舞台表演中声乐演员的情感培养策略探究

【摘 要】声乐表演与其他表演有很大区别，与其他舞台表演相比，声乐表演显得太过单一，尽管舞台的表演形式在一定程度上对声乐表演进行了丰富，但是这还远远不够，要想在舞台表演中取得成功，就必须要对演员的情感进行培养，以此为基础，本文主要探讨在舞台表演中，如何对声乐演员的情感进行培养，使其在具有良好演唱能力的同时，还具有出色的舞台表演效果。

【关键词】舞台表演；声乐演员；情感培养

【中图分类号】J616 【文献标识码】A 【文章编号】1007—4198（2023）24—121—03

引言

在物質生活日益丰富的今天，人们对于精神生活的渴求也日益强烈，而音乐正是开启这种渴求的一把钥匙。随着人们对音乐的重视，也随之对声乐表演的观看效果更加重视，人们不仅在听觉层面要对声音感到享受，还要观看表演的时候，寻求精神世界中的共鸣。声乐表演其实是一种将嗓音作为表演的主要内容，在声乐演唱方面，有美声演唱、戏曲演唱、通俗演唱和民族演唱等。声乐演唱既是一门声音艺术，又是一门视觉艺术。声乐演员不仅要具有较高的歌唱水平，还需要具备较好的舞台表现能力，这样才能更好地向观众传达情感，提高声乐表演的魅力价值。因此，在舞台表演中，如何对声乐演员的情感进行培养，已经成为当前人们最为关心的话题。

一、对声乐演员产生影响的主要因素

（一）声乐演员自身的天赋

在选择和培养声乐演员的过程中，往往更注重演员本身的天赋，而忽略了他们在后期的努力。从古至今，人们总是在将天赋与勤奋进行对比，但不得不承认，并不是所有的人都在声乐方面有天赋，也不是所有的人都天生拥有一副好嗓子。而且也要认识到并不是所有会唱歌的人都能成为一名歌手，固然天赋很重要，但是在天赋背后的勤奋和努力同样不能被忽视。并且也不是所有的声乐演员都是天赋的，对于这些大部分没有音乐天赋的人来说，怎样科学地培养他们在声乐表演中的情感表达，从而提高演员的表达能力就显得尤为重要。

（二）声乐教师忽视对演员的情感培养

情感的培养对声乐演员的舞台表现力起着非常重要的作用，在进行声乐教育培养时，许多教师都更重视声乐技巧上的教学，而忽略了情感的培养。在当前的舞台表演中，许多声乐演员都是一板一眼地去唱歌，这就造成舞台表演缺乏吸引力，使观众对这个节目提不起兴趣。尽管歌唱家的歌唱技术已经非常成熟，但如果没有感情的投入，观众则很难产生共鸣。因此，在进行声乐教学的过程中，教师要更加重视对声乐教学中情感的培养，将技巧与情感有机地结合起来，从而达到最佳的舞台表演效果。

二、声乐表演的相关知识

（一）声乐表演的艺术表现特点

声乐艺术是一种通过表演者的嗓音来展现艺术魅力的方法，是音乐表演中最基础的一部分，也是舞台表演中最关键的一部分。声乐艺术表演者可以重现创作者所要表现的情景，而听众可以在舞台情景的构建中理解作品所要表达的意境，从而与表演者产生感情上的共鸣。声乐演唱也是一种最直接的感情表现形式。在声乐艺术的表演过程中，表演者必须要全心全意地投入到音乐中，才能体会到音乐的魅力，并且要以一种身临其境的方式来表演，只有将自己的情绪完全地融入到音乐中，才能与观众产生共鸣。而声乐艺术又是一门语言和音乐的综合艺术。声乐艺术既要有文学语言、旋律语言，又要有演员的身体语言。在演奏中，必须将这三种语言融为一体，使其充分发挥出艺术的魅力。声乐的创作是把艺术的想像和生活的实践性结合在一起的。声乐艺术来自于实践，所以在声乐艺术表演的过程中，要运用表演者的生活经验，去体会声乐艺术。同时，声乐艺术也经过了艺术加工，所以在表演和欣赏的过程中，要充分发挥自己的想象力，用自己的想象力来构建出声乐艺术作品所要表达的空间。

（二）声乐演员的演唱规范

在声乐表演过程中，对声乐演员的歌唱语言有很高的要求，而要达到这种标准，声乐演员就要对声色、音色的语音规则有准确的理解和把握，这样才能对声乐演出起到有利的作用。声乐歌手也要对人体声腔、口腔和舌头的结构关系有一定的认识，如此也便于歌手在试音中，由低到高，达到良好的嗓音标准，并使歌唱语言规范化。其次，歌唱家在歌唱时，也要遵守音质的音律，找到正确的音位，保证嗓音的形态，以达到歌唱语言的标准。

（三）声乐演员的发音基本功训练

要让听众听得清楚，听得懂，演员不仅要说话清楚，而且要有很好的语言表达能力。对演员进行发音的训练，首先要从声音入手，然后再结合基础的“气”“声”和“字”三方面的基础训练。歌手在舞台上的演唱，要求嗓子要有节奏感，而且要铿锵有力，低音要沉稳，也要刚柔并济。做到这一点，就需要注意每一个字的发音，尽量不要出现吃字、倒字等情况。比如“山”就是一个舌音，因此，在发音的时候，一定要小心，不要将其变为牙音，而变为“三”；如果歌手的发音太弱，很容易将“没有”改成“唯有”，如果嗓门太小，很容易将“慢来”改成“闷雷”，还有一些歌手在发音的时候，将“有力”改成了“咬裂”，这都是对原有音位的改变。其实，造成音变最主要的原因就是歌手对每个字的音素处理得不够好，从而使每个音节组成的元素发生了很大的变化。因此，歌手要准确地掌握每个字的头、腹、尾部，确保每个字的音素都规范在一定的比例内。声乐的练习，先要掌握音质，然后才能掌握音量、音高等等。只有做到了正确的发音，才能保证嗓音的正确，才能保证音质的准确性。其次是吐字，不但要有清晰的发音，而且要每个字都掷地有声，在练习的时候要注意不要养成只练高音调而不练低音调的坏习惯。唱腔与曲调必须同步进行，这就需要歌唱者同时加强嘴部肌肉的训练，以免因口部软弱无力而导致呼吸不畅。

三、提升声乐演员舞台情感的策略

（一）注意演员的肢体动作训练

声乐演员的情感修养不仅限于对声音、歌词、曲调、音色等方面，而且在歌唱时，演员的身体语言也是一种表现情感的方法。所以，在日常的训练中，可以适当地对演员的身体动作进行训练，在正式的演出中，人们认为，恰当地运用身体语言，不但可以提升表演者的气势，还可以渲染出一种情绪。但是，这也需要演员对舞台有一定的控制力，将自己最好的状态展现出来。此外，歌手在唱歌的时候，也不要有过多的身体语言，并且表演的时候要自然流畅，同时还能与歌词和情感相结合，随心所欲。例如，做手势这个动作，要在唱歌的过程中有意无意的运用，而不是故意的摇晃，不然就会让观众觉得画蛇添足，达不到渲染情绪的效果。然而，不管是在日常的训练，还是在正式的比赛中，都不能过于依靠身体语言，身体语言只能起到一种渲染情绪的作用，所以演员在演唱的过程中，不能把主次颠倒过来，否则就会得不偿失。

（二）正确把握舞台声乐情感

声乐舞台表演是一种综合性很强的表演，对演员的要求也很高，既要有好的嗓子，又要对演唱的歌词有正确的理解，对歌曲的情感内涵有准确的把握。在歌唱中，如果仅仅注重声乐的技术，而忽略了歌词所表达的情绪，那将会使一首歌失去生命。由此可见，在舞台演出中，对情绪的恰当控制是非常重要的。因此，要想正确地了解和掌握情绪，就必须先了解歌曲。

一首歌由两部分组成，一是曲调，二是歌词，其中的歌词采用了文学创作的方式，并且融入了歌曲所表达的意蕴，使得歌词本身有了一定的思想感情，使作品更具形象化。作曲家在创作时，将自己的情绪与歌词相结合，而歌曲的旋律则是将歌词中的情绪表现出来。可以说，一首歌最关键的就是歌词，如果忽视了歌词所传达出来的意蕴，那么就不可能弹奏出一首优美动人的曲子。对歌手而言，只有对一首歌的歌词有了透彻的了解，才能对一首歌有更深层次的认识。所以，在开始演唱之前，歌手必须要对歌词展开深刻的分析和理解，准确地掌握歌词所要表达的情感因素，并用一遍又一遍地背诵歌词，来确定自己对歌词的判断是否准确，这样才可以使演员的舞台表演效果更好。

（三）把握观众的心理需求

一件艺术品的成功与否，它的美学价值，主要取决于观众对它的判断，所以，在舞台上的表演中，表演者要对观众的心理有一个准确的把握，使自己在舞台上的表现可以引起观众的注意，从而让观众对这一表演做出一个好的评价。台下的观众都想看一场精彩的表演，而演员也都想演出一场精彩夺目的表演。对声乐演员而言，要想让观众在自己的表演中体会到人物的情绪，理解作品的内容，就必须要对观众的心理有一个精确的把握，作品要符合观众的审美需求，用演唱的方式去感动观众，从而得到观众的认同。

（四）提升表演水平，增强舞台想象力

首先，要加强基本功的培养，提高演奏的水准。一方面，在对基本功进行训练的过程中，老师们应该将自身的引导价值发挥到最大，采取将实践及理论相结合的方法，通过对演员进行言传身教，从而提高声乐演员的综合技能水平和基本功训练水平。

其次，要加强声乐演员舞蹈动作的标准化，为声乐演员的基础训练打下坚实的基础。无论是古典舞、现代舞还是民间舞，只有构建起一套科学、规范的基本功训练体系，才能让声乐演员在舞台演唱时所结合音乐作品的舞蹈动作变得更规范，从而避免出现动作畸形和受伤的情况。为此，必须有一套专门的舞蹈教学资料，以便给学员们提供一套科学的教学方法；要遵循循序渐进的难度指标，逐渐提高训练的难度，通过规范基本动作的练习，降低练习中可能发生的危险，进而提高舞蹈练习的总体效果。最终，想象力在舞台演出中有明显的体现，从前期对人物的设计创造，到中期对人物情绪的调节，从动作节奏的安排，到身体语言的使用，到后期的舞台效果和音乐的安排，都离不开人的想象。没有了想象力，就不可能将音乐与舞蹈有效结合起来。由于受到了空间和时间等方面的限制，舞台表演不可能还原出人物所处的时代背景，所以，只有通过编导和舞者的想象力，才能对音乐作品展开二次创作，才能深入地刻画出音乐作品与舞蹈的精神内涵，在表演的过程中，激发出观众的想象力，达到艺术上的共鸣。

（五）在舞台表演过程中融入自身的独特性格

在舞台艺术演出中，可以把自己的性格融入其中，使演唱更加流畅自然。在进行情感培育的时候，声乐演员要将自己所处的时代背景和创作者的生活背景进行替换，在对作品进行解构的时候，要充分地了解创作者所处的那个时代和当时社会人们的精神世界。与此同时，歌唱者也要将自己的性格融入到作品的演奏之中。声乐演员拥有着不一样的声音特点，他们在表演作品的时候，或许会在音调上与作品的走向相一致，但在音质方面，却不能将作曲的本来面貌还原出来。此外，不同的民族、不同的地区，在表演同一首作曲时，会有不一样的表现效果，一场演出只有将表演者的情绪反映出来，注入了演员的情绪特点，才会有活力。所以，在声乐演员的表演过程中，需要将自己的人格和时代的精神风貌融合到一起，这样才能对作品的情感进行丰富。

（六）注重对声乐作品的分析理解

音乐作品是一种艺术表达形式。声乐演员和创作者，根据彼此的生活经历和思考角度，他们对音乐作品的理解可能会有不同之处。如果声乐演员仅仅站在自己的角度上，对声乐表演进行思考，那么他们与声乐作品真正要达到的境界之间就会有不同之处。另外，有些歌手还需要演唱一些外国的歌曲，由于文化的差异，使得歌手们更无法站在创作的角度去演唱。在某些声乐表演过程中，声乐演员只是简单地将歌词唱出来，从而导致作品失去了艺术魅力，使得整部作品变得平淡无味。如果想要让作品的情感变得更加丰富，就需要声乐演员在前期的演唱练习过程中，对声乐作品的理解进行强化。对舞台声乐作品的创作环境背景，语言上的表达方式、所传达的情感及其变化进行了解后，对音乐作品进行全方位的分析，并在每个环节中把握好音乐作品的情绪，以此来再现音乐作品的真实情感。

四、结语

总的来说，声乐演员的情感表现在舞台表演中是非常重要的，老师在对声乐演员进行培训的时候，不能只注重技巧的熟练程度，还要从发声训练、音色训练等方面，对声乐演员展开情感的培养。提高自己的舞台表现能力，与观众的精神世界产生共鸣，从而达到在舞台上取得成功的目的。本文通过对声乐演员在提升舞台情感方面的问题上所提出的几点建议，以期助力声乐演员在音乐道路上走得更远。

参考文献：

[1]华毛吉.舞台表演中如何培养声乐演员的情感[J].人文之友，2020（23）.

[2]胡玉兰.舞台表演中聲乐演员的情感培养策略探析[J].喜剧世界（下半月），2022（11）.

[3]杜宜轩.浅谈舞蹈演员舞台表演能力的培养[J].戏剧之家，2022（28）.

[4]祁瑞云.舞台表演中声乐演员的情感培养研究[J].艺术评鉴，2017（15）.

作者简介：李俊财（1985—），男，甘肃天祝人，本科，国家三级演员，研究方向为声乐表演。