浅谈西欧声乐技术的发展历史

◆徐 明

(山东艺术学院)

一、古典唱法

我们经常说到“美唱”这一个声乐名词，那么美唱到底是什么呢?美唱的内容有三点:(1)歌声的纯和美;(2)控制呼吸的技巧;(3)有表情的道白。这个时代的声乐教师都是作曲家，他们按照不同学生的要求写出不同的练声曲，因为要达到歌声的纯和美，必需重视基本练习。当时作品的装饰是多而复杂的，对于演唱灵话的技巧与呼吸的控制有高度的要求。诗词在独唱中要求被理解，因此带来了严格要求吐字的清晰。教学过程中先独立进行每个母音的发展，然后连合子音，然后再进一步去掌握歌词的表情。渐强渐弱(Messa di voce)的练习是占很重要的位置。教学开始时，慢的练习被认为基本练习。音量的大小是次要的问题，主要的是音乐的美丽。训练的目的，是如何让歌喉发出像笛子一样的声音。

二、现代唱法和现代声乐教学家

谈到现代的唱法，我想先介绍几个现代的两欧声乐家，对他们用的方法特点作一个简要说明，然后再对西欧声乐方法作一个全面介绍。现在先说声乐家:

F.朗拜尔提(F.Lamperti 1813 1892)，承继了前面提过的法里奈里的古典学派，又接受了名师克利森提尼(Cres Centini)等的传统的音乐思想。他是当时很有名的声乐教师。他是第一个使用腹部肌肉来控制呼吸的。这样的方法所达到的效果是非常纯清的声音。他写过很多的练声曲与一本歌唱艺术的论文《Treatise on the Art of Singing》。

G·B.朗拜尔提是他的儿子。他的学生是很多的，其中不少都是欧洲最有成就的演唱家。1879年，他离开意大利到德国去教学，给德国声乐带来了新的力量。

让我在这里介招一些关于他们父子的教学经验。

意大利人对唱歌有一句老话，它说:“歌唱的艺术就是研究呼吸。”欧洲声乐家在这一点上都是共同注重的。朗拜尔提说，歌唱的技巧是非常精细的，需要多种多样肌肉动作的合作。我们必需很自然地应用它，而用最简单的方法去理解他。

朗拜尔提说用身体的任何一部分去呼吸都有缺点的，所以他主张应带腹部，横隔膜与两肋三者互相协助的呼吸。他会将人的声音与小提琴相比，说声音的颤动像一根弦，呼吸是弓，呼吸的力量在于弓，肌肉是运用弓的，腹部是头脑，横隔膜是手指。歌唱的时候，头、颈，上身造成有伸缩性的鼓。从头到腰要感到空洞，其余身体的部分要站得稳。从腰以上的肌肉都要与共鸣合作。从腰以下的肌肉控制发动，停止与颤动的强度;骨盆是中心与控制的据点。如果呼吸不够压缩，颤动不够集中，我们就不能感到由声音的聚集所引起的头部骨头的共鸣。这就是说，不能控制呼吸就不能运用头部的共鸣。有共鸣的头都使你有一种空洞的感觉，这是对的。所以我们唱的时候全身的感觉是头部的空洞，喉部的饱满，胸部的阔挺，腰部的紧缩。朗拜尔提说，耳的神经控制音高与音色，感觉的神经控制共鸣的颤动，全身的神经控制呼吸的力量。这三种不同的敏感要分别地锻炼和发展，可是最后它们的结合是歌唱的秘密，因为不感觉到震荡就不会利用共鸣，不感到共鸣的灵活与弹性，就不会使用声音的色彩。

德国名歌唱家利里·雷曼(Lilli Lehmnn 1848)的母亲都是很有名的歌唱教师。由于她幼年所受到的音乐教育使她成为声乐史上歌唱范围最广泛的演唱家之一。她能以纯美、抒情的声营来表达巴赫，莫扎特的作品，保持18世纪音乐的风格。她亦善于演出威尔第、瓦格那的作品，充分地表达出戏剧性作品的特点;她也同样能精致地处理德国艺术歌曲。除此以外，她亦是在声乐史上一位重要的教师。她的著作《歌唱方法》，介招了她积年的经验，给后代声乐界的影响是很大的。

雷曼的特点是她很认真地去分析歌唱与生理的关系。她认为，歌唱者应该理解歌唱时所用器官的动作，不但理解，还要感觉到它们的特征。她要求学生把各有关发声的器官都画下来，深刻地记在脑中。在她的著作中，她很仔细地把各不同母音的位置同它们的共鸣都用画来解说。

她特别注重头腔共鸣。她说，没有头腔共鸣的声音，就没有光彩，也不能把歌声送给听众，没有头腔的颤音，声音是老的。声音的鲜明是在声音的泛音，注重头腔共鸣就是保持声音鲜明的秘密。要练习头音，一方面，放松咽喉弓;一方面，尽量提高软口盖，尽量地提高，好似提到头里似的。同时在头顶上想“嗳”的声音，这样舌根同歌喉的地位都很高。其余的器官都是有弹性的，而不要有紧张的感觉。

雷曼是一个好学而勤劳的人，她对于练习是非常重视的，她要求学生每天早上有规律地练习发声。要仔细地，耐心地唱到每个音域，这个她称为歌喉的运动。歌喉的运动是不会使嗓子疲倦的，而且越练得多，嗓子才会越明亮。

英国在音乐历史上，作了突出供献的是音乐历史家和音乐理论家。在声乐这方面，伍德(Henry J.wood)从理论上面分析而为声乐写的声乐教学法是应该注意的。他是当时英国有名的指挥家，作曲家、大凰琴家同声乐家。他在1927年完成的著作是一部四本的歌唱艺术(The gentIe art of singing)，其中有1470个发声练习。他说，唱花腔没有表情是莫大的罪恶，歌唱家不能在花腔上应用表情是因为技术不完整的原因，花腔中是应该有不同的色彩，不同的表情的。

格尔西亚(Manuel Garcia，1775－1832)，是西班牙的音乐家。格尔西亚是第一个声乐家从科学的立场来研究发声器官与应用的。他发明了一个小镜子，这个小镜子可以放在嘴里，利用阳光的反映，可以看见喉咙的活动，这叫喉仪(Lary nogoscope)。此后，就有很多语音学家、生理学家们同声乐家们一起工作，想出了许多科学的描写声乐发声过程和歌声的方法，像西肖尔(Sea－shore)，D.斯坦雷(D.stanley)等人的研究，就是这方面的。通过他们的努力，使得我们在讨论声乐问题的时候有更切实可靠的依据，使得我们的研究能够更科学地进行。这是一个重要的供献，但是声乐的科学问题是很复杂的，现在所谓声乐科学研究只是一个开端，我们还不能够完全靠它来解决声乐里面的问题。

三、学派问题

一提欧洲歌唱方法，我们声乐工作者就联想到美唱。虽然我们现在对于呼吸，对于表情都有更高的要求，但是从声音的圆满，声音的柔软，以及提高我们唱连音的技术，我们都可以从美唱学习不少东西。要以美唱为一个学派的话，就没有其他学派可以同它并列。事实上，西欧一切声乐技术的基础，都是由此而出发的。各国吸收了美唱的技术以后，结合自己国家的语言，自己民族的风格，各国都分别树立了自己的派别。意大利歌唱家声音高阔嘹亮，是因为他们的语言中有明朗的母音。法国语言鼻音较重，所以法国的歌唱家特别注重鼻腔的共鸣。德国语言齿音、喉音多，所以一般人说话喉音很重。歌唱家们应用过分的口腔共鸣，这是一个缺点。所以，近代的德国声乐家们尽量应用子音的帮助，把声音送到口唇来，他们在教学中对于舌头、嘴唇的训练是看得非常重要的。

我以为，各国不同的文学背景，各国的民族风格等，都造成了不同的美的观点。我们声乐工作者最高的理想还是大同小异的。悦耳的声音，自然的呼吸，包括深厚的艺术修养，这样的歌唱家必然会被各国的人民所喜爱。艺术家应该是永远继续前进的，永远要互相交流，互相补充，而产生更完整的、更新的东西。