油画形态的演变研究

陈幼林

(云南工艺美术职业学院，云南 昆明 650223)

油画形态的演变研究

陈幼林

(云南工艺美术职业学院，云南 昆明 650223)

现代艺术兴起以后，油画的本来面目变得越来越模糊，油画的命运也因此而让人无从把握。但无论怎样变化，油画依然在原来的路径依赖中传承自身的本质和语言特征。从油画发生学的历史角度而言，油画就是为了“再现”而产生的，为了再现油画与科学技术结缘，最终征服空间和造型。技术时代与后技术时代给油画的生存带来了挑战，从摄影、印刷技术到数字传媒，尽管使油画边缘或不再成为中心，但它的“油性”、“手绘性”和“再现性”的历史惯性依然没变，仅仅是被载体的所指和审美关照的部分发生了变化。

油画；形态嬗变；现代语境

一、物色之美：从形态学看油画本质

事物的“形态”即事物的形状或表现，也就是事物实际存在的样子。相对于“本质”而言，形态是客观具体的，是可以被直接观察和把握的。亚里斯多德提出的艺术形态学分析的根据有三点：摹拟的媒介、摹拟的对象、摹拟的方式。前苏联美学家莫·卡岗进一步提出艺术形态分析的两个原则，即本体论原则和符号学原则——前者说的是艺术的物质存在形式，后者说的是艺术表达内容的具体方式。在这两种原则中，“以艺术物质存在形式的差异为基础的艺术分类的本体论原则，应该成为首要的和原初的分类原则。”[1]

我们知道，油画正是依据“艺术物质存在形式的差异”而划分出来的一个绘画种类：“‘油画’这个名称已清楚地告诉我们：它是采用了油性物质作为粘着颜色的媒介……简言之，油画可以理解成用油性颜料覆盖在画布平面上的艺术形式。”[2]着眼于油画的物质存在形式，油画是一种用透明的植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。虽说中国古代的漆器也以植物油调和颜料描绘图案，但作为一种艺术性（塑造艺术形象）绘画形式的油画却起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。大约自15世纪以来，首先是文艺复兴时期的意大利画家在传统蛋彩画的基础上寻找更为理想的调和剂，开始尝试用各种油料调和颜料，但一般认为15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上，用亚麻油和核桃油作为调和剂作画，致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。其后，油画技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。

既然油画就是这样一种“用油性颜料覆盖在画布平面上的艺术形式”，要驾御这种艺术形式就不能不首先熟悉和了解它的物质基础。马克思曾经说过，物质世界有其诗意的光辉。中国古代文论家刘勰在《文心雕龙》中也曾写道：“物色之动，心亦摇焉，……物有其容”。据此，完全可以这样说：油画所特有的物质材料中就蕴涵着耐人寻味的“诗意”和“容色”，而油画的魅力在很大程度上正是来自画家对这些“诗意”和“容色”的领会、利用和发挥。实际上，历史上的那些油画大师之所以能在作品中充分展示油画的魅力，一个重要的原因就是，他们不仅特别能领会油画材料的“诗意”和“容色”，而且往往还对此进行了深入的研究和探索。中国有一句古话叫做“工欲善其事，必先利其器”（《论文·卫灵公》），油画的发明本身就足以说明一个重要的事实：西方艺术家极其重视对绘画物质材料的研究和开发，寻找新的更富于“物色美”的物质媒介，在他们看来乃是艺术家的本分。据笔者所知，许多西方油画家无法容忍一个油画家竟然搞不明白自己所用的材料究竟有着怎样的性质性能的这样一个事实。譬如，上个世纪80年代初，被请到国内传授古典油画技法的依维尔先生，就坚持画家亲自研究和制作每一种绘画材料，上他的学习班的中国学员需要花费大量的时间和功夫去亲自研磨颜料和炼制各种调和油。正是在这类看似与艺术无关的枯燥乏味的工匠活里面，他们逐渐领悟了油画的奥秘，发现了那些隐藏在物质材料里边的难以言喻的“诗意”和“容色”。

从某种意义上说，抓住了某种绘画种类或形式的分类根据也就抓住了它的本体特征，这无疑是我们学习、掌握绘画艺术首先应该去了解和把握的东西。然而，中国油画在过去几十年间却几乎是完全忽视了对油画进行本体论意义上的探讨。正面接触油画的本体形态大约是在80年代中期，从那时起中国油画开始向本体回归。但人们对这次“回归”的看法一开始就有分歧，时至今日，也仍然是“仁者见仁，智者见智”。一些学者担心过分强调油画材料技法，会使艺术家失去人文关怀和社会责任心，从而使油画沦为毫无精神性可言的手艺；另外一种普遍的看法则认为油画材料技法为“行画”提供了手段，助长了艺术的媚俗趋向，等等。正是在这种背景下，涉及油画本体的那些话题就往往被罩上了一层可疑的色彩，甚至成为一种禁忌。其实历史事实已经证明，认为关注物质就会忽视精神完全是一种中国式的担心，西方历史上的许多大画家都曾经深入地研究和实验过绘画材料，如达·芬奇和前面提到的尼德兰画家凡·爱克兄弟等。

二、为写实而生：从造型看油画语言

从历史的角度看，油画在某种意义上是专门为解决写实造型的问题而发明出来的。用油性物质作为颜色的媒介来作画的历史相当早，但真正的油画是在文艺复兴时期才形成的。贡布里奇在《艺术与幻觉》一书中指出，西方造型艺术从古希腊时代开始就具有追求幻觉真实的传统，文艺复兴绘画显然恢复了这一传统，并进一步谋求在平面上再现三度空间的立体形象，绘画因此而承担起了远较过去复杂的造型任务。[3]然而，在文艺复兴以前，绘画主要是直接描绘在墙壁上，粘着颜色的媒介是Tempera（用蛋清或蛋黄与水混和而成的乳剂），这种材料干燥速度极快，遮盖性能差，难以胜任文艺复兴时期画家所面对的造型任务，于是，寻找一种经得起深入刻画的材料就显得十分必要了。油画正是在这样的背景中产生的。于此可见，正是油画发展初期的历史条件奠定了其早期的写实倾向。欧洲文艺复兴运动中人文主义思想出于对宗教的批判，有着关注社会现实的积极要求，许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的真实的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，即便是宗教题材的作品，也明显地含有现实的世俗生活因素，有的画家甚至完全描绘现实生活的实景。文艺复兴时代，随着古希腊、罗马既真实又理想的古典艺术观念的复兴，画家们不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。绘画的表现能力空前提高，被视为所谓“表现性艺术”，达·芬奇因此而夸耀绘画可以跟诗歌和戏剧相媲美，甚至有过之而无不及。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。西方绘画从此走上科学与艺术相结合的坦途，在其后的发展过程中，每一次重大的科技进步都会为绘画的发展带来新的生机。

作为一种绘画语言，油画包括色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特的发展过程。具体而言，油画的突出优点是可塑性极强：既可以画得很透明，也可以充分利用颜色的覆盖性；既可以采用分步骤进行的多次画法，也可以采用一次完成的直接画法；可厚涂堆塑形体肌理，亦可薄画罩染色调，以再现现实世界和追求写实造型为旨趣的艺术理想，在其他画种中所以不能完善，就是因为工具材料的限制，而油画材料的优良性能使艺术家们在画布上的造型变得从容舒缓、游刃有余，让画布上的形象栩栩如生的梦想也因此而成为现实。人们在赞美古希腊雕塑时曾这样说：古希腊雕塑家们从顽石中掘出了生命！我们则可以用这样的话来赞美文艺复兴绘画：文艺复兴时期的画家们在二维的画布上呈现了多姿多彩的三维世界！

不同国家、不同时期的油画语言是不尽相同的：文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。如达·芬奇的《岩间圣母》。同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，如杨·凡·艾克的《阿尔诺芬尼夫妇像》，细致地描绘了室内的所有景物。威尼斯的提香则是第一个特别注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透明颜料的多次复叠，忽厚忽薄的色层以及变化灵动的笔法，使色彩与形体有机溶合、极具质感效果。

17世纪以后，宗教题材退居其次低位，拓展了欧洲古典油画在题材方面的发展。欧洲各国或地区，因社会背景、民族气质和文化心理等不同，因而在油画语言上不同国家和民族做了符合自己的艺术发展逻辑的探索，丰富了欧洲油画语言和表现方式，并已成为欧洲艺术中与雕塑并驾齐驱的主要造型艺术形态，油画的表现题材和分类也逐渐出现在人们的视野中。英国皇家美术学院院长雷诺兹首次提出和肯定了油画中的风景画和静物画，这两个题材被官方学术界的认可，标志了欧洲油画题材门类分科的成熟。历史画、宗教故事画、人物画、肖像画、风景画、静物画、风俗画等逐渐完善，彼此没有高低之分。在这种氛围下。油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的绘画风格。荷兰画派主要体现在对“光”的表现和探索，如维米尔作品中那些像珍珠的色点，便是对“光”的研究和表现的结果。伦勃朗运用人造光集中在对象的某一处，颇似人们说的“地窖光”，体现了他对“光”的理解和运用，将厚薄的颜色和笔触与“光”的感受结合起来，以至于伦勃朗放弃了对色彩丰富性的追求。18世界末期英国画家对色彩开始了探索，康斯太博尔、透纳走的与荷兰画家相反的探索路径，色彩是英国画家的主要追求目标。户外写生成了他们的主要创作方式，以至于影响到后来的浪漫主义德拉克罗瓦和印象派画家。19世纪以后欧洲油画家们纷纷走出画室，法国巴比松画派探索不同的自然气候条件下的风景写生，开始将“光”与“色”结合起来考虑对象，画面的色彩明显地提高明度和亮度。光对色彩的控制以及色彩体现光的元素成了画家追求的目标。这实际上是印象派的前奏。到19世纪中后期，法国印象派终于进入美术史的舞台，使色彩与光在科学的理论基础上得到了良好的实践，欧洲油画技术至此发展完备。[4]印象派对光与色的表现和探索成果，成为人们今天学习油画必备的色彩知识和技巧。至此，欧洲的绘画写实的传统也由此结束。新的绘画风格和油画形态走向现代艺术之路。

三、向内收敛——遭遇新媒介冲击的油画

当代文化的特点就是它已经进入电子媒介时代，在这样的时代，作为“手绘媒介”的油画不可能充当主流文化的载体——从这个意义上说油画“已经不再重要”。

任何艺术形式，一旦不再是所谓“时代精神”载体，不再是社会生活中的广泛传播手段或媒介形式，就意味着它已经退出“中心”或“主流”。在当代情境中油画作为一种“手绘媒介”显然不能与电子媒介之类现代传媒相抗衡，它只能退居次要地位，缩小自己的领地，放弃以前曾经担当过的角色和曾经发挥过的作用。

应该怎样理解艺术形式的这种“新陈代谢”现象呢？在各种艺术形式由显而隐、由盛而衰的变化背后，起决定作用的主要因素是什么呢？一个重要原因而就是媒介以及媒介制作技术的变革。文艺复兴以来，从艺术媒介的制作技术看经历了三个阶段：手绘技术阶段；机械技术阶段；电子技术阶段。与“手绘”对应的是包括油画在内的各种绘画形式；与“机械”对应的是摄影和印刷品；与“电子”对应的是电影、电视、电脑等音像形式。媒介以及媒介制作技术的改变不仅改变了艺术作品的物质存在形式，而且改变了艺术作品传播的方式和途径。就艺术文化在当代的演变而言，主要是表现为文化的本体形态——即文化的物质存在形式——的变革，换句话说，传统文化与现代文化之间的区别与其说是观念的区别，毋宁说是媒介的区别。西方19世纪末期以来艺术世界的一系列变局均与当代文化的这一基本事实有关，我们可以把这一系列变局划分为三个阶段：（1）19世纪末期的唯美主义即为艺术而艺术的阶段；（2）20世纪初至60年代左右的现代主义阶段；（3）20世纪60年代以来的后现代主义阶段。在第一个阶段，遭遇到现代文化的冲击传统艺术采取了向本体回归的策略，提出“为艺术而艺术”的口号，“形式”成了艺术的惟一本质，也成了艺术赖以保全自己的“象牙塔”；第二个阶段，艺术试图通过“自我改造、自我更新”来适应新的媒介环境，于是，破旧立新便成了现代艺术的“本质”，各种实验艺术应运而生；第三个阶段即所谓“后现代主义”阶段，开始形成多元化并存的格局；正是在这样的背景下出现了“新绘画运动”。

艺术进入现代以来，人们一直在思考这样一个问题：何谓当代油画？它与传统油画有何区别？正如有的学者指出：“当代性（Contemporaneity）是一个时间性很强的概念，强调的是当下的当代性。‘当代性’是表现一个事件过程的概念，它必然显现与现实社会各种现象的语境关系，因此，‘当代性’具有‘时间意识’和‘现实意识’的双重性质。”[5]从媒介（或材料）上说，当代油画就是传统油画的延续，因为油画只有到了当代才成其为传统。这原本是一个简单的的事实，没有丝毫费解之处。当然，这样说并不意味油画就不可以超越传统、走向现代；油画在某种意义上也是可以“现代化”的，但只是“在某种意义上”，而不是漫无边界。油画之为油画，是有自己的边界或特殊规定性的，这首先表现在它的本体特征上：“以油性物质作为粘着颜色的媒介”，作品经由手工绘制的方式来完成；然后表现在它的符号学特征上：油画主要是为解决造型——严格说是“物体造型”——而发明的一种绘画形式，因而，再现也就成为了油画语言的基本特征。油画的“油性”、“绘画性”和“再现性”，也就是油画之为油画的“边界”，这些特性既然是油画的“边界”，当然就不能任意地打破或超越，否则便不成其为油画了。油画本身并不是什么美学思想或艺术观念，它只是一种媒介、材料和一种绘画的形式，作为一种油性的媒介与绘画形式，油画当然可以而且也有能力承载或表达现代美学思想和艺术观念，这才是所谓油画现代化的题中之意。

[1][苏联]莫·卡岗.艺术形态学[M].凌继尧、金亚娜译.上海：学林出版社，2008：4.

[2]丁一林编著.中国艺术教育大系·美术卷·油画[M].杭州：中国美术学院出版社，2000：34.

[3][英]冈布里奇.艺术与幻觉[M].卢晓华等译.北京：工人出版社，1988:191-268.

[4]李倍雷.西方美术史[M].重庆：重庆大学出版社，2009：142-251.

[5]李倍雷、赫云.中国当代艺术研究[M].北京：光明日报出版社，2010：13.

On Evolution of the Forms of Oil Painting

CHEN You-lin
(Yunnan Academy of Arts,Kunming 650223,China)

After the rise of modern art,the true features of painting turn to be blurred,thus the portion of oil paint is becoming hard to grasp.But no matter what it changes,oil painting still carries on the tradition of its own nature and features in the original path.From the perspective of embryology,painting came into being for the purpose of”reproduction”——to reproduce the connection of painting and science and technology,and to conquer space and shape.Technology era and post-technology era bring survival challenges to painting.Photography,printing technology and digital media make painting no longer a center,but its’historical features like ”oil”,”freehand” and ”reproduce” remains unchanged,only the parts of carrier of meaning and aesthetic consideration are changing.

oil painting;evolution of forms;modern context

J223 < class="emphasis_bold">文献标识码：A

A

1008-2395(2011)04-0101-04

2011-03-15

基金课题：国家教育部人文社科“中西比较美术学”(07JA760009)成果

陈幼林(1959-),男，云南工艺美术职业学院，讲师，主要从事油画、雕塑艺术创作研究。