古典音乐表演姿态探析

音乐是人通过振动发声体（声带或者乐器）形成的一种有组织、有规律的声波，即人类通过歌唱或者演奏乐器产生的有逻辑的声响，区别于大自然形成的乐音，以及运用科技通过脑电波控制电信号产生的声音等形式。由于人振动发声体的姿态、轻重缓急不同，发声体的介质也不同，进而形成了音乐的独特性和多变性。基于此，本文针对古典音乐表演的姿态进行研究，把古典音乐表演所具有的视觉感受与听觉感受相联系，探索音乐表演姿态对音响变化的影响，以期为相关研究者提供一定的理论参考。

一、古典音乐表演姿态概述

音乐表演是将音乐的听觉属性与舞台视觉属性相结合，立体化到视听层面形成一种兼具音画的舞台艺术。音乐表演作为一种舞台艺术，可视化的表演姿态也成为音乐研究人员越来越感兴趣的研究对象。在音乐活动中，表演者在表演时（甚至表演前后）的动作就是表演者的表演姿态，姿态的变化会影响声音的变化。由于音乐表演形式丰富多样，表演者会根据不同的表演时间、表演内容、表演形式、表演环境、表演心态等因素，有意识或无意识地展现出不同的表演姿态，以帮助产生更好的声音效果，为观众呈现更好的音乐表演效果。表演姿态不仅是身体状态的表现，还一定程度上影响着表演者的心理状态。良好的姿态能够增强表演者的自信心，进而影响演出时的情绪和音乐的表现力。在多人表演的情况下，表演姿态还作为一种沟通方式，既能展现表演者的音乐风格，也便于表演者之间的交流和配合，为观众带来视觉上美的享受。古典音乐表演姿态是指在表演过程中表演者有意或无意使用的各种面部表情、手势和位置移动等，这些动作的表现起到展现个人技巧、表达作品意图以及与他人沟通和协调的作用，具体包括以下方面。

（一）身体姿态

1.站姿、坐姿

古典音乐表演中，表演者的身体直接面向观众，很大程度上影响着观众的观感。良好的站姿和坐姿有利于表演者控制声音，产生更美妙的音色，同时也传达出表演者的自信和演出准备充分的信号，使表演者更容易带给观众不错的第一印象。良好的姿态需要表演者身体重心稳定与平衡，腰背和脊柱自然挺直，避免过度弯曲或紧绷，保持舒适感；腹部核心肌肉提供相应的支撑，帮助控制肢体动作的流畅性；肩部微微打开，双臂自然下垂，有助于放松手臂和手腕，避免肩部内扣；腿与脚放松，自然着地，避免僵直，重心分布均匀，确保其支撑性和灵活性。身体的适当放松和姿势的协调统一能够有效缓解演出时的紧张情绪，帮助表演者更好地投入古典音乐表演中。

2.面部表情

面部表情是传达情感和增强音乐表现力的重要元素。表演者常用面部表情传达与音乐相关的情感，比如喜悦、紧张或忧郁等。因此，大部分情况下，面部表情应与所表现的音乐情感相符。在某些特定情况下，适当夸张的面部表情可以增强音乐的表现力，使古典音乐表演更具戏剧性，也能让观众更好地理解音乐中的情感冲突。

眼神作为一种非语言的交流方式，往往通过微妙的变化传达信息。比如，欢乐与痛苦的眼神交替将表演者的内心世界传递给观众。眼神所具有的交流性，对于保持乐团成员之间的默契同样至关重要，有助于彼此会意，帮助更精准、更微妙地展现作品的变化。

3.手臂动作

器乐演奏中，手和臂主要负责演奏和固定乐器，需要两者紧密配合与协调，以确保音乐能够顺畅无阻地演奏出来。除了演奏乐器之外，手臂动作还可以用来提示演唱中音乐的动态变化。柯达伊教学法强调无伴奏的歌唱，不同的手势代表不同的音高，通过手部动作的细微变化来提示音的变化。在古典音乐表演中，指挥通过手势或手臂向演奏家展示乐句或节拍的模式，使各乐器协调配合；指挥棒作为指挥重要的演出工具，可理解为手臂的延伸，指挥棒的幅度和力度暗示着音乐的处理方式或音乐的发展方向，既是指挥对个人音乐理念的表达，也是其与演奏家沟通的重要手段。

（二）呼吸姿态

音乐内在的韵律与表演者的呼吸息息相关，自然且规律的呼吸是确保音乐平稳进行的关键。优秀的音乐作品往往能够精准捕捉听众的心理节奏，这既源于作品本身所蕴含的节奏、节拍、韵律，也离不开表演者通过乐句处理、气口安排以及呼吸控制来引导观众产生共鸣。随着音乐情绪的变化，表演者会灵活调整呼吸，从而改变作品内在的节奏，打破原本稳定自然的节拍和音乐结构，从而推动音乐的发展。例如，在诸多室内乐表演场合中，表演者常常采用集体呼吸的方式一同呼吸，以提示乐句即将开始或转折，从而呈现视听效果更佳的音乐表演。

（三）空间位置变化

从走上舞台的那一刻起，直至下台，表演者都应具备一定的空间意识。随着空间的移动和位置的变换，表演者会依据这些变化来调整自己的视线，以便与其他表演者保持眼神和肢体交流；同时，这样的调整也有助于改善声学效果，使他们能够更好地聆听场内的声音反馈，找到更佳的声场和声部平衡，从而增强对音乐的控制力。此外，空间位置的变化还能巧妙地引导观众的视线，加强表演者与观众的互动，帮助传达音乐的情感起伏，为表演增添情感深度。

总之，古典音乐表演中，表演姿态既是音乐情感表达的载体，也是沟通协调的方式，是音乐表演的重要因素。良好的姿态与空间位置变化对提升音乐表现力、促进表演者之间的沟通以及加强表演者与观众之间的联系至关重要。

二、古典音乐表演姿态探析

古典音乐中，表演形式丰富多样，从人数和形式上可以分为独奏（独唱）、重奏（重唱）、合奏（合唱）。笔者作为一名合作钢琴演奏者，有幸与众多歌唱家和器乐演奏家合作，以下将针对不同表演形式对表演姿态的要求进行论述。

（一）独唱、独奏的表演姿态

独唱与独奏的姿态主要聚焦于个人在表演时的形态展现，这既涵盖了整首作品或整场演出的单人表演，也包括了重奏（唱）或乐队演奏中单独出现的无伴奏部分。对于演唱者而言，其姿态的变化相较于演奏家更为丰富多样，特别是在那些蕴含故事情节的表演中，演唱者的身体、手臂、头部乃至脚部都处于一种自由的状态。在独唱中，演唱者应保持良好的站姿，减轻身体各部分所承受的压力，确保重心稳定，减少不必要的能量损耗。同时，所有的动作与表现都应与声音和气息的控制紧密配合。一旦姿势妨碍了气息的流动，歌唱的声音就会受到影响，除非该姿态是为了产生特定声音效果而设计的，否则它就不符合科学的演唱方法。美声唱法尤为注重双脚的稳定、身姿的挺拔、气息的深沉以及目光的前视，以确保气息的顺畅流通。此外，鉴于声乐演唱将身体作为乐器来使用，演唱者对发声器官的了解显得尤为重要，有助于提升发声的质量。

因乐器的不同，独奏表演者的演奏姿态也呈现出多样性。以钢琴独奏为例，演奏者既是舞台上的指挥，又是表演者，所有的音乐处理都应专注于自我情感的表达，无需通过眼神与其他表演者交流，也不必去聆听他人的乐句呼吸和音乐表情的处理。为了增强音乐的情感表达能力，演奏者可以抬高手臂为下一乐句的演奏做准备，同时，通过手在空中的自由停留时间，紧紧把握观众的心理节奏，将观众对音乐的期待与演奏者的动作变化巧妙地融合起来。而在小提琴独奏时，演奏者应全神贯注于作品的诠释与表达，根据情绪变化的需要灵活转动身体和调整持琴的角度。演奏过程中，琴体的共鸣孔朝向相对自由，可以随着音乐的律动而转动或移动位置，这样的位置变化不仅能带来不同的声场和音色效果，同时也是与坐在各处的观众进行交流的一种方式，这正是舞台音乐表演的独特魅力所在。

（二）重唱、重奏的表演姿态

重唱、重奏是人声与乐器、人声与人声、乐器与乐器的合作，涉及多人配合，英语统称为chamber music，也可翻译成室内乐。我们所熟知的小提琴奏鸣曲、长笛奏鸣曲等作品同样可以被归类到重奏表演的范畴中。

以重唱为例，演唱者之间应保持适当的距离，以避免干扰彼此发声，同时他们的肢体应相互微倾，以展现出姿态上的互动性。演唱者还可以借助音乐的律动或节奏的重拍同步摆动身体，从而增强表演的整体统一性。在重唱中，表情管理同样至关重要。演唱者通过面部表情精准地呈现特定的情感，在恰当的时机进行对视，能够极大地增强表演的情感张力和故事感。在温情的作品中，演唱者可以通过表情展现出相互的信赖和理解；在活泼的曲目中，他们则可以通过互动来传达欢乐的气氛。此外，演唱者与伴奏之间也应保持紧密的联系。当听到伴奏的音色、织体等发生变化时，演唱者应根据音乐的情感发展选择引吭高歌或轻声低吟，而伴奏者也要依据演唱者的肢体语言和声音变化来判断音量、音色等的发展方向，或是紧随其后，或是为其铺垫。

重奏方面，以弦乐四重奏为例，演奏者座位半弧形的摆放方式便于重奏表演时演奏者的姿态变化。在重奏表演中，第一小提琴一般也作为重奏乐团的领导者或指挥，拉琴的姿势除了包含个人表演的动作外，还有对团队成员节奏和气口的示意。其他演奏者在表演好个人乐谱的同时，也要仔细聆听其他声部的旋律，在视觉上关注领奏或其他成员的动作示意，从肢体和奏法上与各成员演奏形成呼应。正如独奏中呼吸对演奏至关重要一样，重奏中演奏者之间呼吸节奏的统一也会使音乐更具整体感，让演奏效果更加和谐。

（三）合唱、合奏的表演姿态

合唱、合奏表演与独唱、独奏和重唱、重奏表演的最大区别在于有指挥。指挥作为整个乐团的领导者，会把自身对音乐的诠释展示给演奏者，再由演奏者依据指挥呈现给观众。因此，在合唱和合奏中，表演者更多地与指挥进行交流，而非直接与观众交流，这体现在他们的座位（站位）位置、面对方向、注意力以及互动动作上。在合唱表演时，表演者的站姿应与独唱表演者站姿略有不同，表演者在向彼此靠拢以及跟指挥互动的同时，身体会不由自主地慢慢倾斜，以增强个人演唱效果，使自身情感与其他表演者协调统一。

在乐团表演中，演奏者应时刻关注指挥的手势，结合自身的经验，通过肢体动作和音乐表现与指挥形成呼应。当乐团达到一定规模时，如交响乐团其座椅通常应按照半圆形摆放。这种布局既有助于声音集中聚拢，为观众呈现更好的音响效果，也便于演奏者更好地观察指挥的姿态，加强演奏者之间以及各声部之间的交流。在乐团演奏过程中，各声部首席扮演着领导角色，他们不仅要积极配合指挥，还要引领本声部的表演。因此，从观众视角看，首席在表演动作上往往比其他成员更为夸张。当然，这在一定程度上是因为声部首席在业务能力上更加突出，对音乐的理解和诠释能力更强，与指挥的配合也更加默契。

需要注意的是，歌剧音乐会表演与乐团和指挥在乐池中表演不同，指挥和演奏者在舞台上，而歌剧演唱者的位置则或同于或高于指挥的站位，使演唱者在表演时很难全面捕捉指挥意图。这就要求指挥和乐团以演唱者为核心，演唱者则可以运用独唱的表演姿态。此外，无论哪种表演形式，表演者的相对放松状态既有利于个人表现，也有助于各方配合。相对放松的状态可以使乐手更专注于音乐表演，表演姿态的收放自如则能增强音乐内在的张力，使古典音乐表演更具艺术魅力。

三、结语

通过以上研究可以发现，为了更完美地呈现音乐，表演者会灵活调整表演的姿态。然而，古典音乐表演作为听觉艺术的本质不容忽视，无论采取何种表演姿态，其核心目的始终是为了达到更加卓越的音响效果，在此基础上运用一定的技巧、动作、姿态等，帮助表演者呈现更佳的音响效果，为观众带来一场绝佳的古典音乐表演。

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★基金项目：本文系黑龙江省哲学社会科学研究规划“扶持共建”项目“音乐表演的交往向度研究”（项目编号：21YSE391）的研究成果。

（作者简介：程通，男，博士，中国音乐学院，研究方向：艺术指导）

（责任编辑 刘冬杨）