论绘画图式的个性

陈 晔

论绘画图式的个性

陈 晔

在绘画过程中，图式是具有强烈个性的，如同人的基因一样，是有别于他人的重要特征，是承载个人的精神载体。无论是从绘画的发展还是艺术家自身的需求来讲，个性图式的形成都是至关重要的。本文首先解释了“图式”与“绘画图式”的概念，探究了绘画图式的发展过程，以此为前提来分析个性图式在绘画中如何应用。文中论述了个性图式的出现、发展倾向以及个性图式与情感的表达。

图式；个性图式；油画创作

一、绘画图式的发展过程

（一）图式与绘画图式

“图式”一词最早出现在哲学领域，英文为“schema”，意为概要、图表、安排、模式，是由德国哲学家康德提出的。康德认为图示是潜藏在人们内心深处的一种技术、一种技巧，图式的存在早于人的经验之先，独立于经验之外，而先验图式的来源是人自身的想象力。瑞士心理学家皮亚杰给予“图式”理论新的发展，他认为图式是主体内部一种动态的、可变的认知结构，即图式虽然最初来自先天遗传，但人一旦与外界接触，在适应环境的过程中，图式就不断变化，不断丰富和发展起来，不会永远停留在一个水平上。①皮亚杰：《发生认识论原理》，商务印书馆，1981年。将“图式”引入艺术领域的是英国艺术批评家贡布里希，他在《艺术与错觉》中写道：“一定有一种特殊的艺术，它不是立足于观看，而是立足于知识，即一种以‘概念’性图像进行的创作艺术，这里的‘概念’性图像指的是艺术史中的各种图式形象。人们通过教育、环境等经验积累获得观念化了的艺术风格样式，这种形象化了的东西在人们的记忆中存留，成为向外界做出视觉反应的知识基础。”②贡布里希：《艺术与错觉》，广西美术出版社，2012年。对造型艺术而言，“图式”主要是指图形的样式，它是艺术家表达内心情感、思想观念、画面视觉效果所必须使用的个性化符号，作为一种抽象画的传达媒介，它是独特而具体的。时代、民族、地域、文化等诸多因素都对其产生了深远的影响，同时它还承载着艺术家丰富的情感与深度的思想。也就是说他认为图式是深藏于人们内心深处的，艺术家是以这种藏入内心深处的东西作为创作的原点，在已有图式的基础上进行综合的修饰与创作，在此过程中先验老旧的图式并没有新的发展。“绘画图式”一词并不是凭空臆造而来的，它是随着图式理论的发展，随着贡布里希将“图式”概念引入绘画领域而出现的。根据贡布里希的观点，已有图式经验潜移默化地影响着各个时代的艺术家。因此概念性的已有图式影响着画家的创作，成为他们创作的原点或航标，抑或成为他们创作的障碍。创作过程中作者在画面中描绘对象的位置、线条、色彩等元素与作者要表达的思想有机地结合在一起，具备审美价值和精神意义，就被称之为“绘画中的图式”。

（二）绘画图式的演变

事物都有其产生、发展的过程，绘画图式也不例外。从古埃及神秘的程式化图式、古希腊的庄严高贵、中世纪呆板神秘的微笑到文艺复兴科学的实学，绘画图式不断发展。古典油画时期，绘画主要的描绘对象来自于对现实世界的观察，真实细腻的描绘出物象甚至被归纳到了自然科学的范畴。在古典油画当中我们的确可以从中找到对这一观点的证明。现今的摄影技术也是由当时这种转录客观现实的观点发展而来。

绘画技术不断发展，如今古典时期那种对物象“直接转录”的表现形式已经不能满足创作者的表达欲望，也不能满足欣赏者的审美追求。现今从描绘真实物象到光线到色彩，越来越多的艺术家关注的是绘画本身，艺术创作更多地遵从艺术家的内心需要，画面中的视觉物象不仅只有现实物象、颜色、形象，甚至是不起眼的水滴都可能成为油画作品中的图式。

二、个性图式在绘画中的应用

（一）个性图式的出现

无论从绘画艺术发展的趋势还是艺术家对绘画本质的追求都预示着现代绘画会朝着个性化方向发展，个性化图式的出现是必然的。笔者认为个性图式是艺术家将自身在生活中逐渐形成的思想、观念、情感体验以先验的知识为基础，通过绘画手段表现在画面上，从而形成其有鲜明个人特点、独到观念和审美趣味的图形样式及以图形样式为载体的思想主题。

从绘画艺术的发展来看，传统绘画注重情节，通过画面来讲故事，图式因此侧重具象的造型、光影、色彩、透视等绘画技巧。可以说传统绘画大多以叙事为主要目的，通过再现真实物象或场景来表达艺术家的创作意图。但是现当代绘画跳脱出了传统绘画的“再现真实”，转向为再现非真实与内心情感的宣泄。现当代艺术家往往会神话或是强调某个或多个元素，有着与传统绘画截然不同的视觉效果和表达方式。个性图式扩展出了绘画艺术的新道路，使之更接近绘画的本质。从创作者的角度看，首先其渴望表达内心的情感与对事物个人化的观念；其次，创作者需要有不同于大众的个性图式，方可在众多画作中脱颖而出。因此，个性图式的出现是必然的，不是几个艺术家、艺术批评家可控制可主导的方向，个性图式的出现是绘画艺术的发展需求与趋势。

这是一个读图时代，很多时候图形的作用甚至超越了文字。这个时代的读图文化和以往的读图时代不同，在人类的历史中，因国民文化水平低、文盲多，而用图像的形式传播信息与文化的时期在世界各国都出现过。而现今图式语言的兴盛不再仅是替代文字表达的方式，甚至图式语言的功能在某些时候发挥的作用是文字语言无法描述的，走在街头、浏览网页、打开电视到处都是图像充斥在我们的生活中。

（二）个性图式的发展倾向

1.平面化倾向。图式的平面化特征有着独特的魅力。首先，平面化倾向使得绘画更加关注其本质，摆脱了绘画再现客观现实的束缚，即作者在进行绘画创作、表达主观情感时最大限度地使用最精炼的绘画语言。其次，画面的表现更加真实化、理性化。图式的平面化就像是在做减法，减去繁杂的表现元素与技法，减去作品与受众之间的严肃与距离，满足当代人的读图习惯。油画中的平面化倾向最初是由西方绘画对东方艺术元素的吸收而产生的。现代西方艺术家早已不满于像传统油画中那样再现真身，表现深厚的绘画功底。随着东西方文明的交流，与西方艺术有天壤之别的东方艺术引起了西方艺术家的好奇与兴趣，他们从东方艺术上找到了新的出口，将东方艺术中的表现手法融入自己的艺术创作中，东西方艺术碰撞出了新的图式倾向。例如，印象派画家融会了日本浮世绘作品中的平面化表现手法。莫奈画妻子左拉的画像，空间透视受东方艺术的影响，人物与背景的空间平面化了；高更不求空间立体，画面展现出一种原始的美感；马蒂斯在色彩方面大胆运用平涂的装饰色块；大卫·霍克尼已经把图式平面化发展到极致。当西方现代绘画的平面化特征日趋成熟后，又反过来影响到东方绘画领域。以我国为例，现代绘画的平面化特征是长时间发展的结果，第一批从海外留学归来的油画家，作品呈现出的是那个时期的精神文化生活的态度，带有很深的时代色彩。从画面视觉效果来看，较多模仿、移植西方绘画的语言图式，大都受到叙事性、戏剧性、文学性描述的影响。但当代油画创作表现出来的风貌就与当时截然不同，无论是从题材内容还是创作手法上都有很大的创新，更多艺术家选择用更加简明的平面化图式语言去表达作品的主题，这样使得表现的主题能够从繁杂的表现元素中剥离出来，让作品以最直接的图式展现它的形式美感与审美价值，同时，画面的视觉冲击力也更加强烈了。方力钧就是当代平面化图式的代表人物，他采用夸张变形的手法，以平面化的图式去表达，作品在视觉上给人留下了深刻的印象。

对于个性图式的平面化倾向在中国油画界中有如此突出的影响力，笔者认为有以下几个方面的原因。

第一，视觉技术对绘画艺术的冲击。随着时代的进步，科学技术的发展，从镜子到小孔成像到相机再到电脑，我们经历了一次又一次的视觉革命，视觉文化因不同的时期出现不同的形态，但无论它们的形态有何差异，晚出现的文化都是在继承了之前文化的基础上继续发展而来。直至今日，绘画艺术无法避免受到新兴视觉技术手段的冲击。摄影技术、电脑后期特技等都更适应当下这个快节奏的社会，绘画也不仅仅依靠画笔和画布，许多艺术家也通过摄影、电脑后期等途径将预先构想制作出来。现当代绘画的平面化倾向与传统绘画有着天壤之别，不再专注对客观现实的再现，但是这样的表达更符合这个时代的需要。

第二，当代审美方式的转变。在如今整个大文化时代背景下，传统绘画更多地被当作古董一般陈设在博物馆中，使之与当代生活拉开了心理距离。大多传统绘画中所描绘的内容也与当代文化生活相距甚远，如不去了解画作的作者与创作时代背景，我们很难与之产生共鸣，从受众的角度分析，虽然当代绘画的平面化倾向会使作品产生多义性，也就是说它所传达的意义是不固定的，与受众的文化背景、成长环境、年龄层次甚至是性别因素息息相关，这正是平面化图式的魅力。从表达主体来看，具有平面化特征的绘画作品往往用几近平涂的手法营造出既非写实又非抽象的格调，从某种程度上说，这种“似与不似之间”的格调似乎更迎合当代的审美需求。

第三，读图习惯的改变。我们身处一个读图时代，网络信息技术的发展，使得我们接受信息（图像）的速度越来越快，这是超越以往任何一个时代的，我们的阅读习惯也因此发生了变化，因为图像所具有的视觉冲击力比文字的表达更为直观生动。什么样的图像图式可以适应高速的读图时代？贲志明认为：传统艺术具有持久的价值和永恒的魅力，是在时间、空间上的一种独一无二的存在，这是永远蕴含着“原作”的生命，对复制品、批量生产品往往保持着一种权威性、神圣性、不可复制性，从而具有了崇拜价值、收藏价值。①王杰：《艺术与审美的当代影志》，人民文学出版社，2012年。如此看来传统艺术呈现出的图式是独一无二的、不可复制的，虽具有永恒的魅力与永远的价值，但它无法复制与批量生产，从这个角度看，传统绘图不适应当代人的读图习惯。

2.符号化倾向。美国著名美学家苏珊朗格将符号定义为：“符号即我们能够用以进行抽象的某种方法。”②苏珊朗格：《情感与形式》，中国社会科学出版，1986年。符号是我们在艺术创作过程中从现实物象中经过思考提炼出来的，在此过程中它被抽象化并被赋予情感，即符号是抽象的，不可用语言及文字表达的，它表现的是人的情感。

中国经历了对西方绘画的移植与模仿后便开始背离，寻找更适合自己的突破口，在这样的背景下，绘画图式中的符号化倾向开始出现。20世纪70年代“文化大革命”结束后，这是一个经历了剧烈社会变革的时期，技法上开始逐步摆脱传统写实主义，反叛现实主义、叙述性表现手法占据主流，这种结合本土文化的符号化图式摆脱了对西方传统绘画的跟随，开始崭露头角。20世纪80年代画家的符号倾向于表现思想禁锢的解脱。而到了20世纪90年代以后，绘画中的符号已经由对社会的关注转移到了对个体与现实关系的关注上。符号化图式因其具有独特鲜明的特性受到许多艺术家的青睐，出现的代表人物与之所代表的符号有方力钧的光头形象符号、王广义的政治波普符号、张晓刚的家庭黑白照片符号、王庆松的艳俗艺术符号等。

中国当代的符号化图式已经形成自己独特的体系，并得到国内外艺术界的认可，甚至可以说它作为一种代表中国油画的“符号”，让中国当代油画被世界认识。

（三）个性图式与情感表达

法国著名雕塑家罗丹说过：“艺术即情感。”情感贯穿于艺术创作过程的始终，每一幅优秀的绘画作品都寄托着创作者的个人情感。油画作品的动人之处是作品被受众认同，并且作品中传达出的情感与观者产生共鸣，情感被很多艺术家认为是艺术创作的灵魂。情感是个人的、抽象的，我们如何用油画这种物质媒介去表达情感；笔者认为在油画创作中图式就是可以将情感转化表达出来的一种方式。也就是说，艺术家在创作过程中，内心情感的表达需要调动起我们自身的形象思维，借用图式将情感表现出来。如果说情感是绘画的灵魂，那么图式则是承载着灵魂的躯体。

抽象的情感与具体的物象不同，不是单凭几种油画技法或扎实的造型功力才可以表现与传达。人类的情感是多样且多变的，杰出的艺术家往往具有比常人更为丰富和细腻的情感。情感的这些特质都要求在油画创作过程中表达情感的方式不应该一成不变的，而应该是个性化、无界限的。根据贡布里希的观点我们可得知，图式不是固定不变的，不同艺术家会因为生存环境、所受教育、经历、性别等因素的不同而有所区别，就艺术家个体而言，作品中的图式也会随着时间、阅历、价值观等因素的改变而变化。图式的多样性与个性正好符合艺术家进行绘画创作时情感表达的需要。反过来说，艺术家丰富的个人情感源于他们生活中积累下来的各种不同的先验知识。不同的生活经历与先验积累都使得个性图式出现，最终这些个性图式成为艺术家在绘画创作中准确表达个人情感的艺术方式。个性图式只是表达与承载情感的载体，个性图式的呈现对情感的表达不具有专一性和特指性。综上所述，个性图式与情感表达是密不可分、相生相伴的，产生也没有先后顺序。个性图式是艺术家创作情感的外在表现，情感则是绘画作品的灵魂与创作动力。

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陈晔，福建水利电力职业技术学院。