中国山水画笔墨语言的美学意蕴探析

一、引言

山水画与人物画、花鸟画并称为中国三大画科，魏晋南北朝时期山水画逐渐从人物画中分离并走向独立，之后作为主流画种而存在，是中国画的重要组成部分。山水画之所以能够在中国画坛中占据一席之地，其中一个非常重要的原因就是精妙的笔墨技法。笔法与墨色是山水画中最具特色的元素，画家以精湛的笔墨技法在画面中营造出意境美。此外，画家还会通过笔墨技法表现人生态度，即山水画中的物象不仅是对客观存在的真实描绘，更是对画家内心感受的真实表达。由此可见，山水画中对笔法与墨色的应用，一方面是对“外师造化、中得心源”的完美诠释，另一方面是自然性与人文性的高度统一。自清代石涛提出“笔墨当随时代”这一理念后，笔墨的美学意蕴开始与时俱进，尤其在近现代西洋绘画艺术传入我国后，中国画笔墨技法得到创新发展，弥补了传统中国画在色彩审美方面的单一性，赋予了中国山水画独特的审美价值。因此，笔墨语言作为中国山水画这一视觉艺术的重要表现手段，在中国山水画的发展历程中留下了清晰而完整的印记，在体现山水艺术作品审美及意蕴方面发挥着重要作用。基于此，本文就中国山水画中的笔墨语言展开分析，阐述山水画中笔法与墨色的美学意蕴，以传承山水画中的笔墨语言，进一步发挥笔墨在山水画中的美学价值。

二、中国山水画中笔墨本体的美学特征

（一）笔法的意蕴

中国山水画中的笔法是指在创作过程中，画家巧妙运用毛笔等创作工具，在画面中表现物体质感、形态、神韵以及画家内心感受的技巧与方法。笔法技巧包括对毛笔中锋、侧锋以及逆锋的运用。首先，中锋用笔源自书法。明朝中后期，中锋用笔技法开始应用于山水画创作中，并呈现出鲜明的美学特征。中锋用笔的典型特征为笔力浑厚，线条沉着、浑圆且饱满。以明代画家黄公望的《富春山居图》为例，画家在创作过程中运用了大量的笔墨技巧，其中最为精彩的是对中锋笔法的运用。画家中锋用笔描绘出富春山峦的轮廓，线条粗细均匀、连贯自然；而在描绘苗木时，画家通过中锋用笔表现出树木枝干的挺拔与坚韧。这种用笔方式淋漓尽致地展现出各类景色的美学特质，并传达出一种宁静、悠远的美学意境。[1]其次，侧锋用笔可将山水的雄伟气势提升到全新的高度，使观众更为直观地感受到山川树石的磅礴力量，以此对观众造成强烈的视觉冲击。以北宋山水画家范宽为例，在《溪山行旅图》中，画家以侧锋表现山石质感，同时通过侧锋皴擦丰富山石的细节，整体呈现出粗糙、厚重的质感。最后，在山水画创作中，逆锋用笔能够赋予绘画以空灵、孤寂之感，同时，其蕴含的古朴气质也能够体现出画家对人文精神的追求，使观众产生宁静、寂寥之感。元末明初画家倪瓒在《容膝斋图》中使用逆锋描绘树木，表现出树木的毛糙、古朴之感，尤其是在对干枯树木的描绘中，逆锋用笔进一步体现出树木的沧桑之感。[2]

（二）皴法的气象

皴法是中国山水画重要的艺术表现手法，其与笔墨技法有着密切的联系。皴法是对笔法的补充和延伸，在表现山水画中的山石结构方面有着不可替代的作用。自然环境下北方与南方的山石在造型上存在着显著差别，因此在创作中，南方山石与北方山石对皴法的应用也有所不同。古代北方山水画家多以斧劈皴表现北方山水，而南方山水画家多通过披麻皴表现南方山水。如五代画家荆浩、关仝擅用斧劈皴、钉头皴表现北方山水的雄浑之美，而董源、巨然则擅用披麻皴、长披麻皴表现南方山水的秀丽之感。从中国山水画中皴法的演变历程看，不同时期的山水画家都对皴法进行了创新，并赋予皴法以更为直观的美学意蕴。如北宋范宽的山水作品中，画家会使用雨点皴表现山川中的密林景物，在元朝时期画家则对宋朝湿笔画法进行创新，创造出干笔皴擦技法，画面中山川树木干淡的效果更好地表现出山水的美学意境。如元代画家倪瓒用笔轻柔，配合干淡用笔，真实地还原了太湖周边的山水景色。清代秦祖永对山水皴法作出了更为详细的论述，详细描述了如何运用皴法表现石头这一物象。总体而言，在山水画创作中，虽然皴法已经成为程式化的绘画语言，但是这种表现技法并不僵化，相反，在不断地演变中，皴法在山水画中的表现形式变得更加灵活，并且在展现山水画美学意境方面的作用也日益显著。

（三）墨法的美学精神

墨法即墨色的应用方法，中国山水画中墨法的美学精神表现在水墨与色彩两个方面。在山水画水墨韵味方面，古代对墨法的运用与五行存在密切联系。古人认为五行与五色对应，即金对白、木对青、水对黑、火对赤、土对黄，因此古人认为黑色、白色同样属于彩色。[3]唐宋之后，画家对黑色的运用更为娴熟，这使墨色成为山水画的主流，即使在现当代，黑色与白色仍是山水画的主要色彩。水墨山水是中国山水艺术的一大成就，使墨法逐渐走向成熟。按照对墨色运用的不同，古代山水画可以分为水墨山水与青绿山水等种类。在水墨山水方面，自唐代王维、张璪后水墨山水逐渐受到重视，其中王维“诗中有画、画中有诗”“水墨最为上”等艺术主张更是为水墨山水画注入了新的文化内涵。自宋代后水墨山水得到了进一步发展，出现苏轼、米芾等大批水墨山水画家，清代唐岱更是将墨色分为黑、白、浓、淡、干、湿六彩。[4]从水墨技法的发展历程看，山水画中的笔墨不仅彰显了画家对内在伦理道德的推崇，而且表达了他们摒弃感官刺激的态度，进而展现出一种独特的精神特质。水墨的应用为山水画增添了趣味性，呈现出画作闲适飘逸的气质，达到了一种如同水中望月、雾里看花般的艺术境界。色彩是墨法的另一个重要组成部分，它与水墨都具备特殊的象征意义。例如，明代董其昌的《昼锦堂图》，只以颜色点染，无墨立骨，设色讲究，大量运用石青、石绿、赭石等颜色，画面色彩明艳醒目，具备强烈的特色。

无论是水墨山水还是青绿山水，早期山水画家的用色理念均体现出中国传统哲学中的中庸思想，与西方油画、水彩画相比，中国山水画在用色方面并不注重色彩的冷暖关系，同时也没有像印象派那样追求光与色的极致运用，而是以情理、意境作为用色核心。纵观山水画艺术，水墨山水依然占据主导地位，画面中的颜色仅起辅助作用，画面整体缺乏一定的视觉冲击，缺少一些色彩韵味。因此，很多近现代山水画家逐渐更新用色理念。这些画家的作品不仅关注水墨技法，而且会使用大红、大绿等纯度较高的色彩，将传统水墨技法与新的色彩理念相结合，淋漓尽致地表现出画家的内心情感，赋予山水画全新的人文精神与审美趣味。[5]

三、山水画笔墨中的人文精神

（一）笔墨与虚实

虚实关系是绘画中的重要理论，水墨山水画家非常关注画面的虚实关系。在中国传统山水画中，画家注重“虚实相生”，认为“虚”不仅不会破坏画面关系，相反还会使画面更为和谐统一。在山水画虚实关系处理方面，画家认为按笔即实、提笔即虚，画面中保留大面积的空白可以引发观者的无限联想，虚实关系不仅是画家表达情感的重要手段，而且能够为观众预留无穷的想象空间。

山水画中的虚与实，均需借助画家的笔法与墨法来体现。画家交替使用浓墨和淡墨、干笔和湿笔，创造出实中有虚、虚中有实的画面效果，以此营造出独特的审美意境。画面中的留白通常象征着水光、天空或云海，尽管这些区域没有笔墨的渲染，然而它们实际上代表着真实存在的景物。这种非传统的意象表达手法是画家刻意为之，旨在通过留白激发观众的想象力，留给人们无限遐想的空间。[6]总之，在中国山水画创作中，笔墨的虚实处理是一项至关重要的技巧。画面中的虚实关系不仅蕴含着深厚的笔墨精神，还承载着丰富的人文内涵。通过巧妙处理这种虚实关系，可以为观众预留出广阔的想象空间，从而实现观众想象与作品意境的完美融合。

（二）笔墨与气韵

“气韵”这一概念源于中国古代哲学中的“元气论”，南朝画家、绘画理论家谢赫在《古画品录》中将“气韵生动”列为第一法，时至今日“气韵”仍然是山水画创作中重要的艺术理念。在中国山水画创作中，画家借助笔墨语言来展现画面的气韵，从而赋予画作深刻的人文精神。一方面，画家借助笔墨语言来展现文人的情感世界。由于古代许多画家仕途不顺，他们常常通过山水画来寄托情怀，以物言志，将深厚的情感融入画作之中。以元四家之一倪瓒为例，倪瓒的山水画以简洁的笔墨与空灵的意境而闻名，其画作常见荒芜河岸、寥寥枯树等形象，常常呈现出孤独的意境，蕴藏着画家对现实生活的无奈以及对理想世界的追求。[7]另一方面，许多画家在创作山水画时，还会通过笔墨气韵来表现。在中国传统山水画中，一些画家会利用气韵来表现画面的意境。例如，马远、夏圭等人会运用淡墨与留白等手法使画面气韵更生动。画面中大量的留白并非简单的空白，而是蕴含着丰富的内涵与意境。观众在欣赏这些画作时，可以通过这些留白产生独特的感受，体会到画家的匠心独运。[8]

（三）笔墨与自然

中国山水画在描绘自然题材时，与西方绘画存在着显著差异。西方许多画派都以自然、真实为基础进行艺术创作，如巴比松画派、印象主义以及俄罗斯巡回展览画派等，他们更倾向于真实再现自然风景的原貌。相比之下，中国山水画则更加注重通过笔墨语言来塑造自然山水的形态，而非单纯地追求对山水造型的完全还原。“师法自然”是古代山水画重要的艺术创作理论，唐代画家张璪也提出“外师造化，中得心源”的著名理论，而明代王履则在《华山图序》中提到：“吾师心，心师目，目师华山。”这些理论都强调了自然是画家创作的灵感源泉。由此可见，中国山水画家关注的是山水景观的精髓，运用留白、泼墨等意象化手法，来表现山川的磅礴气势以及河水的宁静之美。与此同时，这种笔墨语言在塑造花草、树木等物象方面同样适用。画家运用各种笔法来展现树木的不同姿态，比如用细而长的线条描绘柳树的婀娜多姿，用充满顿挫感的线条刻画松树的苍劲有力。[9]在尊重树木真实面貌的基础上，画家并不完全拘泥于其外形，而是更加注重展现树木的质感与神韵。为了真正做到“外师造化”，画家在创作山水画前会游历山川，以获得对笔墨运用方法的新启示。以清代画家石涛为例，他一生游历众多名山大川，深入观察山川形态与水流奔腾。正是凭借“搜尽奇峰打草稿”的勇气和决心，他在笔墨语言方面不断创新，无论是他的《云山图》《采石图》，还是《横塘曳履图》，都是对山川自然的真实描绘，蕴含着超越自然的审美意趣。[10]

四、结语

综上所述，山水画堪称中国传统绘画艺术中的瑰宝，而笔墨则是中国山水画的重要基础。画家在运用笔墨语言描绘山水时，既遵循客观真实，又融入了对人生的深刻思考、对哲学的独到感悟以及对艺术语言的不断创新。正是这些元素的综合作用，赋予了山水画独特的美学意蕴，使其历经千年依然熠熠生辉。因此，当代创作者应积极传承古人的笔墨技法，不断丰富和发展笔墨语言，以展现出笔墨语言在新时代的独特魅力与当代价值。

（作者简介：李同伟，男，本科，山东壹晨文化艺术交流有限公司，研究方向：中国山水画）

（责任编辑 张云逸）