谈瓷画与国画同根同源——兼谈我创作瓷上花鸟画的体会

彭华柏

“国画”一词起源于汉代，主要指的是画在帛、绢、宣纸上并加以装裱的卷轴画。国画的发展脉络是这样的——汉代，以人物画为主，绘画的目的是“成教化，助人伦”；山水和花鸟开始萌芽。唐代，以人物画为主，主要表现贵族生活；山水和花鸟趋于成熟；宋代，山水画、花鸟画成为了主流，原因在于文人士大夫参与绘画，以诗、书、画、印相融的崭新的艺术表现形式抒怀、言志，把山水画、花鸟画推上了主流；人物画退为其次，以表现世俗生活为主。元、明、清三代，水墨山水和写意花鸟发展迅速，人物画以风俗画为主。

“瓷”一词最早见于汉代，指瓦器，出自许慎的《说文解字》——“瓦器，从瓦次”。瓷的发展脉络是这样的——真正的成熟的制瓷技术在唐代，南方有以浙江越窑为代表的青瓷，北方有以河北邢窑为代表的白瓷，史称“南青北白”。宋代出现了汝、官、哥、钧、定五大名窑，把色釉瓷推向了高峰。元代，景德镇窑创烧了青花瓷，“打破了以往青瓷、白瓷等只靠釉面装饰，或在胎体上刻、划、印、剔花的装饰局限，用其传统的笔绘手法，在白地之上用蓝色图饰陪衬起来，与中国传统水墨画有异曲同工之妙”，开启了中国瓷器由素瓷向彩瓷过渡的新时代。元以前，瓷只以釉装饰，元、明、清三代，彩绘瓷跃居主流。

彩绘瓷，把瓷与国画紧密地联系了起来：国画有人物、山水、花鸟三科，彩绘瓷也有；国画有工笔、写意之分，彩绘瓷也是；国画用笔能“墨分五色”，彩绘瓷也做到了……因此，人们将彩绘瓷上装饰的纹饰称为“瓷画”，因为“瓷画”与“国画有异曲同工之妙”。

彩绘瓷起源于元青花，谈“瓷画与国画同根同源”这一话题，自然应从青花瓷说起。

青花瓷不仅引用了国画的笔绘手法，而且将国画引入了瓷中。请大家跟我一起赏析几件青花瓷：

1、湖北省博物馆收藏的《元青花四爱图梅瓶》（2006年出土于湖北省钟祥市郢靖王墓）

此瓶，高38.7厘米、口径6.4厘米、底径13厘米，以青花满饰。瓶体从上至下的纹饰分别是：

1）、肩部三层纹饰——①双弦纹、卷草纹、双弦纹，②寓意“美好、光明、幸福”的“凤穿牡丹”纹，③双弦纹、锦带纹、双弦纹；

2）、腹部绘主题纹饰——在四个海棠形开光内分别描绘了从中华传统文化中提炼出来的“王羲之爱兰”、“陶渊明爱菊”、“周敦颐爱莲”、“林和靖爱梅、鹤”之名人故事《四爱图》，开光外的空白处用以上下完全对称的三角状祥云纹点缀；

3）、足部三层纹饰——①双弦纹、卷草纹、双弦纹，②莲叶纹，莲瓣内绘有垂叶状祥云纹，③双弦文。

《四爱图》是中国人物故事的经典题材，讲述了中国古代名士隐居山林、享受闲适生活的故事，反映了文人雅士生活和爱好。其构图，采用了国画的传统形式——以山水为背景，烘托人物的高雅志趣。画中人物与山水互相依托、浑然一体，是绘画和瓷器烧造工艺融合的杰作。

2、北京故宫博物院收藏的《清康熙青花山水人物纹盖罐》

此罐，高23.7厘米、口径23.1厘米、足径14.2厘米，以青花满饰。装饰纹饰分别是：

1）、罐盖——主题是“春江独钓”，描绘了一位老翁在山中水边垂钓的情景，采用了山水画的“平远”和“深远”构图。

2）、罐体——主题主“文人雅聚”，描绘了三位文人高士在山中水边观景畅谈的情景，采用了山水画的“三远”（平远、深远、高远）构图。

以人物点缀山水画是国画最常用的表现手法，既表现了大自然的生态环境之美，又折射了人类的社会生活。

罐中画面具有水墨画的艺术效果，“其精湛的绘画、墨分五色的青翠青花的发色和盖罐一体的别致造型，成为清康熙朝青花民窑的精彩绝唱”。

3、常熟博物馆收藏的《明青花一束莲纹盘》

此盘，高7.7厘米、口径40.1厘米、足径36.5厘米，以青花满饰。装饰纹饰分别是：

1）盘内壁的装饰纹饰，从盘口沿至盘中心分别是：海水纹、缠枝花卉、弦纹、一束莲纹。

2）盘外壁的装饰纹饰，从盘口沿至盘足分别是：卷草纹、缠枝花卉、回纹。

盘内壁中心的主题纹饰“一束莲纹”，具在国画的两个显著特点：①采用了花鸟画最传统的“折枝花”构图形式，“把盛开的莲花、翻卷的荷叶、落花的莲实、欲放的花苞茨菇叶，红蓼草用锦带系在一起，组成一个圆形的适合纹样”；②采用了花鸟画“借物寓意”的表现手法，体现了统治者推崇“清正廉洁”的思想。

通过赏析上述三例青花瓷，我们可以从中得到这样的结论——青花瓷上装饰的纹饰，无论是人物画，还是山水、花鸟画，都与国画一样承载了中华传统文化、折射了人类生活、表达了思想情感，都遵循了国画的理论思想，都引用了国画的表现手法，就是画在瓷上的国画，它们是同根同源的。

我是一位陶瓷艺术工作者，选择了彩绘工艺，选择了花鸟画科，在瓷上创作花鸟画很多年了。多年的创作经历，让我从中获得了不少体会：

1、陶瓷彩绘工艺的独特性，使得陶瓷艺术工作者，不能盲目套用国画技法，而要探索将国画技法适应陶瓷彩绘工艺。

1）、由于瓷与宣纸的吸水性不一样，特别是陶瓷彩绘还有釉下（在坯胎上作画）和釉上（在瓷胎上作画）之分，坯胎与瓷胎的吸水性也不一样，因此，从事陶瓷彩绘的艺人要对以下几个方面下功夫探索研究：①调制颜料时干湿度的把握，②下笔前毛笔饱蘸颜料多少的把握，③绘画时运笔速度的把握。这三点决定了你能否在瓷上完美地呈现画作。

2）、由于瓷与宣纸一个是立体器，一个是平面物，因此，在瓷上绘画与在宣纸上绘画的构图不尽相同，特别是将国画移植入瓷的时候，构图要有相应的变化，因为在瓷上绘画，是要依瓷器的器形和器势构图的。

2、瓷器具有艺术与商品双重性，陶瓷艺术工作者在创作时，不能只考虑个性风格，而要关注百姓的审美情趣，平衡好个性与共性的关系，使之既能体现自己的艺术个性，又能满足百姓的审美情趣，让艺术性与商品性共存一体。解决这一问题，我采取了两条腿走路的方针：

1）、坚持自己的个性风格，创作能与他人产生思想共鸣和艺术共鸣的作品。

2）、根据大众的审美情趣，创作满足大众审美需求和精神需求的作品。

举两例：

我之《梅花图》和《玉堂柱石》坚持了自己的个性风格。我喜欢用梅、兰、湖石组图，梅有“冰清玉洁”之质，玉兰有“玉堂富贵”之美，湖石是装点庭院的佳品，将它们融合在一起，既能表达我的思想追求，也能再现庭院一隅之美。其实，梅、兰、湖石也是国画中花鸟画常见的题材。

我之《秋鸣》选择了满足大众审美情趣。作品以秋枝、秋叶、鸟雀组图，是国画里最常见的题材，构图也采用了国画中最传统的折枝花形式。这是大众喜闻乐见的题材，也是大众最熟悉的构图形式，更是大众一眼就能看明白其中文化内涵的作品。

3、我曾就读于景德镇陶瓷学院，系统地学习了国画知识和陶瓷彩绘工艺，深知要做一个优秀的陶瓷艺术工作者，是必须国画能力和陶瓷彩绘技艺齐头并进的，因为它们不仅同根同源，而且可以相互影响、相互促进：

1）有国画基础，在瓷上作画，有很多问题可以迎刃而解。

2）有瓷画经历，对创作画国会有促进，比如，立体瓷器都是挺拔向上的，在其上作画多了，自然会养成营造蓬勃向上之势的构图习惯，当这种习惯入骨了之后，创作国画时蓬勃之气自然而生。再比如，由于瓷器体表的绘画范围有限，在其上作画多了，自然会养成精益求精的构图习惯，因为多一物会有拥挤感，少一物又会太空洞，习惯入骨了之后，创作国画时构图也会自然精致。