听觉在钢琴演奏中的重要性及训练策略

杨慧超

[摘 要]音乐是倾听的艺术，听觉在欣赏和学习音乐的过程中发挥了相当重要的作用，所以如果能够有效锻炼学习对象的听觉，提高学习者从倾听中感悟音乐的能力，就能够实现音乐教学事半功倍的效果。为此，将以钢琴演奏作为研究对象，探讨和剖析在钢琴演奏中听觉所发挥出的重要作用，并提出可以有效锻炼学习者听觉的策略，为学习者更好地学习音乐知识，掌握钢琴演奏技巧提供有力的帮助和支持。

[关键词]听觉;钢琴演奏;锻炼方法

[中图分类号]J624 [文献标识码]A [文章编号]1007-2233（2022）05-0145-03

钢琴的音色非常丰富，可以将ppp到fff的力度变化用多层次、大幅度的旋律方式充分表达出来，钢琴最高到最低的音区囊括了交响乐的全部音域，所以钢琴演奏者要拥有良好的听觉驾驭能力，不断提高自己的音乐听觉能力水平，才能够做到对音乐的良好鉴别、控制以及协调，并表演出优美的曲目。

一、钢琴演奏中听觉培养的重要性分析

钢琴音乐作品所要表达的东西无法像绘画、文学等其他艺术形式那样使人们看到实实在在的事物，它是借助声音这种较为抽象的方式进行表达，这需要人们通过自己的听觉能力来加以感受[1]。对于钢琴表演者而言，用什么样的弹奏技巧才可以使得自己所演奏的音乐作品中蕴含的情感更好地表达出来，是整个表演过程的关键。在练习钢琴的过程中，钢琴表演者需要时刻将自己的耳朵运用起来，对自己的演奏过程予以监督，使自己的钢琴演奏技术与所演奏出来的声音能够实现完美的融合，进而将所演奏的音乐作品的内涵淋漓尽致地展现到聆听者的精神世界中。

作为一项较为复杂的艺术演奏活动，钢琴演奏在进行舞台表演之前是需要进行精心准备的，音乐作品能否成功演奏，直接取决于鋼琴演奏者是否能够对音乐节奏旋律、技术难点、风格等方面内容有一个准确的把握。钢琴演奏者要想将钢琴音乐作品弹奏得更加生动，演绎得更富有感染力，就必须对所要演奏的音乐作品的风格予以准确的把握。钢琴演奏者唯有凭借自身较强的音乐听觉能力，才可以实现对不同音乐作品的不同风格的成功区分，以及对不同风格的成功把控。钢琴音乐作品的题材丰富多样，题材的不同使得它们彼此有着不同的音乐特点，钢琴演奏者在实际演奏过程中应注意往作品艺术方向倾听才能对演奏技巧的运用予以正确的引导，才能对所要演奏的音乐作品的特点、艺术风格有一个准确的把握，才能保证演出效果和演奏质量。

二、钢琴演奏的问题

（一）对技巧的过分重视

部分表演者认为弹得多、弹得快就是好的演出，过度关注技巧所能带来的成就感，这就诞生了一些完全是技巧堆叠而成的钢琴音乐演出，缺乏音乐内涵。实际上，导致这一情况的关键因素，是错误的音乐审美。客观来讲，演奏的表达对象是欣赏的观众，观众的音乐审美能力参差不齐，作为音乐表演者应更多地思考如何使观众音乐审美能力得以提升，而并非演奏大量无意义的音乐[2]。所以表演者要站在观众视角，对自己的演奏进行聆听、分析、探讨，了解自己的演奏是否能通过倾听达到传递作品内涵，是否能带领观众进入音乐曲调所构建的精神世界，这样才能保证演出的完美性。

（二）忽视表演与聆听的辩证关系

部分表演者常常未能正确理解表演与聆听的关系，存在狭隘、片面的理解，认为难以实现两者的共存。面对钢琴艺术，表演者未能提高自身的精神层次，未能从他人的审美意象和审美需求来看待和创新表演方式，思维固化停留在过去，这就造成了一定的尴尬，钢琴艺术不符合观众的审美标准，演出之后无法获得推广，推广之后经受不住时间的考验[3]。所以钢琴艺术不可仅满足于音乐理论知识与音乐元素的简单融合，更要注意钢琴音乐的特性与共性的把握，从倾听中抓住钢琴音乐的精髓，思考如何在音乐元素和更高层次的音乐精髓品质之间建立有机结合，如此才能创造出优质的、适合观众审美的钢琴演出。

三、听觉锻炼的大致思路

（一）构建听觉锻炼的教学体系

钢琴理论知识的内容包括了钢琴艺术史、声乐伴奏艺术、钢琴教学法，但对于听觉的锻炼却没有单独形成理论体系，这使得听觉锻炼很难以独立的姿态在教学中开展，为此需要构建完善的理论体系，此处将听觉培训的蓝图设计如图1所示。

从图1可见，合理的听觉锻炼要经历聆听-比较-表演-反思-再聆听的循环，聆听是钢琴演奏的学习开端，也是学习行为的收尾，学习者要从聆听中探析作品的演奏特点、表演方法，然后再将聆听的成果转化为自己的表演经验，然后再通过演奏将聆听的内容实际展现出来，再重复聆听，对比自己演奏和原作品的区别，从比较中找到自己的不足，不断改进，不断优化，实现钢琴演奏技巧的强化[4]。

学习者在聆听过程中要注意作品的音色、音量、旋律和复调，并将这些内容牢牢把握，熟记于心，将其作为自己演奏的参照物，这要求学习者要有足够强大的记忆力和敏锐的捕捉能力，能从音乐中感受和查找细微的区别之处，且能将这些细节添加到自己的演奏过程中，调整、改进自己的演奏效果。只有这样，学习者的演奏技巧才会越来越好，演奏水平才会得以提高。

（二）调整听觉锻炼的教学模式

当前，大众的审美水平和审美需求与日俱增，音乐艺术的普及度变广，学习音乐的人数也因此逐步增加。部分培训者为了节约资源，减少支出，在锻炼学习者听觉时采取集体授课的模式，通过这种教学模式的推广应用，一方面能够实现对紧张的师资力量有效缓解，另一方面则可以对学习者的整体学习需求进行最大程度的满足。但是要注意，听觉的锻炼是一个讲究专注，追求宁静的过程，学习者必须全身心将注意力集中到对音乐的倾听上，才能辨识和认识音乐作品的内涵[5]。采用集体授课的方式固然有利于节约资源，同时可以提高培训效率，但多人集中聆听会在一定程度上对学习者凝聚心神的过程造成干扰，导致学习者无法更好地集中注意力，感知音乐艺术的魅力。对此，培训者可以在进行集体授课期间，将学习者聆听和练习时发现的共性问题进行整理，再针对性地制定锻炼内容，同时还可借助案例的方法来带动学习者进行实践操作。通过这种方法，一方面不用为了构建“一对一”培训而投入太多资源，造成师资力量紧张，另一方面也能让学习者在参加钢琴培训的过程中实现记忆力的强化，让学习者更为深刻地把握相关知识，达到提升学习效率的效果。

（三）教学实践的精巧化设计

听觉锻炼需要学习者本身具备大量的理论知识，具体包含了钢琴历史发展、钢琴教学原则等各方面内容，但因知识往往较为抽象、空泛，要更好地掌握知识，就需要发挥理论与实践结合的教学方法，确保学习者能够领会其中深意，并应用得更为得心应手[6]。为此，在进行教学培训期间，可基于培训进度调整理论课的时间，让学习者得到更好的锻炼，培训者可随机选取1—2名学习者作为主角，让其针对所聆听的内容进行模拟演奏，并对其学习者的演奏情况进行拍摄，最后组织学习者聆听自己演奏的作品，并进行观察总结，针对学习者模拟演奏中出现的问题进行针对性讨论，及时总结优缺点，提出优化建议。此外，学习者还可在学习过程中互相聆听、相互评价，从中掌握如何品评作品优劣，知晓怎样判断钢琴艺术的好坏，又该如何演奏才能提升作品的质量。

四、钢琴演奏中听觉锻炼的具体策略

（一）注意聆听作品要点

1.注重音色

音色即声音的颜色或色彩，美的声音通常代表着有共鸣的、圆润的、柔和的、明亮的声音，而反之则是没有共鸣的、干硬的、虚弱的、漂浮的声音，不同乐器有着不同的音色，有着自己的特殊性。但即使是同一件乐器，如果采用的演奏方法不同，也能够使表现出来的音色变得截然不同。钢琴演奏者借助自己的听觉来对不同的音色进行感受的时候，带有一定主观性。人们在听各种音色的过程中会不自觉地将不同的感情色彩注入其中，从而基于个人的审美经验来判断这些音色是否优美，钢琴演奏者可以通过多听多感受来逐步实现自身听觉能力水平的提升。

2.音量把控

当对音量予以改变的时候，会改变声音信号中的各频段，从而使得人们感受到音色的变化。所以放音设备即使再好，如果音量较小，也会使人感受到声音变弱、放音频带变窄，而对应的，放音设备即使是普通的，但是将音量开足，也能够使人感受到丰满的声音。音量较小，可能使得声音显得较为单薄，没有光泽，难以将声音所具有的动态感体現出来，当音量适中，能够使得声音显得较为自然和谐、清晰圆润以及优美柔和，当音量变大，能够使得声音显得饱满有劲，能够将旋律的动态感体现出来，当音量过大，会造成声音喧闹、生硬以及干涩。表演者在培养自己的听觉时，要注意选择适当的音量，确保对各个频段声音能够产生一致的感受。

3.旋律掌握

在对陌生的钢琴曲进行倾听的时候，演奏者需要将自己的听觉与想象运用起来，抓住旋律，在对主旋律进行跟踪的时候，表演者需要暂时抑制自己的耳朵，屏蔽其余音响，抓住旋律主线。主旋律通常是乐曲中的高声部，辨识度较高，表演者通过反复聆听，可以清楚明晰旋律主线。值得注意，个别曲目中，会出现主旋律没有在高声部，反而出现在低声部或中声部的特例，当聆听这些曲调时，表演者需对听觉予以相应调整，将对其余声部的注意力稍稍抑制，以便能够将潜伏在低声部或中声部的主旋律成功找出来并进行跟踪。

4.重视复调

要想将复调听出，对于心与耳而言无疑有着很大的训练难度，要想听懂复调音乐，学会怎样对注意力予以高度集中和分配是关键。在实际弹奏过程中，演奏者应掌握好表演技巧，让表演方式可以与自己的聆听锻炼相贴合，如此才能实现好的锻炼效果。演奏者在聆听复调时，先对各分声部的旋律予以明确，然后左右手分开练习，待熟练以后，才能够将各个声部配合在一起进行练习，同时要注意倾听各个声部的发展，以便能够借助听觉来适当调整手指的控制能力，以便各个声部之间的层次变得更加清晰。

（二）练习素材的选择

1.改编音乐素材

曲目创编中最为直接的呈现方式，即为改编音乐素材，其应是推动我国钢琴艺术发展的重要路径。培训者可以巧妙运用钢琴中的多种技法，如琵音、和弦等，对古琴乐曲的散音技法进行模仿，通过钢琴释放其韵味，使古典音乐的诗意更多突显了出来，同时融合印象主义唯美风格，实现了不同音乐文化的融合贯通，这样学习者在聆听时，就可以从曲调内分辨紧缩、重复、变奏等演奏手法，并懂得辨识不同演奏技巧对钢琴表演的实际影响，还能学会如何对钢琴演奏进行创新，譬如分解及利用五声曲调对和弦与三度重叠等，让钢琴演奏更具古典韵味。

乐曲的旋律是钢琴演奏风格的重要体现，而旋律是基于一定调式的，比如我国古典音乐采用五声音阶或是以其为主干的七声音阶，稳定性好、较高的和谐程度及各级音符关系简单，是五声调式最显著的特点，而西方的音乐表演以七声音阶为主，两者在旋律上差异较大，而这种差异性正好能为学习者提供对比参考。比如培训者播放《二泉映月》的钢琴曲，让学员从曲调中感受该作品是如何良好继承了五声旋律，并将之融入到钢琴横向的线条处理与纵向的和声处理中，然后再指导学员自己进行五声曲调的创编，如根据五声曲调对巴洛克时期的音乐组体方式进行运用，采用调性变奏的演出法则展现五声曲式的特色风格，以此带给观众全新的观感和体验。

2.强调传统曲调旋律的线性特征

乐理知识是学习者钢琴教学的重要内容，是学习者了解钢琴、学习钢琴的基础，只有当学习者对乐理知识有进一步的了解后，将这些乐理知识，如音符的音高、实值、节拍等，融入到乐曲中，才能更加生动地将音乐表现出来。以音符教学为例，其涉及高音谱号、低音谱号、全音符、终止线等乐理知识，为了能够让学习者更好地理解这些音符，可以将每一句音符对应成事物符号，通过学习者熟悉的符号来记住音符，培训者可以先用语言表达的方式明确告知学习者听到这些音符时所想到的事物，待学习者将音符一一对应后，培训者再表演曲谱，让学习者跟随培训者的表演比划或者说出对应的符号形象，在对应符号的过程中去感受歌曲旋律上行和下行的特点，同时可以要求学习者根据曲调旋律自行加入一些具有韵律感的肢体语言来熟悉音符，最后可以通过钢琴演奏的方式引导学习者不断去熟悉作品，增加学习者对作品的学习兴趣，实现快速记忆音符。

结 语

在钢琴表演中，演奏者要想通过钢琴将作曲家想要蕴含在乐曲中的情感与精神更好地演奏出来，就必须借助自己的听觉来对整个演奏过程进行判断与调整，确保自己所演奏出来的音乐优美动听，能够与听众引起共鸣，从而取得完美的演出效果。

注释：

[1]张玉衡.浅析钢琴表演中审美素养的重要性[J].公关世界，2020（06）：121—122.

[2]王 晨，张彦文.音乐听觉在协作钢琴教学中的培养[J].艺术教育，2019（11）：205—206.

[3]王 玮.钢琴演奏中内心听觉的重要性及培养途径[J].北方音乐，2019（21）：41—42.

[4]杨小媚.论钢琴演奏内心听觉的培养[J].当代音乐，2019（01）：101—103.

[5]杨 硕.钢琴演奏教学中音乐听觉感知的培养[J].中国文艺家，2019（02）：195—196.

[6]汤泓玲.论音乐内心听觉在钢琴演奏中的运用[J].黄河之声，2019（23）：35.

（责任编辑：庄 唯）