双钢琴作品演奏中交响化演奏思维的应用——以拉威尔的《大圆舞曲》为例

邢颖

（宿州学院音乐学院，安徽宿州234000）

双钢琴作品演奏中交响化演奏思维的应用
——以拉威尔的《大圆舞曲》为例

邢颖

（宿州学院音乐学院，安徽宿州234000）

双钢琴是由两位或两位以上的演奏人员操纵两台钢琴同台演奏。双钢琴演奏形式特别，对演奏人员之间的协作能力要求非常高，声部细节方面的表现非常复杂，而其所包含的信息量庞大，声音异常复杂，声部的数量极多，非常注重表情细节，这些都是其他钢琴演奏形式无法相比的。以拉威尔的《大圆舞曲》为例，通过对双钢琴演奏中交响化演奏思维的应用进行了研究及分析，阐述双钢琴版本的交响化音响效果的特点、作曲家的创作意图以及演奏方式，从而在双钢琴演奏中使演奏者用交响化的思维进行配合，准确地诠释作品。

双钢琴；大圆舞曲；交响化演奏思维；应用

双钢琴作品的形式与演奏手法都非常复杂。主要是因为两台钢琴同台演奏时，音区会重叠反复，在钢琴上模仿演奏其他乐器音色，给钢琴的演奏增加了难度。钢琴属于单音色乐器，在演奏多声部作品时，如果没有熟练的演奏技术，没有分析作品的音响，定然会受到单一音色的局限和束缚，达不到理想的演奏效果。所以用交响化的演奏思维去演奏双钢琴作品，才能赋予钢琴更生动丰富的表现力。

一、双钢琴音乐的演绎

双钢琴就是操纵两架钢琴共同演奏，在钢琴演奏中属于一种非常特别的音乐表现方式。同其他表演形式的钢琴作品相比，广为流传的双钢琴形式作品少之又少，但是流传下来的双钢琴作品基本都是出类拔萃的经典艺术，因此很多演奏者对这些流传的双钢琴精品展开了研究和分析[1]。

创作乐队形式的音乐作品时，音乐创作者通常从两点切入：其一，从音色层次着手，对多种不同乐器音色进行比较，并将其融合在一起，赋予音乐更丰富的音乐层次，使音乐更加动听、迷人，充分展现其音乐的魅力；其二，借助一定数量演奏人员的表演，从中捕捉更加丰富的、延伸的音乐细节构造和乐曲的内声部，从全新视角开拓音乐创作和展示手法。

钢琴属于单一音色类型的乐器，可以独自完成从低音到高音区的全部音域，将每个音区音色进行统一，这是该乐器独有的特性。乐器组在演奏过程中，只能演奏出一个六个音的和弦，而钢琴演奏时，能够同时演奏高达十个音符。很多时候钢琴可以独自完成六个音符和弦，演奏者双手必须灵活熟练才能完成。双钢琴作品中，钢琴自身包含的音乐相当于乐队的多声部，且每个声部之间都有比较独立的交响化音乐特征，就如同一个缩小版的乐队。在演奏双钢琴作品时，需要演奏者了解各种乐器的不同音色和具体的弹奏方法，既要有超高的演奏技术，还要相互间无比协调的配合，才能去模拟乐器音色，通过钢琴正确地表现出来。因此双钢琴的创造与演奏都有极高的要求，使得流传下来的作品都非常优秀且有极高的艺术价值[2]。

二、双钢琴作品中交响化思维的应用原则

拉威尔是印象派的代表人物，比较注重管弦乐的音乐色彩。不但是一位优秀的钢琴家，更是位优秀的作曲家。他对钢琴非常热爱，有大量的乐队作品都是在同名钢琴或双钢琴作品后才出现[3]。其所创作的乐队作品大都是为双钢琴作品做配乐之用，都是按照原有钢琴音乐思维建立的。拉威尔创作的钢琴独奏与双钢琴版的《大圆舞曲》首发时间是在1920年，乐队版首发则在1921年，都是由巴黎Durand&Cie.出版公司发行。本文将《大圆舞曲》作为研究对象，对双钢琴交响化思维的应用展开分析，所参考的是Durand&Cie.公司的首版乐谱[4]。

音乐创作者使用交响化音色思维处理作品的原因如下：首先，对一个出色的音乐创作人而言，在所创作完成的作品中，各个音色都是其深思熟虑、反复修改后慎重添加。因此所有音符都有一定的价值和存在的理由，每一个不同的声部都体现了各自的音乐思维，进而出现了不同风格的音乐色彩。将这种色彩反复重叠使声部充满丰富的层次，这也是演奏双钢琴音乐运用交响化思维的原因。处理双钢琴作品时，如果只注重钢琴的音色，也可以将完整的作品演奏出来，但是对音乐创作人给予作品中每个声部的色彩思维完全忽视，必定会造成音乐表现不足，没有任何精彩可言。通过对作品的详细研究和分析，可以看出，合理的层次划分才能正确运用交响化乐器思维。对每个声部特色逐一展开研究分析，找寻该音色的属性，通过分析再进行演奏，才能实现每个声部都层次分明、所有声部之间的对比效果增强的目的。以下四种是声部层次属性的主要分析方法：

（一）利用声部的音域特点找到该声部的音色属性

双钢琴版的乐谱中，如图1，在前11小节的低音全部介于大字组和大字一组间的极低音域。而对于这种极低音域仅有低音大管、大号和提琴可以完成，一般情况下极少使用低音大管与大号。对乐谱中一台钢琴的两个声部演奏震音进行思考，这种快速交替音色的演奏方式，低音管乐器不能很好地完成。所以将这种低音声部归类于低音提琴音色属性。在乐队总谱中，这种低音声部可以同时运用三把低音提琴分别演奏震音，其音响效果比较浑厚、匀和，而每个音之间连接部分比较模糊，主要用于铺垫与渲染气氛。所以在双钢琴的具体演奏中，我们应该尽量地去想乐队演奏时的各种乐器的音色，这样弹奏出来的声音，层次才会更加丰富，并且这对于提高演奏水平，增强表现力有重要作用。在这首圆舞曲中用钢琴对低音声部模仿提琴音色时，脑海里要进行想象，这样才能弹出正确的音色。弹奏这部分的时候就必须减缓手指落键速度与力度，才能使音色更趋于轻柔。在双钢琴演奏中想要增强乐队化的效果，需要搭配踏板共同演奏，可以保持音响，增强喧嚣的气氛，获得与低音提琴音色相同的音响效果，这样就形成了一个音色层[5]。

（二）根据声部音型的特点判断该声部的音色属性

如图2所示的是从三连音开始的八分音符琶音，用圆润的滑线贯彻全部的琶音节奏形式。曲子中的琶音音域几乎可以跨越16度，且整个音域超长连续，具有这种音色特点的乐器，木管与铜管乐器都不能胜任；此处琶音的音域比较低，如果使用竖琴进行演奏，其音响效果也不突出，所以对琶音色彩进行分析，可以使用低音弦乐器将该种音色展现出来。低音弦乐器的是音色属于温暖型、整个音域布局宽阔，对这种连续性有极高要求、跨度大的琶音非常适合，这种琶音可以用大提琴的音色进行想象。演奏时，要用心去感受伴奏与和声在一起的音响效果，音乐的表达是否正确取决于双钢琴者的听觉和乐感是否一致。在该圆舞曲演奏时要注意，钢琴模仿的大提琴音色要和稳定节奏音色有对比，做到有层次。琶音部分杜绝使用过度的颗粒感触键方式，音响必须连接，配合踏板使和声进行下去，这样可以强化、突出整体音乐的立体感[6]。

图1 拉威尔大圆舞曲双钢琴曲谱

图2 拉威尔大圆舞曲双钢琴曲谱

（三）不同主题的交替对比，提高层次清晰感

图3 拉威尔大圆舞曲双钢琴曲谱

图4 拉威尔大圆舞曲双钢琴曲谱

图3 中的主题主要以和弦形式表现出来，同时节奏相对更加独特，本应该处于三拍的曲子在该主题中的第一乐句就变为了双数，换句话说就是每个小结存在两个节拍。但演奏到第二乐句时，两个钢琴又开始重新以第三拍子开始。如此单双重复的改变，表现出了现代音乐演奏过程中的复杂性[7]。同时该曲谱的旋律主要通过倒弧式的方法展开，由此也能够表现的更为积极、流动，并使整首乐曲更加丰富。随后主题则是由三度双音的手法表现出来，节奏存在较为明显的拉伸现象，并伴随较为明显的变化。此时旋律主要以跳进作为主题，起伏也相对更大，最后上扬的句尾也使整个部分变得更加生动。在演奏时，旋律线条与伴奏音响要弹出区别，让观众清晰听出乐曲的旋律。在双钢琴作品中，乐句的表情需要两个钢琴之间的配合完成，所以每个钢琴要清楚自己要表现的音色特点。

（四）通过表情记号强化层次感

乐谱中有一些不同的表情记号介于每个声部之间，演奏时要特别注意，这是音乐创作者划分层次最为常用的一种标记。通常情况下，音乐演奏过程中所有的声部都遵循统一步调、平衡协调的标准和原则，使整个音乐表现得更和谐，很多作品在处理这些声部之间的表情时基本类似，有的达到百分之百[8]。但有的因音乐的缘故，想要突出独立一处音乐语言的重要，或特意使用不同的声部、使用完全不同、相反的表情标记，突出某一声部，将声部中鲜明的层次感在整个音乐中更加凸显和增强。第二钢琴在演奏琶音时，将一个小节分成一个单独的区域，开始有规律的反复转变，逐渐增强或减弱；将第一钢琴左手声部的每个小节按照规律进行逐渐增强；而将该钢琴右手声部依照高音声部的旋律开始要突出线条性并将一到两个小节作为表情变换区。

从图4来看，以单簧管与低音提琴声部叠加代替第二钢琴声部出现的琶音进行层次铺垫，而用大提琴和声支撑声部展现出第一钢琴的左手声部，将小提琴、中提琴与大管演奏代替第一钢琴右手声部的旋律。经过分析思考，所有的层次都有了自己的特征，这可以使音响更加丰富，各声部的特点更加鲜明。在相同的力度下，依然要突出每个声部的特征，在演奏中，不但要控制自己声部的声音，还要配合其他声部的音乐需求，只有相互兼顾，才能正确表现出音乐所表达的内容。

双钢琴演奏交响化思维的切入点不止以上四点，所包含的内容很多，在演奏中两个钢琴的弹奏者需要进行分析沟通，要在作品内容风格、音响等方面达成统一的意见。演奏双方要清楚在什么时候需要强调表现自己的声部音色，什么时候需要烘托另外声部。在具体演奏中，踏板也需要正确运用，增强作品的音乐表现力。

三、结语

综上所述，通过对拉威尔《大圆舞曲》双钢琴作品的交响化音色分析，为以后的演奏中形成固定的交响化思维起到了促进作用。钢琴作品既是单一的又是多变的，但通过交响化的思维模式演奏出来，充满了交响化般的音响效果和气势。在双钢琴演奏过程中融合交响化思维，不是在演奏中加入一些创新元素或其他物质，而是在双钢琴中深入挖掘或创造出差异化的演奏手法和技术，突出更有特点的音色，使音乐充满变化和层次。这种模式以绝对忠于作品思维为基础，采用准确的、合适的手法充分展示出更多、更分明的层次感，使钢琴演奏更鲜活、更具特色充满感染力。

[1]孙胜华.勃拉姆斯交响曲中的音程结构原则——以《第一交响曲》第一乐章为例[J].星海音乐学院学报，2015（4）：70-80.

[2]赵扬.双钢琴在指挥专业教学中的演奏心得[J].天津音乐学院学报，2015（4）：105-115.

[3]赵扬.贝多芬《爱格蒙特》序曲双钢琴版演奏初探[J].当代音乐，2016（5）：60-63.

[4]丁姗姗.双钢琴演奏中“交响化”思维之探究[J].艺术研究，2015（3）：192-193.

[5]雷霙.拉威尔钢琴作品中的新古典主义风格与器乐化音响效果的演奏法——以《高贵而伤感的圆舞曲》为例[J].音乐创作，2015（10）：162-164.

[6]张霞.浅谈双钢琴教学对学生学习能力的培养[J].大众文艺，2011（14）：226-227.

[7]赵赟韵.双钢琴之旅——拉赫玛尼诺夫作品45《交响舞曲》演奏札记[J].钢琴艺术，2012（2）：21-23.

[8]张爱民.双钢琴演奏的美学意义[J].大舞台，2014（10）：101-102.

On symphonic Thinking in Double Piano Works：A Case Study of Maurice Ravel's La Valse

XING Ying
（Music College，Suzhou College，Suzhou，Anhui 23400）

Double piano is played by two or more players playing two pianos on the same stage.Double piano is a special form of performance.The ability to collaborate between the performance requirements is very challenging and the details of the performance of the sound are very complex.Besides，large amount of information is contained and the sound is very complex with many parts. Based on a case study of Ravel's great waltz，the author explores the double symphony in piano playing thinking and application of trying to expound the double piano version of the symphony sound effect，the intention of the creation of the composer and the characteristics of style，playing to make in the double piano performer with a symphony of thinking to cooperate，accurate interpretation of works.

double piano；great waltz；symphonic playing thinking；apply

J62

A

1671－9743（2016）12－0091－05

2016-12-05

邢 颖，1982年生，女，安徽宿州人，助教，研究方向：钢琴演奏与教学。