浅谈油画作品中“美”的表达

张淑亚 （山东艺术学院美术学院 山东济南 250000）

水，分别倒进方、圆、三角等不同的玻璃容器里，水会立即顺应容器的形状，这时同样的水就会产生不同的存在形式，方、圆、亦或三角，给我们的感官上的刺激也肯定不会相同。“方”会使人们感觉到“刚强” “标准”的美感，“圆”可能感觉到“柔和”“温润”的美感，“角”或许感觉得到“尖锐”“刺激”的美感。如果把它们有秩序的组合在一起，想象在光的照射下，玻璃和水即形成了一种反射和折射的交响曲。它们的本身是美的，我把它理解为本质美；但是观者的阅历又促使着另一种美的形成，这就是观念美。

一、画面中的“观念美”的表达

“世界也可以是这样的。”每个人观念中的世界都是不同的，描绘出来必然也会大不相同。

夏加尔的画看似抽象，其实描绘的是人类内心的精神层次的美，作品使人联想到生活本身的持续性，它不仅拓展了人的想象力和对精神世界的认知，还增添了一份梦一样的幽默 。“我不喜欢‘幻想’和‘象征主义’这类话，在我内心的世界，一切都是现实的、恐怕比我们目睹的世界更加现实。”夏加尔告诉我们，他的艺术虽看起来奇怪，却是发自内心的情绪和感触，不是凭空乱画的，是艺术上的真实。他也有一幅描绘生日的画作，1915 年生日那一天，他的爱人贝拉手捧着生日蛋糕和鲜花，轻轻走进他的画室，画家被突如其来的惊喜感动得大跳起来，回头搂住爱人亲吻——这就是《生日》的内容和缘起。在这幅画中，夏加尔抛弃了形体分解而采用色面分割的手法，以人物黑色礼服、黑裤子与红色的地毯、桌子台布等相配造成一种热情而温暖的爱的气氛。他称自己的艺术是“心理的写实”，他描绘的不是物体的外观形象，而是心理感受的真实世界。

观念美的产生，其实是一种精神的交流，同为内心的真实，不同于夏加尔的浪漫和梦幻，马琳•杜马斯的画则更偏向于对现实世界的反射。她是我比较喜欢的一位女画家，我喜欢她的原因是因为她的画自然而坦率，她描绘的语境并不是固定法则上的美感，而是用她自己特有的形式去表达真实的姿态，她对自己的画作是这样解释的：“艺术不只制造出美丽，我制造粗陋，或者我不懂美丽的含义。”稀薄而稳重的颜色、粗犷又狂野的形态、自由但严谨的线条、看似随意的涂抹，这些都无拘无束的表现着人的本质。就拿最为人知的《变色病》系列来谈，它是由24个脸上充满着矛盾的复杂的表情与情绪的头像组成，人物的眼睛里透出的是空洞、无助和绝望，所有紧闭的嘴唇里显得紧张、忧虑同时又有一股坚强与不屈的神情。从某种意义上讲这些人就是一个整体，目的在于“呈现”，呈现人们心中的“心理表情”，仔细去看这些直视而来的眼睛，可以感受到他们都是一种怎样的忧郁和不安，甚至有一些神经质似的病态。在《年轻的男孩》中， 马琳•杜马斯描绘了一群赤裸着身体的男孩，在光秃秃的背景下，他们惶恐地、手足无措地站立着，仿佛无处藏身的鬼影。画面上的色彩斑驳迷离、渐远渐淡，如同正在洗印中的照片。这些都是以她自己的亲身体验为出发点，通过刺激而诚实的情绪的写照，表达了她自己的态度。她所表达的美不在于表象的感官愉悦，寥寥数笔，极少修饰，画面带来的却是无限的张力，不仅是视觉，更多为精神上。

二、画面中的“本质美”的表达

一个想法的成熟，必然要靠画面来呈现，如果说精神是作品的血脉，那么画面就是作品的肌肤，这画面本身构成的美感就是我要说的“本质美”。诸如线条、色彩、形状、构图、以及呈现的形态等等这些形式因素都属于本质美的范畴，它们共同执掌着作品的节奏。

其中，构图又是作品最关键的根基，运用得当便可以巧妙地抓住人的心理，从而更简单、准确的表达画面的主题。比如，《最后的晚餐》的构图可说是达芬奇精心设计的， 尽管构图是超长横向的，但消失点仍有一个，并消失在画面中心的主题人物身上；坐在正中央的耶稣摊开双手，把头侧向一边，作无可奈何的淡漠表情，加强了两边四组任务的变化节奏感，使场面显得更富有戏剧效果。画家通过各种手法，生动地刻画了基督的沉静、安详，以及十二门徒各自不同的姿态、表情，这十二个人，由于各自的年龄、性格和身份不同，他们的惊讶与疑虑表情都得到各自贴切的表现。古代所谓“多样统一”的美学原则，在达•芬奇的这幅画上得到了空前有效的体现。而伦勃朗的许多作品，则更是将人物最传神的部位有意安排在画面的最佳视点上，并有意使其他部位置于人为的暗影之中，以求画面在简洁有序，黑白平衡的关系中引导主题的突出。文艺复兴时期的大师们多喜欢通过静态稳定比如三角形或金字塔形的结构方式来获取平衡，而巴洛克大师鲁本斯又常常在人物之间一连串的动态取向或螺旋式或形的结构中寻找运动中的平衡支点.

跟构图相辅相成的另一个关键因素就是色彩，它能给人带来更为直接的感受。德尼曾如此说：“记住，一幅画，在成为一匹战马，一个裸女或者一件奇谈之前，主要是一个布满着按一定秩序组合的颜色平面。”他创作了一幅名为《坟墓边的圣女》的作品，这幅画描绘了宗教仪式中的圣女。其中左边两位圣女分别高举右手和左手，右边几位圣女则在默默的祷告，背景是夕阳下的墓地远景。装饰性的画法使之更具形式意味，画面上由对比强烈的近乎平涂的色块组成各种形象，单纯中有一些变化，冷暖对比，黑白对比，使画面肃穆、冷静，洋溢着宗教气息。

无论是构图、色彩还是其他多种因素，略施章法的组织，才能更主动地掌握画面，但若想同时掌握自己的心理，画中人的心理和看画人的心理并不容易。

三、观者的阅历赋予画面新的观念美

我们每个人的心理和生活状态不一样，即便看同一幅画时也会有不同的观念产生，这时新的观念美也就在不断地形成，画面的生命意义也在不断地丰富。

往往，作品给人以不尽的思考要比仅仅给人以视觉刺激更有意义。当我们面对莫兰迪那些反复排列、形状单纯的瓶瓶罐罐，心理的感受肯定各有不同，有人看到真诚、有人看到和谐、有人看到禅意……我看莫兰迪的画时，会不由地安静下来，看似随意搁摆的一切不张不扬，静静地释放着最朴实的震撼力。这些都是画面与心理的交流，也许画家意不在此，却在此可以产生无数的新的观念美。

四、表达的真诚

人们问及莫兰迪的创作情况时，他说：“那种由看得见的世界，也就是形体的世界所唤起的感觉和图像，是很难，甚至根本无法用定义和词汇来描述。事实上，它与日常生活中所感受的完全不一样，因为那个视觉所及的世界是由形体、颜色、空间和光线所决定的……我相信，没有任何东西比我们所看到的世界更抽象，更真实。”在1998年杜马斯接受采访时对记者也这样说道：“每个人都有自己的脸，自己的肤色，我所关注的就是我看到的”。从这两句话中，很明显可以理解到艺术家不是要还原世界，而是通过事物来创作自己心灵的世界。 通过画面，使我们明白，作品创作的题材可以不重要，更重要的是作品是否给人有想法，美的表达是否真诚。

语言即思，睁眼即获闭眼则失的图像是不可靠的休闲品，空谈无理，真实的语言，最动听。