2020年海外艺术理论研究近况

杨秀明

(北京舞蹈学院人文学院，北京 100081)

2020年是艺术学升格为学科门类、艺术学理论成为一级学科的第10年。近年来，学者们对艺术学理论学科定位和性质各抒己见。虽然2020年这一争论仍然没有结束，但是一个共识已经基本形成，即艺术学理论应该在学科自觉的基础上，以开放的心态接纳多元的研究方法与视角。[1]2020年的海外艺术理论研究成果为国内的艺术学理论研究提供了不一样的视角和参照。本年度的海外艺术理论学者们在艺术理论与批评、艺术史、艺术教育及艺术参与等方面都广泛涉猎。随着中国文化的不断传播，西方学者们在中国艺术的历史与现实，精英与民间等层面也论述颇丰，下文仅就作者视野范围内的2020年出版学术著作进行概览。挂一漏万之处，恳请专家和读者指正。

在艺术理论与批评方面，海外学者基于美学视角对各种艺术形式进行理论阐释。美国学者以斯拉·阿金·基万克(Esra Akin Kivanc)的《穆萨纳/伊斯兰书法中的镜面书写：历史、理论与美学(Muthanna / Mirror Writing in Islamic Calligraphy: History, Theory, and Aesthetics)》(Indiana University Press出版)一书探讨了伊斯兰“穆萨纳(muthana)”(1)穆萨纳，也被称为镜像书写，是一种独具特色的伊斯兰书法风格，由原文和镜像对称地放置在水平或垂直轴上组成。艺术与犹太教和基督教中类似写作形式的关系，并强调在特定的伊斯兰语境中，对称的镜面书写作品被赋予了新的意义，并转化为更复杂的视觉形式，具有丰富内蕴。作者通过审视艺术家、观众和艺术作品的视角，解读穆萨纳艺术中主客体之间的隐性关系，阐述伊斯兰书法外在形式与内在意义之间的联系。曾获诺贝尔文学奖的尼日利亚剧作家、批评家沃尔·索因卡(Wole Soyinka)的《超越美学：非洲艺术传统中的使用、滥用与失调(Beyond Aesthetics: Use, Abuse, and Dissonance in African Art Traditions)》(Yale University Press出版)，以论文集的形式探讨非洲艺术创作、收藏和展览中的身份、传统和原创性等理论问题。索因卡认为，相较于殖民主义及宗教对非洲艺术的压制，收藏成为重塑非洲艺术传统的重要力量。因此，他主张非洲艺术家、电影制片人、收藏家和策展人共同参与当地美学和文化史的建构。英国学者肯·怀尔德(Ken Wilder)的《观看：情境艺术与接受美学(Beholding: Situated Art and the Aesthetics of Reception)》(Bloomsbury Visual Arts出版)聚焦艺术作品和观众在空间上的相遇。作者认为，艺术品构成了一种相遇，借由一个旁观者的出现而完成。该书建立了跨历史的概念，通过对艺术作品及其空间背景的深入研究，提出了现象学的观看理论。此外，也有学者从其他角度探讨艺术理论。美国学者菲利普·F·帕尔梅多(Philip F. Palmedo)多年来从事物理学与艺术史研究，其专著《深厚的亲缘关系：艺术与科学(Deep Affinities: Art and Science)》(Abbeville Press出版)揭示了艺术和科学如何共同植根于人类共同的本能——审美。该书通过展示人类历史上的艺术作品与科学进步，阐释艺术与科学对对称、平衡和节奏的欣赏，对自然形式的简化和抽象，以及象征性表现的驱动力。作者穿梭于艺术与科学的世界之间，并展现其两者的一体性，令人重新认识了艺术家与科学家共同的审美本能。

除了对艺术、美学与科学的理论探讨，更多海外艺术批评关注于当下社会现实。例如英国学者阿拉娜·杰利内克(Alana Jelinek)在《在纪律与困境之间：当代艺术的价值(Between Discipline and a Hard Place: The Value of Contemporary Art)》(Bloomsbury Academic出版)中，从一个实践艺术家的角度出发，指出博物馆里的一些物品并非先天被称为“艺术”，因为它们的艺术性不能脱离艺术家对艺术的定义进行监管。作者并不是以此将艺术家确立为一种精英职业，而是为了赋予其更大的社会包容度和教育的平等。目前在丹麦从事机器视觉与当代艺术研究的学者莉拉·李·莫里森(Lila Lee-Morrison)的《自动面部识别的肖像：关于看脸的机械方式(Portraits of Automated Facial Recognition: On Machinic Ways of Seeing the Face)》(Transcript Verlag出版)，追溯统计数据与图像视觉融合的历史，并论述面部识别技术与当代艺术的互动，提出我们必须深入探讨面部识别技术中的视觉政治，因为这项技术正在重新定义当代世界看与被看的意义。英国学者达伦·纽伯里(Darren Newbury)、瑞士学者洛伦娜·里佐(Lorena Rizzo)和荷兰学者凯莉·托马斯(Kylie Thomas)合编《非洲妇女与摄影：创作实践与女性主义挑战(Women and Photography in Africa： Creative Practices and Feminist Challenges)》(Routledge出版)一书，通过案例研究探索了非洲大陆独特、复杂的性别与摄影之间的关系，并关注当代女权主义和后殖民主义与媒介接触后面临的严峻挑战和巨大潜力。该研究提出了有关种族，性别和摄影史的关键问题，对性别化知识生产的政治权力，种族化和性别化身份的生产以及替代性和次替代性的主体性进行了批判性反思，为研究视觉艺术史和非洲历史的学者提供了一个跨学科的女性主义路径。

对于全球艺术史的探讨也是本年度海外艺术理论研究的重点。美国学者安·阿尔布里顿(Ann Albritton)和格温·法雷利(Gwen Farrelly)主编的《全球背景下的艺术史：方法、主题和方法(Art History in a Global Context: Methods, Themes, and Approaches)》(Wiley-Blackwell出版)分为三个部分：首先探讨了与全球化相关的主题如何构成当今艺术的创作、流通、接受和研究；接着，阐释策展人、学者、艺术家和评论家如何通过艺术作品、作品、展览、双年展、大型会议和全球网络的形成来挑战欧洲中心的经典；最后，帮助读者通过探索全球背景下的艺术史，超越当下时代的目光所限，理解早期艺术家之间跨界交流的意义、条件和影响，真正理解全球艺术史和西方之外的艺术经典。西班牙学者诺埃米·德哈罗·加西亚(Noemi de Haro García)、帕特里夏·马亚约(Patricia Mayayo)和杰西·卡里略(Jesús Carrillo)合编的《1945年后在欧洲创造艺术史(Making Art History in Europe After 1945)》(Routledge出版)，从批判的、去中心化的角度分析了1945年至今欧洲国家权力与艺术史的交融。作者强调边缘的观念，关注欧洲周边地区及在二战后实施的与艺术有关的跨国文化政治倡议。该研究将人们的眼光由历史上的学科霸权中心转向欧洲的南部和东部边缘，展开从葡萄牙到爱沙尼亚再到希腊之间的艺术史对话。西班牙学者杰西·彼得·洛伦特(Jesús Pedro Lorente)的《伟大的艺术批评家：从启蒙到后现代(Great Critics of Art: From the Enlightenment to Postmodernity)》(Mimesis International出版)敏锐地指出，在目前的艺术研究中，艺术批评如火如荼，而关于艺术评论家的批评却很少。作者在专著中追随着著名意大利艺术评论家廖内洛·文杜里的脚步，对启蒙运动到世纪之交的伟大的艺术评论家们进行重新评价，讲述这一永远面临危机的特殊职业的历史，对在不同文化背景之中产生巨大影响力的艺术评论家们表示敬意。英国学者伦勃朗·杜伊特(Rembrandt Duits)主编的《穷人的艺术：1300-1600年欧洲下层阶级的审美物质文化(The Art of the Poor: The Aesthetic Material Culture of the Lower Classes in Europe 1300-1600)》(Bloomsbury Academic出版)一书汇集了16篇来自欧洲艺术史学家、历史学家、人类学家和博物馆馆长的文章。该书指出，中世纪晚期和文艺复兴时期的艺术史通常被写成一个精英的故事：银行家、贵族、国王、红衣主教和教皇的艺术兴趣和使命。近几十年来，人们试图从物质文化的角度来改写这个故事，但焦点似乎仍停留在社会上层。该研究探讨了艺术在欧洲社会下层的作用，并探讨了这如何影响人们对中世纪和早期现代社会的理解，拓展了艺术史、社会史、城市考古学和历史人类学的研究领域。

在艺术教育方面，本年度海外出版的著作有英国学者马丁·迈隆(Martin Myrone)的《创造现代艺术家：浪漫英国的文化、阶级和艺术教育机会(Making the Modern Artist: Culture, Class and Art-Educational Opportunity in Romantic Britain)》(Paul Mellon Centre出版)一书，本书基于1769年至1830年间对伦敦皇家艺术学院(Royal Academy of Arts)近1800名学生进行的传记调查，揭示了有关家庭出身、个人关系网、机会和社会流动模式的隐藏故事，探索艺术家形象的历史成因。美国学者奥斯卡·巴斯克斯(Oscar Vázquez)主编的《拉丁美洲的艺术学院和学校(Academies and Schools of Art in Latin America)》(Routledge出版)，汇集了关于18世纪末到20世纪初的南美洲，墨西哥和加勒比地区主要艺术学院和国家艺术学校的重要研究文献，涉及基础性文件、法规、研讨会和行会的影响、赞助人的重要性、视觉教育学中种族和民族的论述，以及追随欧洲模式与探索当地特色学校之间的张力，加深了人们对19世纪拉丁美洲国家的艺术机构、艺术实践和文化政治的理解。英国学者西尔维·雅各比(Silvie Jacobi)的《艺术学校和场所：新兴艺术家和艺术场景的地理学(Art Schools and Place: Geographies of Emerging Artists and Art Scenes)》(Rowman & Littlefield Publishers出版)认为，艺术教育对艺术家的场所感和空间关系有一定的影响。探索艺术家选择的地点和原因是民族志描述艺术场景的第一步。该研究认为，进入和通过艺术学校是一个艺术家重要的学习环境。艺术家不仅学会通过空间和关系实践与地方接触，而且在全球化的艺术世界中获得流动性和跨国流动感。20世纪末21世纪初的家庭结构和性别身份都发生了根本性变化，艺术和育儿出现了越来越多的交叉点。美国学者芭芭拉·库蒂斯(Barbara Kutis)的《当代艺术中的艺术家父母：性别、身份与家庭生活(Artist-Parents in Contemporary Art: Gender, Identity, and Domesticity)》(Routledge出版)，回溯了20世纪70年代到20世纪90年代，男女两性艺术家参与子女养育及家庭生活的历史，指出当代艺术家对艺术与养育子女同时联系的倡导反映了一种新身份的自觉自我塑造，可以称之为“艺术家父母”。

本年度关于艺术参与的研究成果较为丰富，不仅包括艺术家和观众的参与，还涉及普通居民和被监禁者，体现了海外艺术参与研究的多元视角。例如芬兰学者凯佳·凯塔沃里(Kaija Kaitavuori)的《当代艺术的参与者：艺术与社会关系(The Participator in Contemporary Art: Art and Social Relationships)》(Bloomsbury Visual Arts出版)认为，进入21世纪，观众已成为当代艺术本身的一部分。该书通过区分不同参与形式的具体特征，提高了读者对参与式艺术的理解。加拿大学者加布里埃尔·莱文(Gabriel Levine)的《叛逆时期的艺术与传统(Art and Tradition in a Time of Uprisings )》(The MIT Press出版)指出，在一个变革的激情时代，颠覆艺术传统也同时将影响艺术家、社会活动家、音乐家和人们的日常生活。美国学者妮可·弗利特伍德(Nicole R. Fleetwood)的《标记时间：大规模监禁时代的艺术(Marking Time: Art in the Age of Mass Incarceration)》(Harvard University Press出版)被评为“纽约时报年度最佳艺术书籍”。美国目前有200多万人被监禁，与家庭和社区隔离。然而该书展示了被监禁者如何将普通物品变成精致的艺术品。尽管在物资贫乏的恶劣条件下，他们依然想方设法抵制监狱的残暴和堕落，坚持人性。日本学者斋藤优里子(Yuriko Saito)的《熟悉的美学(Aesthetics of the Familiar)》(Oxford University Press出版)致力于探索人们日常生活审美维度的本质和意义。作者指出日常生活美学对公民和消费者在环境和道德领域的实践具有广泛影响，并呼吁艺术家和学者有责任培养大众的审美素养并警惕审美操纵。归根结底，日常美学可以成为一种有效的工具，指导人类整体改造世界的实践活动，改善所有居民的生活。

从以上内容不难看出，学科交叉和多元视野成为海外艺术理论研究的一种普遍现象。而本年度海外学界对中国艺术的观照也呈现出多维特质：在历时层面上历史与现实并重，在共时层面上精英与大众兼顾。例如对于中国美术，美国学者凯瑟琳·伯内特(Katharine P. Burnett)的《塑造中国美术史：庞元济及其画集(Shaping Chinese Art History: Pang Yuanji and His Painting Collection)》(Cambria Press出版)关注艺术史中的关键人物，首次聚焦著名收藏家庞元济的生平活动，将他的艺术收藏实践置于收藏家、商人、慈善家和社会变革者等相关身份中，阐释其作为一个具有民族主义情怀的现代主义者在那个时代和艺术史中的影响。而美国学者约翰·克雷斯皮(John A. Crespi)的《漫画现代性：中国文化与绘画转向(Manhua Modernity: Chinese Culture and the Pictorial Turn)》(University of California Press出版)将目光投向大众喜爱的漫画杂志，指出漫画作为现代城市体验的重要媒介，在战时从市场消费主义转变为抗战动员主义，政治宣传功能不断加强，这种艺术形式成为中国政治文化转型的生动反映。

在传统手工艺方面，中国瓷器艺术一直受到海外研究者的关注。青花瓷被看作是全球的终极商品，因为在整个东亚和东南亚，包括非洲海岸在内的印度洋、美洲和欧洲，消费者都渴望中国瓷器。英国学者安妮·格瑞森(Anne Gerritsen)的《青花之城：中国瓷器与早期现代世界(The City of Blue and White: Chinese Porcelain and the Early Modern World)》(Cambridge University Press出版)是一部跨学科专著。作者对景德镇11世纪至18世纪制瓷的自然生态和人文生态进行全面记述，并提出通过景德镇瓷器的生产和消费，中国参与了早期现代世界。美国学者雷切尔·西尔伯斯坦(Rachel Silberstein)的《时尚世纪：晚清纺织艺术与商业(A Fashionable Century: Textile Artistry and Commerce in the Late Qing)》(University of Washington Press出版)指出，19世纪中国的服装和配饰在很大程度上反映了妇女参与纺织手工艺品的商业化和城市流行文化的繁荣。该书以女性工作和时尚为主题，展示了一系列被中国传统服装史所忽视的极具视觉吸引力的服装和配饰，考察了这些产品在阐明性别和身份问题方面的潜力。作者利用大量图片和文本资源，挑战了中国缺乏时尚的刻板印象。这些素材大部分是通过博物馆和收藏被传承下来。它们表现了中国女性作为一个活跃的群体，从未离开清代时尚的消费、参与和生产。

在现当代艺术方面，中国的当代艺术与海外华人社区也受到学者关注。例如美国学者玛丽·比特纳·怀斯曼(Mary Bittner Wiseman)的《中国新艺术中的宏大唯物主义(A Grand Materialism in the New Art from China)》(Lexington Books出版)用一种宏大的物质主义表现了中国艺术家作品中的物质问题。作者从历史、文化、政治和哲学角度对中国当代艺术进行剖析，展示艺术家如何通过非语言的物质、手势、质感、触觉、本能或者直觉等，完成艺术作品的创造。美国学者金·卡瓦尔·法尔塞特(Kim Khavar Fahlstedt)的《旧金山华人社区的电影院(Cinema in San Francisco’s Chinese Neighborhood)》(Rutgers University Press出版)以旧金山唐人街电影为研究对象，指出移民观众在美国电影作为公共娱乐的扩散过程中所扮演的角色渗透了整个电影体验。唐人街电影的历史叙述为被边缘化的华裔提供了体验和参与当地现代性的空间，也培养了一种强大的东方美学。

综上所述，2020年海外艺术理论研究为中国艺术学理论学科研究的进一步发展提供的学术参照具有特殊意义。特别是在新文科背景下，探索门类艺术的异通性成为艺术学理论的研究热点，中国艺术学理论研究无疑应该关注海外艺术理论丰富的理论工具和研究方法，进而构建中国特色艺术学理论的学科体系、学术体系和话语体系，讲好中国故事，展示艺术魅力，提高中华民族文化的吸引力和软实力。