钢琴演奏中歌唱性能力的培养探究

◎朱雅雯 （安徽大学）

在音乐的世界里，钢琴以声音的洪亮、音域的宽广、音色的细腻、力度的变化丰富闻名，被誉为“乐器之王”。钢琴的表现力极其丰富，可与乐队媲美，所以对演奏者的音乐素养、演奏技法、人文历史等等要求也颇高。每位钢琴学习者都要重视歌唱性这一重要的课题。本文从钢琴演奏的歌唱性的培养方法为切入点，对提高钢琴演奏的方法进行细致的阐述，使他们通过对音乐作品的创作背景、情绪、格调、思想和人文的理解，陶冶钢琴学习者对音乐艺术世界情操。笔者希望对完善这方面的探究做出一些贡献。

一、钢琴演奏中歌唱性的培养研究

在钢琴教学中，要使学习者从分析理解作品入手，全面掌握作品的风格，必须从大到小即时代背景、作曲家的生平以及创作环境充分的去把握作品，再从小到大即每一个音、每一个乐句、每一个段落篇章去表达作品，以充分的发挥钢琴艺术的表现力。

在弹奏一首作品之前，首先要对作品有深刻的理解，必须了解作品所内含的感情和背景，以及作品中曲式结构以及乐句的旋律走向，再去选择用什么样的触键方式去弹奏作曲家想要的表达的思想感情。

（一）作品风格的把握

在钢琴演奏中，演奏者第一步便是对音乐的整体风格特征作出准确的判断，从而对音乐作品进行理解与剖析。

音乐的风格随着历史时期的变化而不停的改变着，但是这些改变是持续不断的，这样，任何一个风格时期与另一个风格时期的分界线往往很模糊。虽然也存在一些突然转折点，但是通常都会在早期的作品有所预示。所以每一种时期的音乐风格都是互相联系，相互依存的，不存在独立的个体时期。

作品的风格与作曲家所生活的时代国家民族与人生阅历有着密不可分的关联，因此在世界的相同的地域或是同一时期的某些作曲家所创作的作品往往有类似的风格，但是即使是同一国家和同一时期的作品也能形成个性化的表达方式。

在把握作品风格时，首先要了解作曲家的创作背景与生平，从大的角度去分析一首作品，其次再剖析该作品的主要感情是欢快的，悲伤的，活泼的，还是沉稳的，其想表达的内容是慷慨激昂、凄清哀怨或是优柔典雅……节奏是短促有力的或是缓慢抒情的，这些都需要演奏者在学习时进行深度探究并熟练掌握。

例如巴洛克时期音乐是指深受16世纪末至18世纪中叶这段时期建筑和美术等艺术风格的影响下的音乐时期，这个时期的音乐带有浓厚的宗教色彩，其代表人物有巴赫、亨德尔。古典主义时期的风格可以有以下几个方面：旋律追求优美动人的气质，倾向于整齐对称的方整性乐句结构，与市民舞蹈及民间音调联系更为紧密，段落或乐章有更加明确的终止式。其代表人物有海顿，莫扎特，贝多芬他们都受到欧洲启蒙主义思潮的影响，创作出带有人文主义的思想作品，追求美的观念、强调风格的高雅，给予人们乐观向上的进取精神。

当钢琴学习者对作品的风格有了一定的掌握后，可以很明确的运用相对应的情绪去学习钢琴作品，更准确用歌唱性的音乐去表达作曲家内心所要阐释的心境。

（二）作品的曲式分析

“曲式类似于写文章的章法，音乐也像写文章一样，是一句一句、一段一段的，句与句段与段之间要环环相扣。”①音乐作品都有自己的主题，主题代表着主要乐意，乐意如何一步步展开，发展，经过怎样的过程都要符合一定的规律。钢琴学习者在研究曲式的时候其实就是在研究这些规律和逻辑，这样才能在演奏时表达出好的音乐艺术。

（三）作品旋律的走向与分析

整个旋律线中情绪起伏的形成与整首乐曲的特性和气氛密切相连，每个旋律线条都组成完整乐句。乐句是乐曲结构的基本单位，在弹奏每个乐句时，同歌唱一样需要有呼吸。重复的乐句在演奏上一定要有变化才能产生出好的艺术效果。肖邦巧妙的利用同音反复突破了钢琴不能演奏持续音这一难题。在他的旋律中，精致的装饰——回旋音、装饰音、过渡句——魔术般的将这些音延长了，很自然地将音乐旋律歌唱出来。

旋律的走向有上行、下行和平行：上行表示紧张急促，下行表示松弛和舒缓，而平行则有两种截然不同的表示，在稳定音上，会显得更加稳定。但是若在不稳定音上，会显得更加不稳定，呈现出一种僵持的状态而急需上行或下行级进的解决。总的来说，旋律的平行走向对该旋律有强调和加重语气的作用。

笔者以《贝多芬第二十一奏鸣曲》的主部为例。第一个乐句由两个动机组成，其中第一个动机就是2个小节持续的主音和弦组成，但是最后2个和弦变成主音的上行级进和弦。这种旋律的进行不仅为开头的动机增添了一些不稳定的因素，同时也在贝多芬揭示大自然的意境中拉开序幕。

二、钢琴演奏中歌唱性的培养方法

笔者认为在学习钢琴歌唱性方面要从小的乐句训练作为首要任务；其次就是去探索不同的触键方式会带来什么样的音色效果，哪一种音色效果是更能表达出作曲家的意境；最后去探索对作品有了一定的了解后，演奏者在钢琴演奏过程中对作品又能激发出什么样的情感碰撞。

（一）钢琴演奏中乐句的歌唱性训练要点

音乐的进行首先要有句子，即乐句。乐曲就和人说故事一样，需要把一个个音符组成词语再组成句子，才能表达人们的思想感情。所以歌唱性的培养要从乐句开始训练。

1、分句

分句的方法有如下几种：根据和声终止式来确定乐句结尾；根据动机、节奏张弛乃至整个旋律线中情绪起伏来确定乐句；一般乐句都是由规则的二、四、八小节构成的，可以根据规律来做划分乐句的参考。在弹奏每一个乐句时，像歌唱一样必须要有呼吸。重复的乐句一定要产生变化，才能有较好的艺术效果。钢琴学习者在学习钢琴中的歌唱性能力时，不仅要多听多看钢琴演奏的音频与视频资料，也需要多去学习参考声乐演唱的乐句划分。很多的乐句划分可以用唱的方法去做分析。

2、乐句的句头、句尾处理

乐句的开头是非常重要的，在演奏时，演奏者一定要将句头表达得非常清晰，根据乐句的要求，可以强，也可以弱。乐句的结尾大多数情况要表现的轻柔一些，除非是渐强的乐句，或是明确在乐谱中表明需要强音结束的乐句，其他情况最好在句尾去表现具有收束感的终止。

3、乐句之间的呼吸

“钢琴乐曲之间的呼吸是利用手腕的提起和落下来表现的，每一个句子的开始手腕要有一个准备动作，如同歌唱中的吸气，落下的时候要清晰的表现出句头。”②句尾的收束感可以通过手腕自然提起去演奏，可以表现出轻柔的音色。

概括起来说，音乐均是起伏动人的。所以在对每一个乐句做歌唱般的细致处理时：要用合理的弹奏方法；在细致分析和理解的基础之上，让每一个乐句中的每一个音都带有圆润、充满共鸣的音色。

（二）钢琴演奏中触键与音色的把握

掌握良好的发音是钢琴歌唱性演奏的前提，如何用科学的演奏技法去表达歌唱性的旋律，是每位钢琴演奏者与学习者的重要功课。

基本的触键方式有：断奏、非连奏、跳奏、半连音奏法和连音奏法。其中连奏是弹奏歌唱性旋律时使用较多的方法之一，也是最难的奏法之一。手指要把这种连音演奏出来，即下一个音谈下去同时前一个音手指抬起，这两个动作是同时进行的。如若下一个音谈下去后前一个音手指才抬起，声音旋律会变得模糊不清，也就是通常在教学上说的“手指触键不干净”。如若下一个音谈下去前，前一个音已经抬起，那么旋律线条会变得不连贯，句子中间有断开，会影响句意的表达。所以演奏者在谈连奏时，要保持身体、肩膀、手臂、手腕的高度放松，要运用力量转移的方法，使手臂的重量通过富有弹性的手腕以及手腕和掌关节的缓冲稍作控制的落在指尖上，并把力量从一个指尖转移到另一个指尖上。好的钢琴弹奏连音，主要依靠余音、延音、泛音来发出共鸣音。因此，钢琴演奏者在演奏钢琴时需要尽量的把连奏中每个音谈的充实和圆润些，这样才能获得优美流畅的音乐效果。各种触键方法的运用也都是建立在乐曲本身的情感表达之上，并不是孤立地运用，而是综合运用从而产生出丰富多样的音色。

笔者再以朱践耳的《流水》为例，该作品是根据云南大理白族自治州弥渡县民歌《小河淌水》的音调为素材而作，又保留了中国古琴曲的艺术特点。作者为探索中国文化复调音乐方面做出了不可磨灭的巨大贡献。该作品在首段中的高声部选择了小河淌水的主题旋律，以两个小节为一个乐句，钢琴学习者在演奏时，需要选择用指腹触键，用大臂的力量突出旋律音，下面的声部需要控制音量，手指轻轻地带过。第二段中的右手和弦同样在表现主旋律，可以采用明亮音色，刚毅果敢的去演奏。演奏者在演奏时需要突出和弦中小指控制的旋律，可以用手臂带动的方式，将手臂的力量传递到小指指腹，加以强调。左手采用环绕式的分解和弦作为背景音乐，需要将音量缩小，但又要保持一定的清晰度。

（三）钢琴演奏中歌唱性情感的表达

音乐是听觉的艺术，在理解了乐曲的风格特征、作曲家的生平以及创作背景之后，演奏者首先要去充分的表达作曲家想要表达的心境，此外还需要加入个人的情感表达。每位演奏者弹奏的音乐不会是千篇一律，而是和自己学习音乐的经历、人生阅历和对音乐的感悟有直接的联系。

只有由内心发出的音乐才是有灵魂的音乐，因为心是歌唱和感情的源头。只要有了深刻和丰富的内心体验，又有了综合的演奏技法和修养，就可以弹奏出美妙动听的歌唱性乐曲。

钢琴演奏家傅聪曾谈到“钢琴演奏必须要真，要真正有感，要全心全意进入作曲家的内心世界。”钢琴作为表现力极其强烈的乐器，它可以独立的表现丰富的情感强度和幅度。所以，在演奏作品之前要了解作曲家的生平，创作背景以及体会作者的思想感情极为重要，可以说，这是学习乐曲的第一步。当然在平时的教学中，教师就应该潜移默化的引导钢琴学习者对历史人文的学习，建立起他们对祖国、亲人、以及世上一切美好事物的真挚之情。

注释：

① 吴秉旭.谈钢琴歌唱性演奏的技能培养[J].四川戏剧,2009,(06).

② 吴建琴.浅谈钢琴演奏歌唱性的培养[J].黄河之声,2012,(10).