论演奏者的音乐感知及心理调控

郭媛媛

（滨州学院艺术学院，山东 滨州 256603）

论演奏者的音乐感知及心理调控

郭媛媛

（滨州学院艺术学院，山东 滨州 256603）

过于意识到听众的存在，是登台演奏的危险之一，心中不可有 期盼音乐达到某种效果的强烈企图，亦不可想要取悦听众。演奏家与听众之间，最佳交流方式是：演奏家一旦开始演奏，便忘记听众的存在，只有当演奏者专注于音乐时，才可达到最佳的音乐表现效果。

音乐感知；心理调控

演奏者为音乐创造提供了更多色彩的潜能。灵感并非天赐的礼物，亦不会在机械的练习后，奢望灵感会在登台的那一刻突然降临。不应只为音乐之美陶醉，而应努力探索她美的起因，明了其法则及内涵，理性领悟后，演绎时合理调控情绪，才会迸发灵感的火花。

一、音乐艺术的感知

世上没有完全标准的音乐思路，音乐演奏亦然。关于演奏一首乐曲的方式，须经过多种可能的表现手法，充分做到后才可决定，到底应采用哪一种。乐句的表达和层次的平衡有许多种手法。音乐的表现方式就像一个万花筒，但需要选择一种而舍弃其他。

作曲家是具有两元性的创作角色，在音乐中，思想与情感是不可分离的，理智与直觉同样也密不可分，所有这些要素成为一体，通过透彻的观察了解到一部作品的结构。爱因斯坦说，宇宙最无法解释的现象就是它是可以解释的。音乐最无法解释的现象就是它的可解释性。每次分析乐谱之后，总有一些因素是无法理解的，这正是音乐超脱的特性。

演奏者只能见到完整的成品，因此必须寻找重新将整体分解为细节的途径，即使作曲家创作时依赖于潜意识的本能，在思潮汹涌之际写成，演奏者仍需运用理智、理解力和观察力，以便能有意识的去再创造潜意识的精神。倘若演奏者单凭直觉，可能会有全然不同的结果。如果演奏者能够以理性的观察，来证实自己对作品的直觉，就表示演奏者沿用了源于作曲家的创意与形式，如此便可以避免主观错误地解释作品。

当演奏者接触到观众，往往会带来新的因素，它可能激发灵感，也或者会带来不安，因为演奏者转移了自己的习惯性练习和建立自信的独处状态。演奏者在再创造的过程中，相当于谱写一首新的作品，能够将它们先分解再组合起来——总是会有一种创造性的过程能够协助演奏者透视作曲家的世界。

二、合奏的魅力

合奏的基础来自于相互聆听，当只有一个人独奏，像钢琴一类的乐器时，每一个手或者每一个手指都必须听到另一个手或者手指，不能单独地弹奏。一旦与他人合奏，例如小提琴或者歌唱家，音乐的表现基础便来自于合作者。倾听，是比一般听见要更为主动的过程，不仅要保持自身的演奏，同时又须听到同伴，并不是一件容易的事情。

一个声部如何决定另一个声部的动态或静态呢？不同声部的重要性或次要性，是否可以由某种等级制度来决定呢？倘若如此，那么是由合奏乐器中的绝对力量来决定，还是由乐句的重要性来决定呢？倘若是前者，那么每一件乐器就需要不间断的全力演奏，因此，可以得知，是音乐内容决定了力度上的等级关系，再决定由某一件或某一组乐器占主要地位，因此，不同乐器或声部之间，应建立起一种正确的平衡状态以突显音乐的讯息，并反映出各个声部或乐器之间的相互关系。这将会给演奏者一个总体的重量感，将会影响演奏者的速度。例如：正在运动的物体的重量决定它运动的速度。

一个优秀的音乐诠释者，所要具备的重要特征，是要能维持各声部或者乐器间的层次平衡。真正的平衡状态是每一个声部都可以听到且出现的恰如其分。每个声部或乐器必须发音清晰才能与其它声部相互作用。不同的声部可能以不同方式相互受到影响，例如：经过角色自我的转换或经由其他声部的接触后，不同声部的位置并不影响整体。即：每个声部必须保留其特色，与其它声部接触会无止境的产生更多的独特性，且无需为此而丧失自己的特性。

乐器之间的合作，积极性与原动力来自于演奏者，这种合作结合了队员之间的温馨人际关系，其重要性非比寻常，在普通团体中，很少见到如此专业氛围和对卓越品质的追求，会感觉到每个人不仅要显示他们的光辉历史，还有对音乐的专注，以此来达到乐队演奏可能的最高境界，这是非常激励人心的。

三、感受力调控演奏状态

作为演奏者，应充分理解音乐的法则和成分。莎士比亚曾将技能定义为理性，灵感是在理性思考之后，才会到来。作为演奏者，需要心无二用，因为与听众最好的交流首先是通过自身的音乐交流来达到的。

倘若试图以哲学来理解音乐，会发现包含三个范畴：物理的、先验的以及心理的。物理的——是因为音乐作品只能以物理的声音来呈现且必须符合声学原理；先验的——由于能表达超实体的意境，表现力如诗歌一般能听到静寂；心理的——音乐作品中不同的因素有着不同的作用，和声、结构和节奏是密切相关的。

音乐的演奏取决与音乐之间的平衡，音乐的表现和每个技术的难点是无法分开的，乐谱上的速度是基本要素，难度更大的是整个乐章的表情、旋律线条、分句法和激情。倘若乐感、句法和表情在手指灵活性的技术问题解决之后在加入，就太晚了，它们必须融为一体。如果机械式的练习，音乐的原意就有可能被更改。

内心听到声音和乐句的进行、对音乐强烈的感受力及与音乐之间的互动，是演奏家最重要的素质，也是一种无法传授的素质。一位演奏家在演奏中的热烈程度，决定了他伟大与否。假设：钢琴家要弹奏一个突强音（Sforzando），又不希望听上去突兀粗糙，就需要停靠在这个音上。如果无法达到这种音乐效果，那么便仅仅是带来手指上的痛感。钢琴家对于键盘传达音乐的强烈感受力，会传递到听众身上，并为他们所体会。

音乐中具有无限特质，作为演奏者要深入体会，将有限的力量创造出无限幻象。在研究音乐时，需要得知某一乐句是否在技术上较难控制或者会使得演奏者由于过于激动将理解力和理智弃之一边。作为一位演奏家，需要将品味与直觉、思考与分析充分结，所有诠释都必须尽可能自然。演奏者必须在音乐中寻找天真、鲜活和纯正的表情，与矫揉造作截然不同——接触一件艺术作品最开始阶段，应天真质朴。下一个较为复杂的阶段，是思考作曲家的创作手法及如何通过分析观察来掌握它。接下来，进入理性的第三阶段，对作品有更进一步的理解，一种具有艺术的天真单纯。天真，并非幼稚，就像善感并不意味着伤感。在音乐演奏艺术中，天真的成分极为重要。

四、结语

没有一种演奏代表了路的尽头，因为它是另一种全新演奏的开始。它是从前所有演奏成果的积累，也是下一段演奏的前奏。每一次演奏都必须使演奏者从中获得进一步的了解。对演奏家来说。重要的不只是靠直觉和潜意识来研究一首作品，而必须观察、消化作曲家创作作品时采用的不同因素。从而在演绎作品时进行心理调控，真正发掘再创造的方式。■

[1]樊禾心.钢琴教学论.上海音乐出版社,2007.

[2]林华.音乐审美与民族心理.上海音乐学院出版社,2010.

[3]雷吉娜·斯门江卡.如何演奏肖邦.中国文联出版社,2009.