《肖邦练习曲》Op.25 No.1曲式分析及演奏技巧探析

摘 要：肖邦一生创作了27首钢琴练习曲，分别收录在Op.10中12首、Op.25中12首和Dbop.36中3首，本文从曲式结构与演奏技巧角度出发对Op.25 No.1进行分析，指出作品中的技术难点和演奏要点，期望对学习演奏本作品的演奏者起到一定的指导作用，能够在学习和演奏时有更多的体会与感悟。

关键词：肖邦；练习曲；演奏技巧；曲式分析

中图分类号：J624 文献标识码：A 文章编号：2096-0905（2023）12-00-03

一、创作背景

（一）肖邦生平

肖邦（Frederie Francois Chopin，1810-1849）是19世纪上半叶浪漫主义时期钢琴家、作曲家，波兰民族主义乐派的先驱，在音乐史上有着重要地位。创作了大量钢琴作品，如练习曲、叙事曲、夜曲、圆舞曲、波兰舞曲等，数量多且不乏经典，作品的音乐性与风格多样，因此也被世人赞美为“钢琴诗人”。

肖邦的家庭为他提供了良好的音乐学习环境，他的母亲本身也是优秀的音乐家，擅长弹钢琴，而肖邦也颇具天赋，5岁时便在钢琴上能够独自弹奏《波卡丝》，在家庭和老师的培养下，7岁时便创作了他的第一首钢琴曲《g小调波兰舞曲》，8岁时开始登台演出，15岁时出版发行了第一首正式作品《c小调回旋曲》。后来肖邦进入华沙音乐学院学习，期间与音乐界的名人、文学家、诗人等广泛接触，也不断打磨自己的钢琴技艺。直到战争爆发，肖邦离开祖国去了巴黎，他的艺术事业也逐渐有了轮廓。

李斯特等同一时代的音乐家也对肖邦有着极高的评价，也能看到在他们的作品中肖邦的创作风格，而肖邦也同样吸收借鉴同期音乐家的创作手法，使其作品更加丰满富有诗意。

（二）Op.25 No.1创作背景

肖邦的练习曲分为Op.10和Op.25，两部专辑中均有12首练习曲，还有Dbop.36中也收录了三首练习曲。本文分析的Op.25 No.1是肖邦练习曲Op.25中的第一首作品，也称“竖琴”练习曲，创作于1836年，肖邦曾这样描述这首练习曲：“牧童因暴风雨的来临，躲避于安全的洞穴。远处风雨大作，牧童却若无其事地取出笛子，吹出优雅的旋律。”[1]舒曼作为作曲家和音乐评论家这样评价道：“你想象一下风神爱奥尔的琴吧，它有一切调性，艺术家的手把这些调性编织成最奇幻的花纹，但又永远听得出比较低的基调和柔和如歌的高声部，这样你就会得到关于他的演奏的一个近似的概念。”[2]可见，这首作品展现的是一种平静美好的意境，两边声部用琶音的形式共同形成和声，在延音踏板的加持下，营造出一种迷人的、朦胧的氛围，高音部分的旋律则像是点缀在雾气中的一盏盏明灯，构成了优美的旋律线条。创作这首作品时肖邦正在卡尔斯巴德与童年乌金斯基家族的玛利亚一同度假，生活快乐、不受战乱的纷扰，也因此该时期的几部作品风格都较为轻快柔和，是典型的浪漫主义风格。

二、曲式分析

图1 肖邦练习曲Op.25 No.1曲式分析图

曲式分析是我们在研究音乐作品时不可缺少的过程。通过对曲式的分析能帮助我们快速了解曲目全貌，在此过程中也离不开对和声的分析，并以此作为划定乐句和乐段的重要依据。

图2 主题材料

Op.25 No.1这首练习曲肖邦采用再现单三曲式写成，本文中插入了完整的分析图例（见图1）。A段（1-16）为平行乐段，由a（1-8）和a’（9-16）两个乐句组成，调性为♭A大调，主题材料出现在a句中（见图2），特征是高低声部均采用分解和弦的形式构成六连音，且六连音中的高音是重音；a句由主题材料发展而来，高音部分在分解和弦的织体中形成了一条旋律线条，从不断强调属音到短暂离开属音再到第4小节彻底展开旋律，最后以属七和弦到主和弦的终止式归于平静；a’句先是对a句的重复，在旋律上与a句基本一致，从14小节的后2拍开始转向C大调，并再次以属七和弦到主和弦的终止式进入B段。B段（17-35）为合成乐段，由c（17-21）和d（22-35）两个乐句组成，调性在c句从f小调转到♭A大调，在转到D大调后进入d句；c句高声部保持主题材料的织体，低声部从17-21小节变为了十六分音符的织体，形成了6对4的形式，并且低声部的高音也加以突出，形成了中音区的旋律线条，19-20小节对17-18小节进行了模进，也是在此处有了调性从f小调转到♭A大调，在21小节处出现了6对4变为6对5的变化，对演奏的要求较高；d句从22小节开始到27小节旋律从弱起的不协和的盘旋再到渐强的上行的彻底拉宽，在26小节达到第一次高潮，织体上保持主题材料的六连音形式，28到31小节达到第二次高潮，织体上低声部再次出现五连音的形式，32到35小节第三次以半音上行的旋律达到高潮，织体上在低声部将6对4和6对5交替使用以助于推向最强点，在35小节调性转回♭A大调，以完满终止的终止式进入A’段。A’段（36-43）为单乐句乐段，由a’’（36-43）一个乐句组成，织体上保持了高低声部六连音的形式，和声也变得更为纯净，不再使用离调转调等手法，仅使用了主和弦和属和弦的分解和弦，整句的情绪也从B段脱离出来，变得更加平静，除了高声部旋律给出的音和42-43小节高声部的低音外，其他部分均隐藏于和声之中，以主和弦的多次重复为尾声的到来做铺垫。尾声（44-49）是由主和弦从低音区到高音区的往返四次的长琶音和在中音区往返七次后以主和弦及其转位构成的和声结束，46-47小节的分解和弦中出现了一定的起伏，但起伏前后从pp到ppp，整体上仍趋于逐渐消失的状态，最后以柔和的波音全曲收尾。

三、演奏技巧

肖邦练习曲无论是专业学院的学生或是业余钢琴爱好者均对其爱不释手，不仅因为其能够展现绝对的演奏技术，也因为肖邦对其赋予了更多的情感因素，使其音乐性和艺术价值更高。在其二十余首练习曲中大部分都要求较快的弹奏速度，而这首Op.25 No.1虽然织体较为单一，但其同样在速度上有着很高的要求，并且对于左手的训练也是贯通全曲，这在肖邦练习曲中是不多见的。下文将分析练习和演奏这首曲子时应当注意的技术难点和演奏要点。

（一）技术难点

技术难点本文将从谱面工作和手指训练两方面进行分析。

1．谱面工作

在准备演奏一首曲目前先要了解作曲背景，把握作曲人创作时的心境，对全曲的感情基调有基本的认识。

在做谱面工作时不必急于识谱，可以选择先观察通篇的音乐术语和特殊注释。由于音乐术语大部分采用的是拉丁语（由于英语发源于拉丁语所以有一部分写法与英语近似），不经过专门学习会显得晦涩难懂，因此通过查询书籍或者互联网并标记其汉译是很有必要的，笔者参考的是G·亨乐出版的曲谱版本，比如本曲的速度“Allegro sostenuto”译为绵延的快板，34小节的“appassionato”译为热情的、奔放的，42小节的“smorzando”译为逐渐消失的，44小节的“leggierissimo”译为极轻快的、极温柔的等。

识谱是谱面工作的最后一步。分手进行识谱是最扎实、准确性最高的方式，若视奏能力强也可以选择双手同时识谱，此时不必过多地关注强弱记号等标记，把音和节奏弹对是首要任务，其次可以适当地关注连线和休止符等。识谱初期不宜过快，在开谱环节很容易出现被忽略的错音，在后期演奏时发现又需要花费更多的精力去改正，往往得不偿失。

2．手指练习

手指练习是我们演奏的基础，而练习曲这一体裁能够最直接地体现手指机能。肖邦练习曲对手指机能的要求非常高，也是很多钢琴演奏者弹奏时的根本阻碍，对于想要演奏Op.25 No.1的演奏者也应根据该曲的技术难点进行训练。

这首曲目的核心技术点同样也是贯穿全曲的织体——六连音，且左右两只手需要同时对位演奏。手指训练和演奏时的触键并不完全相同，训练时先应当分手慢练，给每个音足够的下键力度，保证手指的下键感觉和每个音的质量，手指1关节和3关节应提供良好的支撑，手掌保持打开的状态，手腕和前臂保证放松（自然下沉），右手的5指由于对应了旋律部分需要额外施加力量（包括少部分1指和左手的1、5指），在此基础上慢慢提速，提速时应当严格按照节拍器规定的每一格速度，不宜一次提速过多，当遇到临界速度（不能完全控制好下键和手指状态）时应当降速，从之前的速度重新练习，直至能够做到在中速或较快速时不错音、不漏音。此后每次演奏前也应当在中速下保持几遍这样的基础训练，对于保持手指状态有很大帮助。

（二）演奏要点

1．触键

触键是我们在对曲子有基本演奏能力后必须注意的一部分，不同的触键方式能够产生不同的音色，而不同的音色又有着不同的色彩，使音乐更加丰满有张力。这首Op.25 No.1保持了肖邦练习曲一贯的快速弹奏风格[3]，但情绪上不同于“革命”“激流”等曲目。整体上来说更趋于平静舒缓，触键上不能够有过多的颗粒性，即不能过多地使用指尖，下键速度也要一定程度上降低。再从主题材料出发我们能够看到右手声部六连音的高音和其他五个音的触键是完全不同的，高音部分形成的是旋律，而突出旋律时触键需要使用指尖和指肚的中间部分，只使用指尖会显得过于明亮，破坏和声效果，只使用指肚则无法清晰地表达旋律，此外，高音部分基本上全部使用能力较弱的5指，所以训练时要更多的将注意力放在高音部分，保证正确地触键，也要通过耳朵听到的音色去要求手指，主题材料中其他的音触键时则基本全部使用指肚，下键慢，手指需要尽量贴键，通俗地讲，会有一种“摸琴键”的感觉，但“摸”不代表音是虚的，仍需要有足够的力下键，控制好音量，与低音声部共同构成和声，仅在42-43小节时1指的音需要像旋律部分的触键一致；左手声部是低音声部，在触键上则与右手声部有共通之处，左手5指弹奏的是分解和弦的根音，在1小节、5小节等位置也要像旋律声部一样突出，同时六连音中的其他音则一样使用指肚并且下键要慢，在17-20小节时也出现了1指类似旋律声部的触键。在演奏过程中往往会出现因为表达强音量而选择使用指尖快下键，或是因为弱没有突出旋律，这需要演奏者在练习时严格控制手指，建议先分手训练，能够把握尺度时再合手。

2．气息

气息是被演奏者忽略的最多的音乐处理，在适时的位置进行呼吸能够让我们的身心和曲子更加同步，也能够消除很多上台时的紧张和焦虑。

一般来说，我们把呼吸放在乐句与乐句之间，遇到长乐句可以再选择其他呼吸气口。在Op.25 No.1中，a句（1-8）开头标注了一个p（弱），并且第一个音是弱起，我们可以进行一个深吸气，将气吸到身体深处，然后在演奏到4小节前两拍之间慢慢呼出，4小节后两拍时要为5小节蓄势，可以在这里选择再深吸气一次，一直到8小节结束的过程中慢慢呼出。a’句（9-16）的呼吸方式与a句基本一致，但由于是第二次出现需要在情绪上更强一点，呼吸的深度也可以加强。进入B段后，c句（17-21）中17-18小节、19-21小节是模进关系，需要分别呼吸两次但相对较浅，d句（22-35）中22-24小节为第一次高潮做准备，可以在22小节时吸气24小节末呼出，25小节前深吸气保持至27小节换气，再到29小节的第四拍再次深吸气，并且因为是第二次高潮所以吸气位置要更靠下，到31小节末时换气，32小节到35小节是全曲第三次高潮也是情绪最热烈的部分，需要深吸气到最深处一直顶到35小节的fa出来以后再慢慢换气。A’段情绪回归平静，a''（36-43）可以在37、39、41小节处换气，尾声部分需要再次深吸气保持到48小节，在第三拍的休止符处最后换一次气结束。

呼吸同样需要进行多次训练，大家在练习时可以在谱子上标注出来气口，想要在呼吸上深入了解也可以通过聆听诗词朗诵或者声乐演唱等[4]。

3．踏板

踏板能够帮助我们润色音乐，延音踏板提供强大的混响效果，柔音踏板能够改善音色，而浪漫主义时期的作品对踏板的运用也已经达到了炉火纯青的地步。肖邦的练习曲中为了营造氛围和壮大气势使用了大量的延音踏板，但如何运用踏板是我们需要展开分析的。

在Op.25 No.1中只使用延音踏板，基本上覆盖全曲，仅最后一小节颤音时不使用，要注意和声变化时换踏板，且要换音后踏板否则会影响乐曲的连贯性。踏板在和声稳定时（如1小节、3小节和尾声等）可以踩得深一些，在B段和声不稳定的情况下可以踩3/4左右的深度，大家可以自行处理，保证旋律声部以及和声的清晰即可[5]。

四、结束语

这首Op.25 No.1是肖邦非常经典的一首练习曲，笔者通过自己的理解和感悟浅析了这首作品，希望可以或多或少帮助到广大音乐爱好者和演奏者，能够从中获得一定的启发，笔者也会继续钻研这首作品，继续探究肖邦的作品。

参考文献：

[1]林逸聪.音乐圣经（上册）[M].北京：华夏出版社，1999.

[2]A.索洛甫磋夫.肖邦的创作[M].北京：人民音乐出版社，2001.

[3]赵佳楠.《肖邦练习曲》Op.10 No.9曲式分析及演奏技巧探析[J].戏剧之家，2023（01）：75-77.

[4]李恒.肖邦练习曲op25.no1的演奏探究[D].四川师范大学，2018.

[5]刘婵.浅析肖邦练习曲op25no1《竖琴》[J].艺术大观，2014（12）：90.