“长与短”， 从节奏到乐感的起始

文/周铭孙

音乐是时间的艺术，首先面对的是时值的长与短。

我们学钢琴，从入门第一阶段起，首先会教你音符的长短与时值：全音符、二分音符、四分音符、八分音符、十六分音符，等等。不要小看这些看似简单的音乐基本要素，其实这是体现节奏与音乐感的最重要和最基本的元素。

著名钢琴家齐莫尔曼说：“音乐是时间里的情绪流动。”

在音乐里，时间的实现和体现，关键在于节拍和节奏的构成与延续，同时注入发自肺腑的音乐情感，并加入轻重缓急的丰富变化。而其中首要的关键和基点竟是最不起眼的“节拍感” ，而节拍感的关键恰是首先要明确并感觉好“长与短” 。我认为，这是一切节奏感到音乐感的起始点，是音乐感觉的精髓，也是音乐构成之本！

因此，我们在钢琴教学中要着手于：从长与短到静与动、慢与快，再引申到松与紧、缓与急……对于这些在音乐表现与节奏感觉上的关键问题进行研究、分析和引导。

这关系到我们面对的一个旋律、一段音乐，应如何去琢磨推敲并设计处理它！我们必须从长短、静动入手去细致感受节奏和音乐，以更有说服力地表现音乐。

音乐与节奏是密不可分并相辅相成的，好的节奏感是产生好音乐感的基础和保证，好的音乐感又必然依仗于良好的节奏感觉与修养。“音乐是时间的艺术” ，不就是最好地说明了这一点吗？！如果我们在弹琴时连最简单的音符时值都数不好，基本的拍子都没弄准确，都不去仔细感觉与品味，那还谈何节奏感与音乐感！

在音乐是时间的艺术的同时，音乐也是声音的艺术。大家都知道，音乐的本身是由节奏与声音两个部分构成的。直接牵涉声音的，还有不少辩证的对立面，譬如强与弱、硬与软、实与虚、重与浅、厚与薄、亮与暗、高与低……这也都需要我们去探索与研究。

我们说，音乐是变幻无穷的，那么，变些什么呢？我认为，就是以上这些对立关系的交错与组合，构成了音乐语言的基础，并形成多种多样、千变万化的音乐效果！而这一切变化的最基础元素，还是立足于音乐中各种最基本的“长与短” 的组合与变化。

现在，我们以“长与短” 为代表的一系列时间艺术里的辩证关系进行一些具体的探讨。原则很简单，就是：

有长就有短、有伸就有缩、有快必有慢、有动必有静。

根据这个原则，在乐曲中，我们选一个主题或旋律来看，里面大多都是由不同长度的音符组成的。那么，我们一眼就会看到，哪些音符是相对长一些的，哪些音符是相对短一些的，哪些音符是相对高一些的，哪些音符又是相对低一些的，这些直接决定了音乐的语气与走向。

“严格按照时值” ，说来简单，但是在具体弹奏中却常被忽略。因此，必须强调的是：时值是多长，你就必须弹多长！不过具体弹起来，很可能会受一些莫名的干扰……因为当一个音长到两拍或三拍以上时，学生往往会等不及，没有耐心，而想快点儿让它结束，后面的一些音就会抢着提早一些进来。如果弹到快一些的相对密集的音符，学生又可能因为技术能力有限而放慢。这样就变成了时值该长的，没弹够时间就过去了；而时值该短的、本该紧凑些的音，又明显会延长或拖慢。这种现象虽非学生的本意，但是相当常见。这是必须严格纠正的，因为在节奏和音乐上都出现了不允许的偏差与错误，由此也破坏了音乐形象和格局。

还有一种情况是，有很多学生只想快弹、只会弹强。好像弹钢琴就只是为了快和响，他可以不喘息的奋力弹快，甚至乐此不疲。

但是，他们缺少的却正是不会慢弹。他们安静不下来，往往快的乐段很熟练，而遇到长一些的音却完全不知所措！其实，大家想一想，时值长的音，更说明它是重要的音，正因作曲家重视它，才把它写得更长。所以，在长一些的音上给予重视与强调是必需的，停留一下听一听，感觉一下，品味一下。长音感觉好了，之后由此派生或发展出来的快速音流肯定能弹得更为从容舒适，得心应手！

我认为从音乐的构成来说，正确的顺序应是先有慢才有快。经常，快的音流是从长一些的音那里发展、派生或延伸出来的，就像枝叶从树干、树枝里生长出来一样。

弹钢琴是需要训练速度的，弹快是钢琴技术的必须。我们很多钢琴学子练就了一手超强的技术，但往往却吃亏在音乐语言的表现与音乐感情的深入体察上，往往在弹到优美抒情的乐段时，内心反倒会有些空白，这个问题是必须解决的。如何解决？当然，全面提高音乐艺术修养是首要的，但从长与短、动与静这些方面入手，应是一个便捷的思考途径。你可以这样想，一个长一些的音可能在乐句里占有重要的位置，它会在听众的耳朵里延留更长的时间，作曲家既然把这个音写长，就一定有要强调它的理由。这个音很可能是乐句中语气和感情所凝聚的音，或是乐句中占中心或重要位置的音。所以，这个音的发音必须要好听，要充分发出，要能充分延长，并且必须弹出最好的共鸣……弹好“长音”，绝对是钢琴演奏技巧与工夫的重要方面与体现。

综上所述，“长音” 要弹好是功夫，是修养和档次的体现。跟快速能力比，弹好“长音” 是另一功，但也是必须具有的静功和慢功。

在此，我们先以贝多芬《G大调钢琴奏鸣曲》（作品49之2） 第一乐章为例。

例11 贝多芬《G大调钢琴奏鸣曲》 （作品49之2），第一乐章

第一个和弦，时值是两拍，是一个典型的“长音” ，两拍的时值一定要弹够、弹充分。弹完和弦，手仍放在琴键上，稳定地“端坐” 两拍，听其和声与旋律的声音延长充分后，再提起来弹第三、四拍的三连音。“三连音” 必须严格地在每一拍里平均地弹好三个音。“三连音” 一般在技术上没有障碍的学生弹奏时，易“溜” 过去——偏快。所以应该在节奏上把住、拉住一点儿，会比较稳定、从容（但对技术能力未达到者，又可能拖沓，所以每人情况不会都一样，必须具体情况具体对待） 。这个谱例说明的问题，就是要准确地弹奏出乐曲要求的时值，该慢的不能赶，该快的不能拖。完全体现节奏，尤其是把“长音” 弹足时值，音乐形象才能更为坚定有力，这也正是有音乐感的表现！

在此，必须强调的基本原则就是：作曲家写得长的音，就是让你待长一些，绝对不可缩短！作曲家写得短的音，就是让你流畅一些，绝对不能拖沓！

这听起来简直是一句大白话，有谁不知道呢？可是到了钢琴上还真不一定，做不到的情况比比皆是！

对这个看起来简单的道理，我越研究就越是感到其中真是大有学问！我们可以视长一些的音为“核心音符”，短一些的音为“过渡音符”。现在，让我再结合一些具体的实例来仔细讲解。

莫扎特《F大调钢琴奏鸣曲》（K332）第二乐章，是一个优美而真挚的抒情乐章，如果把其中的长音与短音处理适当，强调与逗留的长音感觉充分，向前流动的短音弹出向前的倾向，音乐中的抑扬顿挫就会得到很好的体现，旋律本身的语气与表现力就会有更强的说服力。

例12 莫扎特《F大调钢琴奏鸣曲》（K332），第二乐章

我们具体看一下哪些音是必须待够时值的？第1小节的第一拍，这是本乐章的第一个音，在降B大调主音的位置上。一拍的时间，作为整个乐章的起始和基点，由这个音延伸出其后向上的一连串音，所以这个第一拍是最需要把时间保留充分的，才会给人留下深刻印象。

而第1小节和第2小节的第三拍，都是附点八分音符，它们的时值都长于其他的十六分音符与装饰音。因此，这些在时值上三倍于十六分音符的音，又处在待解决的位置，也应该是语气的凝聚和强调点。

第3小节的开始是时值一拍半的长音，第4小节的开始是切分音，都是要相对长一些并需强调的音，作为小节中的骨干音与音乐语气的集中点，必须有明确的节奏与音乐感觉。把这些处在核心的长音和作为过渡的短音都感觉好了，并做出来，旋律的意义和魅力肯定是不一样的！

下面，我再举两个更简明的例子。

例13 库劳《小奏鸣曲》 （作品55之1），第二乐章

此曲的第一段，每四个小节为一句，在第4、8、12和第16小节的第一、二拍上，都是占两小拍的四分音符，这十六小节中时值最长的四个音，学生们弹奏时常常会匆匆而过。但如果我们按照“长音要弹充分”的原则，在这些四分音符上都有一点儿持续，弹够时值，使每一小句都稳定结束后，再用手腕略提作一个小小的呼吸，继而进入下一句，节奏就会十分稳定，乐句与乐段的结构也会很清楚。当然，有一个前提是所有的十六分音符和八分音符都要弹得灵活流畅，节奏准确，才能做到长与短的良好结合，相辅相成。

肖邦《e小调第一钢琴协奏曲》 第一乐章的主题是最迷人的旋律之一，如果用长与短的原理去感觉它，把长一些的音延续充分并注入感情，而快一些的短音——音流，让他们流畅地趋向下一个相对长一些的语气强调音，这样的静与动的交错，会使音乐充满趣味！

例14 肖邦《e小调第一钢琴协奏曲》，第一乐章

这些生动的实例都说明了这个简单朴素的道理：

长的音弹长一点儿，放够时值！

短的音弹短一点儿，不能拖沓！

傅聪先生在讲学中经常给学生说到的，就有这个道理。简单吗？简单！但也不简单。当你真正认识了这两句话的意义，音乐中的许多事情都因此找到了回答。几个字，几句话，到处都能适用！

在此，我列举一个非常有意思的钢琴家的典故。著名的女钢琴家图蕾克说到她在17岁时由于努力钻研巴赫作品的弹奏，有一天在练习《a小调前奏曲与赋格》 （第一册） 时竟然休克了过去，等她醒来后，她觉得忽然得到了“神启” ，一下子全都明白该怎么弹了！当时她也没说这“神启” 究竟是什么。多少年后，图蕾克已成为最著名的巴赫作品诠释者，别人由于一直好奇而再问起她当年的“神启” 到底是什么？图蕾克哈哈大笑，说：“就是把长音符弹得比较长，把短音符弹得比较短！”

就这么简单的两句话，“神启” 就那么简单，却是千真万确的真谛！有时捅破窗户纸还真是近在咫尺不需吹灰之力。

我把这两句话认真领会，翻来覆去地思考，引申了很长一个阶段，并在巴赫“平均律” 的教学中，也进行了实践。由于巴赫原谱上没有标记与指示，对赋格主题的处理，长期以来都感到有些困惑，不知究竟怎么才是“对的” ？才是符合巴赫风格的？有了图蕾克这句话作“标尺” ，再处理巴赫的赋格主题，似乎一切都简单明白多了，原则就那么简单，而且还真立刻见效！

我现在选几个巴赫“平均律” 中赋格的主题作为例子，以说明在弹长一些的音要有持续一点儿的感觉；而在弹短一些的音时，要向前走，不能拖沓。当然，这一切都应在有规律的节奏脉动之中，绝不可以去随意歪曲或改变节奏，这是必须要说明的！

我们先选几首大家多用的《巴赫平均律钢琴曲集》 （以人民音乐出版社出版版本为参考） 中的赋格主题作为例子。

第1小节有两种时值的音符，十六分音符和八分音符，我们必须把小连线中的三个音弹得灵活、清楚，手指尖干净、敏捷，绝不拖泥带水。而八分音符的断奏，要很稳定，声音有弹性，不慌不忙。这个主题中，关键的语气强调音在第2小节第三拍的后半拍，那是一个切分音，本身需要强调，而时值为四分音符，又是这个主题中最长的一个音，应给予重视，这两个原因决定了这个音必定是最需要强调的语气所在，所以一定要以时值的充分来表现这个语气的中心。此后，两个十六分音符把主题引向第3小节的第一个音，主题第一次展现到此结束。

例15 《巴赫平均律钢琴曲集》 第一册第2首，c小调赋格主题

例16 《巴赫平均律钢琴曲集》 第一册第5首，D大调赋格主题

D大调的赋格主题长度是四拍，从第1小节的第二拍开始，到第2小节的第一拍。主题由三十二分音符开始，这一拍的八个音应该果断、集中、均匀，一气呵成地推向下一拍的附点八分音符，这个音也是本句的最高音，因此它应该是这个主题的高点和语气强调音。我们可以看到第1小节的第三拍、第四拍和第2小节的第一拍都是同样的附点八分加十六分音符的节奏，这种节奏中的两个音是典型的一长一短型，那么，每一个附点八分音符作为相对长的音，必须弹够时值，甚至更长，才能表现出一个肯定并带有一定的强调感的语气。而之后的十六分音符，可比附点八分音符更轻，作为走向下一个音的经过音，但声音必须清晰，并作为主题的统一组成部分。我体会，之中的关键在于：附点八分音符的时值非但一定要保持足够，还要把它作为双附点的八分音符来对待，做到真正“时值足够” 并感觉充分，那么，你弹出来的音乐语气与性格就一定是肯定而果断的。

例17 《巴赫平均律钢琴曲集》 第一册第8首，升d小调赋格主题

这是一个具有田园风味的主题，悠远而略带遥想，非常优美动听。主题的第一拍在升d音上开始，时值为四分音符，这在行板的速度进行中，是很从容的。它走向下一个升a音时，上行了五度，而这个音又是附点四分音符，是本句中的两个长音之一，但它相对处于更高的位置，我们在弹奏时会感到这个音有一种宁静而旷远的意境和魅力。接下去是一串五个音的八分音符，音乐就应该向前从容地流动了，此时要感觉平和、淡然，不要过多的压力与表情。因为这五个音的倾向是要走到第2小节第二拍的四分音符升a音，作为主题前半的小收，这个音不用过分强调。而第2小节的第四拍的升g音，是本句中的第二次出现的相对长的附点四分音符，它比第1小节的升a音低了一度，又处在主题后半，离句尾不远，因此可以相对柔和一些，但它仍是语气的凝聚点，所以要充分感觉这个音的时值，保持足够时长，然后主题在第3小节的第一和第二拍上走向收尾。如果我们在弹奏中能保持安静的心态，充分体会到时值、走向、起伏和语气，特别是相对长一些的音作为乐句中的核心的魅力，这段音乐将会表现得十分美好！

关于“长与短” 的具体应用与感觉，已举了不少的实例，进一步的实践还得靠大家自己去体会。我想，既然傅聪，这位在音乐上如此深入细致的大师经常会提出注意“长与短” 的要求，图蕾克也把此喻为“神启”！那么，这个“长与短” 的重要性是毋庸置疑的！当然，音乐表现还是以“自然” 为准则。表情千万别做过分了，如夸张过头了，又会导致音乐趣味和品位方面的新问题。

在此，最后再引用几句话，以更充实和确认“长与短” 的重要性。波格雷里奇（是一位极具个性的著名钢琴家） 说：“最基本的，就是把每个音符的时值正确读出来，知道每个音该有的长度，就可知道声音的先后和层次，接着每个声部作区别，表现走句。赋予语气，这些都做完了，才能开始讨论作曲家的其他指示。”

当然，在此必须再次强调的是——“长与短” 切勿滥用，切勿做过头。因为事物都是物极必反的，如做过了头，音乐就失去了淳朴、本真的美，并由于表情造作、不真诚而惹人反感。

总之，时值的长短是感受节奏与音乐的最基础的元素（但一切都以符合自然的音乐感觉和逻辑为原则），作为一把开启音乐之门的钥匙，对音乐的探索与音乐感的培养，我认为可以由此起步，开始进行！