高芝兰声乐教学理念简述

程振华

我曾经跟随高芝兰老师学习声乐五年，自接受采访高老师的任务后，又阅读到许多同学谈及高老师声乐教学的文字，便想在此简单地说说自己对于高老师声乐教学理念的理解。1950年，高芝兰老师开始在上海音乐学院从事教学工作。按当时的规定，每位教师一个学期最多教八个学生。因为想要跟高老师学习的人太多，所以高老师只能挤出个人时间，为他们义务上课。这么多年下来，到底教过多少学生，已经很难计算了。对于声乐学习，高老师提出要认准目标、坚持目标、善于学习；要了解学生，师生之间真诚相交、感情互信。为人师表对学生们有上行下效的示范作用，教师的“教德”不正，是教不出好的歌唱艺术家的。这就是高老师一直强调的“好好做人，好好歌唱，好好生活”。

1. 美声（Bel Canto）的基本概念

跟高老师学习五年，我理解老师对Bel Canto的审美观，源自作品内涵的需求。“美声”要求发声通畅圆润，富有穿透力，音色明亮华丽，刚柔并济、收放自如等优点。Bel Canto，在意大利语中，是指美好的歌唱。实际上，无论是哪种语言，对于“美声”的审美认知都是相同的。而离开经典作品，只谈“美声”技巧与方法，就是无的放矢。技巧只是工具，不是目的，更不是艺术!

2. 歌唱的呼吸

高老师认为，学习“美声”歌唱是把我们的身体培养成一件会歌唱的乐器，但在教学过程中，她绝对不赞成对学生进行生理解剖式的教学，单纯地讲身体生理机能。歌唱是抒发感情的艺术，她自教学伊始就再三强调感情和美育培养，要作为打基础的课程。所以，经由高老师之手的学生，他们的演唱大多是细腻地诠释作品的内涵。很多时候，台上的表现比台下练习时的效果还好。

除此之外，高老师也强调，一定要掌握发声技巧，才能得心应手地表达作品内涵。歌唱技巧，先从歌唱的呼吸入手。气息的支持是发声的基础，是歌唱的原动力，它决定着音量、音色、音质等。高老师说：“当年苏石林教授就是教学生们用横膈膜扩张、小腹积极支持的呼吸方法，将声音送到头腔，获得高位置的共鸣，在额窦（双眉之间）感觉到共鸣的振荡，犹如戴有一个面罩，这就是所谓面罩（mask）唱法。”气息经过胸腔、咽腔，通过一条通畅的“管道”，保持声音持续往前传送。中低声区都是同样，要求有统一共鸣的音色，声音圆润、饱满、明亮、有光泽、有穿透力，收放自如。

2004年，我再次请教高老师：“关于歌唱的呼吸是否是横膈膜在吸气时保持四周扩张状态，发声时则由小腹（一般在腰带位置之下，咱们所谓的‘丹田’部位）给予支持，乐句延续时横膈膜尽量保持周围扩张状态不塌下去，对吗？”高老师十分肯定地回答我：“对! 实际上，歌唱的呼吸是一个统一、协调运动的反复，无论音量大小、旋律高低，都一定要有气息支持，而且气息支持点绝对不能向上移动，造成胸部和颈部紧张。”

这是一个长时间有意识的锻炼，才能得到的工夫。高老师认为，判断呼吸是否正确，最终还是要以歌声为准！

3. 歌唱的共鸣

高老师认为，歌唱的共鸣最主要的功能就是在气息配合下发音。受气息冲击，声带振动产生了基本音，扩大和优化基本音是靠共鸣，共鸣则是靠身体的各腔体产生。有些人在语言习惯中，已经很自然地养成了一定程度的共鸣腔使用习惯，但歌唱的共鸣往往更需要精心而有意识地培育才能获得。

男女各声部，低中高声区，都需要结合共鸣使用，这就是“美声”体系所要求的“乐音”。共鸣训练要在中低声区打好基础，口腔、鼻腔很重要，必须通畅无阻才能再往上发展，得到头腔共鸣。歌者会感到鼻腔以上振动，额窦（两眉之间）产生舒畅放射的感觉。音色稳定饱满，声音有穿透力，源自丹田的气息支持，直达头腔，获得一条管状通道感觉。有这样一条管状通畅共鸣感觉，嗓音才能保持新鲜持久。

4. 声部鉴别

在2004年10月对高老师的采访中，我特别提出声部鉴别的问题。高老师认为，美声唱法的特点之一是要有明确的声部鉴别，特别是在歌剧工作范畴内更是如此。声部定位，决定了歌者后来的工作、演唱角色和曲目范围。为学生确定声部，是一个很严谨的基本课题，十分重要。

Bel Canto，简单地说，有女高音、男高音、女中音、男中音等基本声部。每一个声部还可以再细分，声乐教师要对每一个声部都有清晰、明确的声音概念，要很小心地对待每一位学生。在中声区打基础的阶段，要深入了解学生的音质特点，尽可能挖掘他们最自然、最好听的音质和声音潜能。据此，须经过一段时间，才能做出准确的声部定位。当然，也有人一听就能给出明确的声部鉴别。

值得注意的是，人声的可塑性很大，有人可以胜任不同类型的作品，特别是到了一定年纪，演出经验丰富，声音运用自如，可以担当不同声音类型的角色。但，他们始终都有自己最优美的声音，专长唱某一类作品。

对学生，定声部要慎重。高老师说，这些年来，学生被定错声部，唱坏了嗓子的情况，时有发生。出现这种情况，教师应该需要被问责。

高老师还提出，歌唱家由青年步入中老年，嗓音机能会随着年龄的增长逐渐衰退。因此，根据自己的实际演唱情况调整演唱曲目是有必要的。换句话说，歌唱演员的舞台生命，立于黄金高峰时期，是非常短暂的。歌唱演员穷其一生的努力，得到的也只是整个生命中的瞬间灿烂。说起来很无奈，甚至有些伤感，但这是规律。高老师说：“要抓紧，要不懈努力，要巧学，要珍惜。”

5. 确立正确的声音观念

高老师认为：在我们的学习过程中，一定会听唱片或别人演唱，不自觉地就会出现模仿的行为。但是，声乐家弗兰科·科莱里则说：“你只能把声音模仿到某一个程度，但无法超过那个程度，你不可能违背自己的自然声音特质太久。在思考技术的时候，我们不光是想如何唱出一个漂亮的声音，首先要解决我们的思考方法。在教师指导下，要认识什么是自己最好的声音。离开这个，根本就没有谱了。”

声乐教师的责任是，在发掘学生最优美的声音基础上，启发学生不断巩固、发展自己的优点。高老师说：“譬如我自己，我知道自己并非一流的嗓音条件，只是有比一般人好的嗓音，属于‘大号’抒情女高音。在最开始学习的时候，我的低音区用本嗓多一些，通过一段时间的学习，我可以把真假声结合起来。我的听觉很好，音质分辨能力强。我今天所获得一切更多的是靠后天努力学成。在发声上，我思考琢磨的时间多于放声唱。”

在声音的打基础阶段，蒙苏石林老师对高老师的成长起着很好的监护作用。好的声音观念，是靠不断唱、听，重复、反复训练，巩固观念记忆，才逐渐建立起来的。高老师还主张即便是已经很有成就的歌唱家，也应隔一段时间就找老师听听。因为，我们脑海中的声音观念记忆会潜移默化地改变却不能被自己察觉。说到这个问题时，高老师以著名歌唱家斯义桂先生为例。她说，早年斯先生曾经跟男中低音歌唱家亚历山大·基普尼斯上课，后来，他还是经常唱给基普尼斯听。

6. 声乐语汇

以下是我在采访高老师的过程中总结的一些她关于“美声”艺术的观点和基本教学理念的语汇。

（1）技术不是艺术。High C是表达角色情感的需要，不是演员自我表现的机会。

（2）多年来，有些人学习美声唱法走进了误区，就是把发声技术当作主要的学习目标。一旦掌握了这些技术，背出几首咏叹调，就自以为可以走遍天下了。其实，他是把自己和自己的嗓音带到舞台上“显摆”，发着没有灵魂的噪音。

（3）仅仅跟着唱片学唱，就是不靠谱的野路子学习。

（4）嗓音不等于一切，除了嗓音之外，一个歌唱家，还得具有天生的热情和崇高的心灵。

（5）只要有梦想，愿意努力，肯吃苦，能坚持，你就能获取智慧，学会专心、真挚和意志。

（6）学习必须尽力而为，要主动挖掘自己潜在能力。潜力只会越用越多，越挖越深。

（7）只有当内心具备了在困难和失败之中仍然始终如一的对艺术的爱，你才有资格成为专业人士。

（8）歌唱绝对不可以只是发声器官的机械重复运动。一首曲子，无论唱多少遍，每一遍都一样要带有深刻感情，绝不可唱“油”掉。

（9）我们平时往往过多地把注意力集中在纯生理的努力上，而忘记了演唱和演奏主要是心理和想象力上的。

（10）歌唱家曲目的积累，是衡量职业水平的标尺之一。曲目积累越多，歌唱艺术生命力越长。

（11）学生踏进我的课堂，必须要精力充沛、抛掉一切杂念、思想集中地来演绎作品。当你真实地浸润在作品的感情世界里，一堂课后，就会有焕然一新的精神面貌。

（12）歌唱家的演唱一定是本人所受的熏陶、教育、脾气、性格的反映。

（13）上课，我用心教，你要用心学，敞开你的心扉跟随歌曲内涵，师生共同进入作品的感情世界，这样的学习才叫作教学相长。

（14）声乐教学语言越简练越好。

（15）在欧洲，各国歌唱训练的基本方法是一致的：气息支持，声音流畅，高位置的共鸣，三者统一。作为一个声乐教师，最重要的是结合每一位学生的具体情况，如语言习惯、生理结构差异、文化背景、心理素质、性格、领悟能力等，因材施教。

（16）自然无伪，是艺术的灵魂，无论是做人还是唱歌，首先要讲“真诚”。

后 记

记得，在访谈中高老师一直强调，在校打好基础，毕业后进入职场是第二次学习，这也是更重要的学习过程。这些年，她一直对在专业上继续打拼的学生们牵挂在心。她对孙秀苇、汪燕燕、李怡萍、迟立明、张莉等多位学生，无论在国内外，十几年下来，不停学习新剧目，抓紧过语言关，过严格自律的“清教徒式”的艰苦生活，不断地开各种音乐会，表示很佩服。高老师深知，这些学生顾着生活的同时，还要保持高水平的专业舞台生命，是多么不容易。高老师很为她们激动，她将和这些学生保持联系作为她晚年最大的快乐。