，富有动感，观者可以从画面中展开思考与想象，感受别具一格的艺术审美意境。同样，中国画的虚实结合，墨色的深浅变化，更有助于增添画作的层次性与视觉感染力。画家运用笔法、笔触时，利用力度来调控墨色深浅，让画面虚实得当，灵动感人。

二、承载中国画审美意蕴的艺术表现形式

从审美意蕴视角看，中国画是中华优秀传统文化的集大成者。中国画不仅是一种艺术形式，更是一个文化概念。中国画有绘画理论、画学知识，还有富有特色的绘画技法以及绘画人文精神等。

（一）通过构图来表达中国画的审美趣味

构图是造型艺术的专业术语，构图也是重要的绘画技巧。在中国画审美意蕴中，构图的运用在于揭示画作的中心点，以凸显其视觉中心地位。相比而言，科学、合理的构图，为画作增添无限趣味。画家在整体构图时，会根据先后逻辑顺序，明晰画作的主体及位置，再配合其他绘画元素，使其构图能够展现画面各要素的位置关系，增强画面的立体感和确定视觉焦点。在中国画中，留白是一种表现形式，也是构图的重要方法。留白的巧妙运用，能凸显画面的主体要素。在鉴赏中国画时，要了解和分析画家的构图手法，分辨主体、客体的关系，感受画家从构图中所传递的独特情感。

（二）通过笔法来彰显中国画的审美表现力

绘画需要讲究笔法的运用。在中国画中，主要有中锋、偏锋两种笔法。不同画家面对不同的绘画主体，所用笔法也有所不同，因此其画作所呈现的视觉效果也迥然有异。通常，中锋运笔要求笔身与画布相垂直，笔锋居线条中间，线条平稳，多用于勾线;偏锋运笔要求笔身与画布呈现一定的夹角，显然，笔锋也会因夹角的大小变化而发生偏移。偏锋赋予线条更加多样、独特、灵活的走势，也让画面更富有视觉表现力。另外，中国画在用笔方法上也会借鉴书法顺锋、逆锋等笔法，以增添画面的艺术表现效果。顺锋用笔，笔身带动笔锋，多从下侧或左侧起笔，线条飘逸，但变化少;逆锋用笔，多由上侧或右侧起笔，具有藏锋效果，线条变化多样。对笔力的控制，也是衡量画家笔法的重要条件。在创作中国画时，画家要加强手腕力量的训练，控制好笔力，确保用笔灵活、稳定、精准，使画面浓淡相宜。

（三）通过色彩来呈现中国画的整体审美效果

色彩最具视觉吸引力与表现力，在中国画中，对色彩的运用需要做到三点。

一是色彩的合理调配。调配色彩是每一位画家所应具有的必备能力。创作中国画，色彩调配更是重点，合理的设色能够抓住物象的特征，创作出真实、灵动、富有质感的画面效果。中国画在颜料选择上较为多样，但不同颜料的适用范围也有所不同。画家通过对不同颜料对比分析，根据绘画需要，恰当调配色彩，提高视觉表现力。另外，除了使用单一的颜料，画家们还巧妙地混合各种颜料来调色。同一颜色，水的多少、浓淡深浅变化，能够增强画面的层次感、立体感。

二是对不同人物合理设色。中国人物画尤其重视颜色的运用。不同的人物形象，其用色的方法也有差异。通常，在描绘不同时代、不同人物的服饰时，其色彩的运用，要契合人物所处的时代背景。另外，随着东西方绘画文化的交流，西方绘画中的用色方法也被引入到中国画创作中。画家要深入探究不同颜料、不同人物的用色需要，合理设色，以突出人物的主体地位，提升画面的质感。

三是对墨与色的调配。中国水墨画，本质上是水墨与色彩的混合。在画面用色上，色彩过多反而会干扰画面主体的艺术特色;中国画中的墨色变化，提高了画面的美观性，带给观者恬静、典雅、朴拙的艺术气韵。另外，在墨色使用上，色彩对比过强易令人感到艳俗。画家在用色时，会对主体物象设置主色，而其他物象的色彩要做好过渡与协调，不能干扰或破坏主色的视觉焦点。

（四）通过皴法来展现画面的灵动与个性

在中国画中，皴法是画家必须熟练掌握的绘画技巧。不同绘画题材对皴法的运用也有所不同。据考证，唐末画家孙位的《高逸图》是最早使用皴法的佳作。在山水画中，皴法的巧妙运用有助于提升画面的视觉表现效果。皴法的运用也改变了中国传统山水画的表现形式，让山峰更加巍峨，让水更加灵动。皴法最直接的表现，在于其特有的纹理与质感，即“干为皴，墨为皴，色为皴”。笔与墨的共同作用，让皴法技巧变得丰富多样。在宋代李唐的《万壑松风图》中，上部为天空与孤峰，下部为苍松、泉水、山石。最值得称道的是，画家在描绘山峰时，利用长钉皴、刮铁皴等手法，让整个画面更富有层次感和空间感，赋予画作独特的皴擦之美。皴法在艺术形式上具有可感性、意象性、装饰性。对不同皴法的运用，蕴藏着画家对天地造化的感知与体认。石涛认为，笔之于皴也，开生面也;山之为形万状，则其开生面非一端。由此，皴法的运用彰显了画家的审美个性。一丘一壑、一草一木，其皴法的呈现，带给观者不同的视觉意象情境。

三、中国画中的审美意蕴

中国画源远流长，如传统水墨画、白描画、彩墨画等，具有鲜明的民族特色。中国画在撷取传统艺术创作精髓的过程中，也不断吸收西方艺术理论和创作技法，使其审美意蕴也发生了变化，逐步从古典形态走向现代形态。

（一）中国画的内在审美意蕴

所谓内在审美意蕴，主要体现在对内在精神、旨趣、意象的表达与传递，强调灵气与神韵。

1.深幽的意境美

笔墨手法是中国画的独特表现，笔与墨的配合更能营造幽深的画面意境。显然，在呈现意境美时，将画家的情感与所描绘的具体情景进行融合是关键，融意于景，以景达意，从而带给观者丰富的艺术感染力。画作中的景物可以是客观的，也可以是主观的，但在意境表达上，更多地体现了创作者的主观意念。在审视中国画时，意境美的发现与挖掘是关键。不同的画家在营造画面意境时，所运用的空间处理方式也各不相同。一种是藏境法。比如，在鉴赏张择端的《清明上河图》时，在驼队出城门的区域，虽然呈现给观者的骆驼只有两只半，但从汴梁城繁华的景象来看，观者可以真切地感受到驼队的庞大场景。显然，画家在这里运用了藏境手法，达到以少胜多的巧妙效果。另一种是留白法。留白法，就是通过以虚衬实的方式，通过留出广阔的想象空间来达到虚实互补的意境效果。比如，在鉴赏宋代马远的《寒江独钓图》时，留白是该画创作手法的最绝妙之处。整个画作仅勾勒出一叶扁舟和戴蓑笠的老翁，除此之外，大片留白所营造的寒江，只留下了孤寂的意境。这一画法将画家内心的情感，通过寥寥数笔的景物勾勒，生发出禅道的深幽意境。

2.超然的诗画美

中国画的审美意蕴与中国的诗歌艺术具有内在的联系，正所谓“画中有诗，诗中有画”。中国画与中国诗歌文化一样，都通过事物的象征、意境的创设来表达创作者的情感。王维是诗人，也是画家。他的诗句如“落花寂寂啼山鸟，杨柳青青渡水人”等，都是对他画作的生动描绘。在《山水决》中，通篇讲解的是与山水、房屋、河流、树木等相关的布景方法。如“渡口宜寂寂，人行宜疏疏”，表达出渡口的静寂之美;“远景烟笼，深岩云锁”，则强调在描绘山景时，要将远景山石画得更朦胧一些，以凸显其深幽之意境。李若虚在《图画见闻志》中对董源的创作技法评价为“着色类李思训，水墨类王维”，意为董源的绘画，其用笔、用墨与王维的风格很相似。鉴赏董源的《潇湘图》，山峦起伏，烟雾缭绕，草木葱郁，湖光山色，表达出隐逸的自然情怀。同样，王维的极简思想也对绘画技法带来深远影响。极简思想是相对而言，即利用简约来凝练画面主题。比如，南宋梁楷的《泼墨仙人图》采用泼墨技法，但用笔极简，所刻画的仙人步履蹒跚，神态逼真。画家在概括人物神韵时，以更少的笔墨来表达传神写意的绘画理念。再如，北宋苏轼的《枯木怪石图》，整个画面用笔古拙、洒脱，描绘出孤寂、空灵的意境。这一绘画方式，强调笔墨的表现力，展现了“画中有诗”的创作追求。

3.强劲的节奏与韵律美

节奏，表现为重复性、规律性的艺术特点。韵律，不同节奏之间的协调变化。在中国画中，画面的构图、用笔、用墨等方面，都可以呈现相应的节奏与韵律美感。通常，在中国画中，笔被视为点、线，墨被视为意趣，笔与墨的巧妙融合，赋予画面独特的节奏美。墨有浓淡、干湿之分，笔有轻重、缓急之化，线条的虚实、粗细、曲直、疏密之变，让整个画作犹如一首动人的旋律。在艺术创作中，节奏与旋律是重要的表现形式。中国画以其造型形式语言和文化意蕴，赋予画作独特的节奏与韵律美。以中国画中的“线”造型为例，线的运用主要辅助造型表现。画家要利用线来刻画物象的轮廓，同时还要把握线的形式美感。线条具有强劲的生命力、表现力和感染力。在画作中，有规律的重复、变化的线条，能够带给人强烈的情感共鸣。比如，早期彩陶以线勾勒出的几何图案装饰，富有节奏美感。同样，几何纹样、动物纹样、植物纹样等，以有条理的排列和反复呈现的方式，增添画面的韵律感。在敦煌壁画中，“飞天”人物形象的刻画，更是凭借独特的线条来展现各异的神态。所谓“书画同源”，将绘画与书法艺术进行融合，笔的书写性，运笔时的起、行、转、收等律动，更加强调绘画作品的韵律美。线与行笔节奏的结合，将书法的运笔手法融入绘画中，彰显了以线为骨的表现效果。审视吴昌硕的绘画作品，其对线的运用更有一种浑朴天成的金石美感;而对比八大山人的绘画作品，其对线的运用则更强调墨色的节奏美感。

（二）中国画的外在审美意蕴

外在审美意蕴，主要体现在画面整体的形式美、造型美以及新材料的应用等方面。

1.形式美

鉴赏中国画时，对构图的审视至关重要。留白不仅仅是烘托背景，更是画面不可或缺的一部分。尤其是在中国山水画中，留白的表现形式很多，巧妙地运用留白，可以让画面的整体气韵生动起来。整体来看，中国画的主次形式美，体现在构图、颜色等方面。在画面布局上，谢赫强调“经营位置”，主体与客体之间多依托留白来实现，这也赋予了画面更强的写意效果。主次关系的处理表现在整体与局部的关系上。审视八大山人的作品，大面积留白的运用，使得观者能够聚焦于少数物象上，从而开启无限的想象空间，领悟到画面所呈现的独特意境。另外，从虚实的主次关系来看，避实就虚的运用让整个画面空间更有层次。

2.造型美

中国画中的造型，既注重变化，又讲究对比与统一的关系，以便于观者从中领悟画面的视觉美感。中国画的外在审美，对于造型本身，并非追求越逼真越好。齐白石认为“妙在似与不似之间”，顾恺之则认为“以形写神”。对于中国画，无论是笔墨、格体、构图、形意等，都强调畅神重意、形随神动的特点。宋代以来，由于文人画的勃兴，写意性成为画家表达情感的重要手法。因此，品鉴中国画，必须深入研判画家的内在精神气质、情感、人格和操守，因为绘画过程也是画家主观意念传达的过程。比如，马远的绘画讲究清逸俊秀，王冕的绘画注重豪放不羁，八大山人的绘画突出怪诞寂寥。聚焦中国画的外在审美，其形与神的统一是通过形象来传达精神旨趣，通过神似来渲染视觉气韵。中国画有别于西方绘画，而是以散点透视构图，使整幅画面呈现出开合藏露、疏密有致的磅礴之势。

3.新材料的运用

绘画材料的变革和创新，对中国画的审美意蕴产生了深远影响。作为美学传达的媒介和载体，新材料的运用促使中国画艺术表现形态的多元化。比如，在古代，绘画介质以陶器、纸张为主;绘画方式以墨绘、漆彩、线描等为主。毛笔的运用，使纸、绢、墨成为主体。现代画家将牛皮纸等新材料作为画布，打造出了富有特色的中国画艺术风格。另外，现代工艺对传统宣纸特性的改善，也为中国画审美意蕴带来更加多样的艺术表现。同时，西方画材以及西方绘画技法在中国画中的应用，如光影、空间、色彩等，为中国画增添了更多审美元素。

四、中国画在大学生艺术审美观教育中的应用价值

艺术审美观教育，旨在培养人拥有美的品格、美的情操、美的修养，并通过审美实践帮助个人获得正确的审美素养。中国画讲程式、重传承，蕴含了丰富的美育内涵。通过中国画融入美育，能够塑造大学生的美好心灵，锤炼他们的优秀品格。

（一）从中国画中挖掘创造精神

在美育中，创造精神是核心要素。杜卫在《美育三义》中提出了“感性教育、人格教育、创造教育”的概念，并强调创造教育是整个美育体系的核心任务。中国画作为艺术教育的重要组成部分，为大家提供了探究创造力培养路径的宝贵资源。

首先，要重视中国画的技艺训练。中国画创作，需要掌握相应的笔墨技法。任何一门技艺的学习都需要经过不断地练习来成就。以中国画的线条训练为例，毛笔是“软”笔，提按之间所用的力度不同，呈现出的线条也就有了不同。提起时，线条可以细如丝;按下时，线条可以粗如碗。蔡邕曾言“唯笔软而奇怪生焉”，毛笔的软性为笔法带来更多可能性，也让绘画艺术变得更具创造力。

其次，要注重情感体验。艺术创作，本质上是对情感的抒写过程。画家在绘画时，往往将自己的想法、情感融入作品中。鉴赏绘画作品，离不开对作品情感的分析与提炼。情感体验是欣赏艺术作品最显性的入口，就像聆听巴赫的音乐作品《马太受难曲》，即便是不太了解巴赫的听者，也能够从音乐作品中感受到悲悯情怀。因此，应引领大学生从情感体验入手，感知中国画所蕴含的情感特质。不同时期、不同画家的作品，所传递的思想也不尽相同。中国画中的“平庸”思想、“天人合一”思想等，都需要观者能够深入到绘画作品中，与画家对话、与作品对话。

最后，要把脉作品的艺术观念。艺术创作，除了特定的技法、规范、情感外，还需要提炼其中的艺术观念。艺术观念，表达了创作者对作品的深刻认知与期望。艺术观念直接影响艺术创作的过程。在中国画中，唐代之前的绘画作品多体现功能性;唐代之后，则更倾向于文人画。具体来讲，魏晋时期的人物画具有明显的“形神观”;而宋元时期的人物画，则更强调“形意观”。

（二）从中国画中传承中华文化

中国画是中华传统文化的精髓之一，其美育价值在于更好地传承优秀的中华文化。庄子曾言“天地有大美而不言”，中国画在审美内涵上更加强调“天地之道”，即顺应自然规律。中国画在创作中讲究含蓄的审美取向，以内在的、隐性的方式，融入创作主体中，通过以神驭形的方式传递其精神内涵。

中国画是中华文化长期积淀的人文财富，其所追求的独特的内在价值与其外在形式美感相融合。比如，中国画中的写意精神，将画家的情思、意念以绘画的方式表达出来。“胸中有沟壑”，才能用寥寥数笔，勾勒出超然物外的意象。中国文化强调“大象无形”，对形与意进行了生动的阐释。将中国画与审美教育相结合，能够依托中国画，让大学生认识和感受到中华优秀传统文化的艺术价值，从而塑造他们的精神品质和美好情操。因此，要传承好中华优秀传统文化，让大学生从优秀传统文化中重建健康的审美品格。

（三）从传移模写中培养审美实践力

学习中国画，始于对中国画笔墨程式的学习与临摹。以临摹为例，临摹是认识中国画绘画语言的重要途径。通过临摹，可以体认中国画的绘画精神，感知中华文化的独特魅力。在临摹中国画时，要学习和理解中国画的语言结构，掌握其笔法与技法。从笔法学习中，看到不同绘画工具可以延伸出不同的用笔方法。不同的用笔方法，又可以延伸出不同的笔墨效果。通过长期的临摹与实践，可以循序渐进地走进中国画的世界，并抓住中国画创作的精髓。

美育是发现美、认识美、体验美、创造美的过程。在临摹中国画的过程中，通过分析和了解前人的绘画语言和方法，可以将这些思考和经验融入中国画的创作实践中，进而不断提升临摹和创作的能力。同样，中国画的美育价值还体现在审美感知与鉴赏力上。审美教育贯穿于对美的感知之中。在中国画创作实践中，要强调宁拙无巧、宁涩无滑的原则，要克服绘画时的浮躁心态。中国画所呈现的“朴拙美”能够带给观者不一样的审美体验。此外，中国画创作还能促进大学生的观察力和审美想象力的发展。

五、结语

中国画绝非单纯以笔墨和色彩的渲染来构成艺术作品，而是富有深远而丰富的审美意蕴和美育价值。美学家席勒认为，美育是道德与审美的统一体，旨在提升人的健康审美鉴赏能力。将中国画与大学生审美观教育相融合，通过中国画创作实践，可以熏染和陶冶大学生的精神情怀，提高他们的审美通感力。因此，中国画不仅拓宽了大学生的艺术审美视野，更为塑造大学生的艺术审美观、发展大学生的审美素养创造了良好条件。

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