双簧管《奇马罗萨C大调协奏曲》的演奏诠释

白 强

双簧管是木管类乐器。最初形成于十七世纪中叶，十八世纪时得到广泛使用。双簧管在乐队中常担任主旋律的演奏，是出色的独奏乐器。此外它还是管弦乐队里的调音基准乐器。双簧管音色带有鼻音似的芦片声，善于演奏徐缓如歌的曲调，双簧管是较难演奏的乐器之一。双簧管之所以会很难演奏，以至于称之为冷门乐器的原因在于，除却所有管乐器都需要的演奏技巧外，双管管所需要的基本功要求一般会比同类的木管与铜管乐器要多一些，才能保证有足够的音准水平下进行标准的演奏，如果不能达到足够标准的基本功，在演奏初期时经常出现音准不稳等对于双簧管来说在正常不过了。

多梅尼科·奇马罗萨，意大利作曲家（1749-1801），这个时期的社会背景是在西方历史当中的古典主义音乐时期同时衔接到了浪漫主义的开端，而我们都会发现古典主义时期的音乐更加的公平开放，以及在刚刚有了海顿开创的交响乐之后，古典主义时期是西方音乐史的第五个分期，是从1750-1820年，包括前古典主义和维也纳古典主义乐派。西方音乐史中的古典主义时期通18世纪中叶至19世纪二、三十年代的一段时期。维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三位古典主义大师，他们的杰出音乐作品和音乐风格被称为近代欧洲音乐艺术的“经典”。古典风格的形成，经历了古典早期复杂的准备过程，古典音乐在西方正在经历从未有过的盛世。而浪漫主义音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的音乐只是黑白电影或版画的话，那么浪漫主义音乐派作品则像水彩画和五颜六色的油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一种是以勃拉姆斯为主要代表的保守浪漫主义，另一种是积极浪漫主义。浪漫主义音乐时期也是欧洲音乐发展史上成果最为丰富的时期，它极大丰富和发展了古典主义音乐的优良传统，并有大胆的创新，这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎，浪漫主义时期情感色彩的音乐在这个时期开花结果。

协奏曲（Concerto）一词最早来源于16世纪初的意大利语concertare，意为“协调一致”，用以称呼当时形式自由的各类声部组合：领唱与合唱，两个独立的合唱队，不同乐器之间，声乐与器乐。17世纪，协奏曲（Concerto）一词又产生了拉丁文涵义“竞争”、“斗争”，接近于现代意义上的协奏曲。16世纪，意大利的协奏曲多指有乐器伴奏的声乐曲（合唱曲），与无伴奏歌唱相区别。到了17世纪中叶，随着器乐的蓬勃发展，协奏曲才称为器乐合奏曲。

《奇马罗萨C大调协奏曲》算是早期在音乐当中的浪漫主义时期之前少有的有浓厚情感色彩的作品，在作品中除却可以看到古典主义时期的理性和客观，同时在按照古典主义的创作手法在创作之余，在第一乐章又突显出了浪漫主义时期的感性色彩。虽然在演奏难度上并不算是难度系数最高的，但算的上是个人最喜欢的双簧管协奏曲之一，《奇马罗萨C大调协奏曲》共分为四个乐章，而普遍的协奏曲我们知道通常是有三个乐章，第一乐章为奏鸣曲式的快板，第二乐章慢板，第三乐章快板，从分配结构上，也是相对少见的，而《奇马罗萨C大调协奏曲》的四个乐章分配分别是Larghetto甚缓板，Allegro快板，Largo最缓板，allegro giusto适中的快板，今天我们就来聊聊对于演奏《奇马罗萨C大调协奏曲》第一乐章，Larghetto甚缓板的一些演奏中的看法与心得。

一、开端演奏的技巧与方式

从乐曲的开端处不难发现CDCBC是整曲的一个比较关键的之处，重复的次数很多，但原作家并没有给予更多提示，只在开头处第三小节下方给予mp中弱以及espressivo充满感情地演奏两点提示，对于管乐演奏中尤其是管乐的独奏，对于相同旋律不同位置重复出现的处理方式，我们通常所说要做出层次感是最基本的一种要求，如图一中我们四次出现的CDCBC的旋律，一般情况我们应该着重注意由弱变强的过程，而从旋律调式的整体感觉上出发，我们会发现第二与第三次出现的CDCBC前缀不太相同，第二遍的前缀是EGE，而第三遍的前缀变为了DGB，从音的高低变化不难感受到整体四次出现关键旋律演奏的强弱变化应该为弱、中弱、弱、弱。同时应当注意嘴部运用的技巧，一连三吐，而在双簧管吐音之时更要注意到舌头的运用，我们说此时的吐音尽量的运用舌尖快速的点击哨片并运用更快的速度要把舌尖收回，以此来做出非常灵巧的演奏音乐的表达。同时需要注意到第五小节最后的三个音，尤其是其中的C，由于双簧管结构的原因，在演奏C时，尤其还是其中的高音C时，一定要更加注意需要运用丹田气把这个音给撑起来，使得整个乐曲的开端演奏更加完整协调。开端整体给人感觉是忧郁的、唯美的、叙述式的，好像要在循序渐进的跟你说些什么。

图一

二、Solo自由段落处理方法

整个第一乐章共出现两段solo自由演奏段落，第一个自由段落在如（图二）所示第13小节，也是乐章的中间部位，这是在演奏当中不太常见到的，一般乐曲的设计普遍solo会分布在乐曲的结尾处，而在奇马罗萨中第一处却出现在了中断，大体可以体会到作者的用意是为了旋律方向的转折，而通过如（图三）当中solo之后的转折音乐部分，可以见到CDCBC的主旋律部分再次的出现了，但不同的是，此次的CDCBC是高音区域的，也就是相比于开端处的相同旋律我们提高了一个八度，那么在看到后方如此旋律的设计，同样的也可以反推断出，这段solo的演奏手法。首先从演奏速度上建议在此solo演奏过程中，开始渐慢，中断快速，结尾渐慢，同时演奏到最后一个音时稍作停顿，这样可以给自己以及听众转折过后的一个反应时间，虽然在乐谱当中这一段并没有出现休止符，但不妨可以尝试这种演奏方法，感觉会更加的契合这段的演奏。同时需注意整个段落的需轻微突显音重量的音按顺序分别为E、G、E、B、G、A、B。

图二

图三

作为本乐章第二部分的solo，也是我们常规常见的一种，放在了乐章的最后。而对于双簧管演奏比较出色的地方之一就是演奏颤音以及和颤音有些类似情况的回旋音，如（图四）所示最后一小节C上出现了一个回旋标记，虽然是结尾，但是在这个回旋音上，还是要尽量的把演奏速度提起来，并快速往D上落，同时我们可以看到E上的范音记号，稍作延长的同时，需注意有的时候延长过后的零点几秒的停顿时间，对一段音乐旋律的整体协调性非常重要。最后，通过连吐停顿技巧收尾。

图四

三、特殊按键运用技巧

《奇马罗萨C大调协奏曲》第一乐章中，由于是降E调性，所以在演奏过程当中需要按到一些特殊键位，首先是普通的降E键，运用右手小拇指来去演奏，而由于降E的一指指法是需要右手小拇指伸的最远距离，所以在演奏中可以适当将整体手指按键方式，在不影响右手中三指堵孔的情况下，整体手型略微向下倾斜，这里需注意，手型向下倾斜是通过手腕的角度来去调整的，而不是通过手臂角度调整的。

如（图五）所示第十七小节当中的最后一个音，同样也是要按到降E指法，但不同的是，由于后面下一小节的第一个音为降D，在双簧管的指法中存在了按键冲突，所以此时需要注意运用到二指的降E指法，也就是按键从左手小拇指切换到了右手小拇指来去演奏二指降E，同时作为第18小节的演奏，要注意双手小拇指的按键准确上。因为二指降E并不是常见指法，所以在演奏过程前，不妨提前做一下标记。

图五

《奇马罗萨C大调协奏曲》第一乐章中二指F运用的很频繁，但要注意一指F和二指F的灵活转换，如图六所示，第一、二出现的F就需要运用二指，而第三次出现的F就需要运用到一指。

图六

四、整体把控

在常规的协奏曲结构当中，我们比较常见的协奏曲结构，普遍都为三个乐章，也就是我们常规理解的快-慢-快的曲式结构，而对于《奇马罗萨C大调协奏曲》而言的确是我们比较少见的一种慢-快-慢-快结构，从此也可见到多梅尼科·奇马罗萨是在当世敢于突破常规固化思维的一个作曲家，敢于勇敢创新，所以对于怎样来去理解《奇马罗萨C大调协奏曲》的内涵，也不一定需要用常规对协奏曲的固化看法与理解来去诠释这类型的作品。那么从另一个角度仔细去看作曲家的创作理念与结构也许会清晰很多。

巴洛克时期的协奏曲包括三种形式：第一是器乐合奏（或称乐队协奏曲），强调乐队中不同乐器组之间彼此的配合演奏。乐队中的各乐器既起独奏作用，又可以组成合奏，强调着相互之间的协调配合；第二是大协奏曲，强调某一乐器组（如弦乐队）与整个乐队之间的对比。其中，乐器组包含多件弦乐器，有时还有木管乐器和铜管乐器参与。大合奏组则包含了各种各样的弦乐器，另外还有一架演奏通奏低音的古钢琴；第三是独奏协奏曲，强调一件独奏乐器和整个乐队之间的对比和协调，比较常见的独奏乐器是小提琴和钢琴，而其他的乐器如大提琴、单簧管和圆号等则相对少见，该种即目前音乐舞台上常见的协奏曲形式。前面两种形式的协奏曲在巴洛克时期很繁荣，意大利作曲家托莱里、科莱里，德国的亨德尔和巴赫都有相关的代表作。如巴赫的《勃兰登堡协奏曲》就是大协奏曲中有代表性的作品之一。

而当到了古典主义时期莫扎特是古典时期具有代表性的协奏曲作曲家，他为小提琴、钢琴、长笛、双簧管、单簧管、大管与圆号等各类管弦乐器写作了50多部协奏曲，在承袭了维瓦尔第和巴赫儿子们在协奏曲结构上的成就同时，通过实践，使近代协奏曲在他的创作中达到成熟阶段，并最终奠定了沿用至今的协奏曲式与风格。

继莫扎特之后，贝多芬在协奏曲的创作过程中为近代协奏曲形式注入了深刻的思想内容，使协奏曲的思想性和艺术性被提升到了新的高度，他所创作的五首钢琴协奏曲及小提琴协奏曲在音乐史上都占据了重要的地位。

进入到20世纪在风格和形式都延续了19世纪的协奏曲，如西贝柳斯的小提琴协奏曲，艾尔加的小提琴和大提琴协奏曲，尼尔森的小提琴协奏曲、长笛协奏曲、单簧管协奏曲，普罗科菲耶夫的钢琴协奏曲、小提琴协奏曲，肖斯塔科维奇的为钢琴、小提琴和大提琴而作的协奏曲，以及普朗克的管风琴协奏曲。在往后的过程中我们来去看新古典主义的协奏曲，在风格和样式上回复到前浪漫主义，甚至是巴洛克主义，斯特拉文斯基的作品是范例，他的为钢琴和管乐而作的协奏曲是新古典主义的代表作，他的小提琴协奏曲（1931年）完全是巴洛克样式，由托卡塔、咏叹调和随想曲组成，且独奏部分更像是乐队中不可分割的一分子，而非炫技的主角，《敦巴顿橡树园协奏曲》更是以勃兰登堡协奏曲为楷模而作的大协奏曲，其他此类风格的作品还有克热内科和布鲁赫的大协奏曲，巴伯的《魔羯星座协奏曲》。兴德米特的独奏协奏曲（为不同乐器而作的8首）在处理独奏者和乐队的关系上更加传统；理查·施特劳斯的第二圆号协奏曲与双簧管协奏曲显示出对莫扎特管乐协奏曲的眷恋。

首先从3乐章与4乐章的变化中，多了一个乐章出来，很明显想要去表达的东西也随之会更多，其次结构的变化上也可以分配的更加细化，大可看为两大段，第一大段是慢-快，第二大段是更慢-中快。

其次既然想表达的更多，结构也分的更加细化，如果还能看作两大分段的这种感觉，在情感上是否有可以理解为是一段和二段的对比型的表达呢？

结 语

古典音乐之所以有它的内在不同的审美体验，我相信有一点，大家都是比较认同的，就是古典音乐的作曲家们往往不会给一个作品去做明确定义，正如某某C调或D调，协奏曲也好，奏鸣曲也好，名称上不会做具体细节的描述，而正因为我们并没有在欣赏前了解到这一点，才可能出现不同的人对同一个作品的不同看法，甚至差异会很大，但无论是哪种结局，哪种理解，那都是你独一无二的体会。■