《春溢》创作实践与感悟

摘 要：中国画是中华传统文化艺术中的一颗耀眼明珠，其中花鸟画自独立成画科以来，便成为中国传统绘画的重要组成部分，产生了许多风格鲜明的艺术家及艺术团体，并承载着对花鸟绘画情感的艺术表达。《春溢》作品的创作是将传统绘画和现代绘画手法融合的结果，同时也是探索学习“兼工带写”花鸟画后的成果。作品创作素材贴近生活，从“兼工带写”花鸟画角度出发，向人们呈现牡丹的美丽。文章将分析创作背景及灵感来源，阐述创作实践过程以及在实践中融入的个人特色，并对将作品中的创新和不足之处进行分析和总结。

关键词：“兼工带写”；笔墨；花鸟画

在中国画中，以花、鸟、鱼、虫等为描绘对象的绘画被称为花鸟画。花鸟画在我国有着悠久的发展历史，有“工笔”“写意”“兼工带写”三种表现方式。自明清以来，“兼工带写”花鸟画一般被视为小写意花鸟画的同义词[1]。“六法论”是中国绘画理论的重要内容，对中国花鸟画的发展具有十分重要的意义，使其在不同时代形成了较为独特的表现手法与绘画风格，随后不断发展和壮大、成熟和完善[2]。基于任伯年、周彦生、王雪涛三位花鸟画大师的作品与风格，笔者进行了创作实践，进而阐述对于花鸟画的见解及实践过程的感悟。

一、《春溢》创作缘由

（一）创作背景及灵感来源

笔者对花鸟画有着很深的感情，幼时家中养花养鸟，在笔者心中埋下了一颗兴趣的种子。随着对绘画门类的进一步了解，笔者更加坚定地选择了中国画，加上老师的日常指导，所以深深地被花鸟画吸引，而且花卉的颜色鲜明亮丽，四季变化不同，姿态万千，这也是笔者选择花卉作为创作主题的关键原因。

在进行花卉主体选择时，笔者尤为谨慎，再三思考下选择了牡丹。春天来临时，牡丹长出新的枝叶，在阳光与一次次风雨的洗礼中生长绽放，尽显国色之美。在搜集绘画素材时，笔者观察到枝上牡丹的闲逸姿态，加上学习了任伯年笔下的牡丹花是那样的洒脱随性，因此笔者也想通过牡丹来表达自己对自由和闲逸的向往。这次素材的搜集给予了笔者灵感，让笔者下定决心通过刻画牡丹之逸来进行创作实践。

（二）师古人，从今者

“兼工带写”是中国绘画技法的名称，指的是画面中的形象既包含工笔的严谨且细致的部分，又有豪迈写意的笔触。花鸟画主要以花、鸟、虫、鱼为描绘主体的形式出现，最早可追溯到史前时期的图案纹样，虽然不能称之为绘画，但其是中国画发展的雏形。魏晋南北朝时期，中国花鸟画产生了萌芽，而后经过唐朝的发展，直到宋朝，中国花鸟画进入了空前繁荣时期，这个阶段的工笔花鸟技法较为成熟，多为小幅画作，其颜色雅致，给人以静谧之感。而写意花鸟画在元朝时期占据着十分重要的地位，直到明清时期，花鸟画融入了水墨写意，拥有了借物抒情的功能。笔者认为，“兼工带写”更像是工笔向写意过渡时期的绘画技法，其展现出的画面既充满了写意画的逸笔草草，又将工笔技法发挥得笔精墨妙。接下来笔者以任伯年、周彦生两位画家的作品为例，从构图、技法、色彩等方面展开分析。

笔者在创作中，主要借鑒了任伯年画牡丹的技法。任伯年的绘画十分严谨，笔法坚韧，在他的花鸟画中，“兼工带写”技法运用得非常多。以《牡丹孔雀图》为例，对任伯年的绘画进行分析。首先，此画自右下向左上进行构图，呈现出“S”形的画面，意趣浓厚，从树上伸出的叶子遮挡着牡丹叶，空间感油然而生，画面上方和下方出现的枝干、石头，巧妙地调和了整幅画的疏与密；其次，从技法方面来看，任伯年采用了没骨画法来表现牡丹，他是“海派”的领军人物，吸收并融合了西方水彩、没骨画法及民间工艺等表现手法，以“兼工带写”的技法来描绘石头和枝干，叶子则用写意来表现；最后，整幅画的色调多为绿色，红蓝色的牡丹与画面共同营造了气韵生动的美感，在笔墨运用方面也流露出作者的真实情感。

周彦生是岭南画派的重要领军人物，也是中国当代成就极高的花鸟画大家。周彦生从传统绘画的基础上出发，又深受任伯年的影响，从任伯年的绘画中学到了写意画的宏伟和巧妙的构图，最终画作别开生面。周彦生的花鸟画注重作品整体构图的表现，这也为笔者在创作初期对于构图的选择提供了思路。首先，笔者在构图方面学习了周彦生的“色块与似满”，他的画中将花与叶进行层层渲染，以此强化画面的纵深感；其次，他在谈及绘画技法时，推崇将工笔与写意相结合，展现在同一画面中，以此创作出逸趣十足的“兼工带写”的绘画作品，例如花、叶部分，用细笔进行一次次的勾勒，山石部分以赭石为主色进行整体渲染，使画面充满张力；最后，纵观整幅画的色调，以蓝色为主、绿色为辅，花卉和树干都存在紧密的关联，通过“色块”来展现作品的主体内涵，使装饰变成一种艺术表现。

二、《春溢》创作实践过程

（一）创作之感，艺术之思

人生体验是艺术创作的准备阶段，也是作品呈现的基础。在求学中，笔者总是喜欢走在校园里观察植物的变化，尤其是在学校后方的花园里，种植了许多花草树植，如桃花、牡丹、月季等。早晨呼吸着清新的空气，在芬芳的花丛之中坐下歇息，风景美不胜收。随着季节的更替，这些植物所映现出的美景可谓上天的馈赠。在四季变化中，笔者对于牡丹的变化观察得最为细致。夏天的牡丹花在不知不觉中消失了，叶子和牡丹枝干却拼了命地生长，目光所及处，全变成了绿色；秋冬时期，叶子慢慢凋落，等待着春天的来临；春天的牡丹花蕾慢慢生长，并抽出了嫩绿的新芽，舒展着自己刚穿上的新衣，而这时，是笔者观察牡丹盛开、积累素材的最佳时期。

牡丹从花苞到盛开，需要一天又一天沐浴风雨。当春风吹来，牡丹掉落在地时，笔者便会将掉落的牡丹捡回去，仔细地观察一番。通过观察，笔者有了新的发现，并再次被牡丹的美丽所征服。这一系列的观察使笔者迫切地想将牡丹通过《春溢》创作表现出来，于是笔者开始了画面构思。

（二）意在笔先，文向思后

绘画构思是一种非常复杂的精神活动，它不仅需要我们在生活中进行观察积累，还需要在头脑中形成自己的绘画形象。因此，笔者进行了多次实地拍照，这些照片在头脑中形成自己对于牡丹的真实理解，与此同时，笔者还在图书馆翻阅了大量的绘画理论，进而了解“意”的重要性。

唐代张彦远曾言：“用笔紧劲连绵，所谓春蚕吐丝之类，循环超于，调格逸易，风趋电掣，意存笔先，画尽意在。”[3]他所表达的意思便是画者的绘画意图要包括主体的构思、物象的刻画、笔墨的运用[4]。这便对画者提出了非常严格的要求，即在动笔前必须思绪成熟，做到三者后，落笔时方可“顺意”，下笔后才能“释意”。在笔者的创作中，构思是一个十分关键的环节，它对画面最后呈现的效果产生重要影响。

笔者在进行创作时，学习了任伯年的绘画手法，总结出任伯年的牡丹泼墨画中多种技法交施互用、具有水分、生动活泼。为了更好地学习任伯年笔下的牡丹，笔者进行了一次次的手绘构图，让画面变得更加完善。在画面构图中，枝干的穿插错落要符合规范，切忌平行、十字交叉、画面太空。在有了新的思路之后进行画面设计，通过一次次构思到炭条勾型，进行主体造型的调整，最后借助手机进行拍摄，保留其中的整体效果，然后进行创作和处理，这样笔者心中就有了一个既定的形象表现，进而做到“下笔如有神”。

（三）解衣般礡，胸有成竹

1.笔墨技法的运用

用笔和用墨在中国画造型中具有重要作用。纵观中国绘画史，古人对于用笔皆有“书画同源”之说[5]。美学家李泽厚曾言：“书法的骨力决定中国画线条的品格，中国画讲究用笔，毛笔绘出的线条自然存在不同的内涵。”[6]因此，笔者在创作中，运用了大量的书法线条，以求达到“骨法用笔”的笔法要求，表现运笔的“平、留、圆、重、变”[7]。

在创作局部中，笔者刻画枝上的叶子时使用了侧锋，讲究顿挫用笔。牡丹的叶子为一叶三出，笔者在画叶子时，第一笔湿润些，紧接第二笔、第三笔，画新枝时要优柔，画老枝时要苍老，在老枝与新枝的连接处留出空间；笔者通过一次次练习牡丹，追求“意”的表现，在描绘牡丹时，使用没骨法，中侧锋用笔，笔法要灵活，并注意毛笔的用法，从上、下、左、右起笔，以不同的用笔来表现空间的虚实感；对于枝干，笔者使用了大兰竹笔进行表现，老枝干用侧锋，小枝干用中锋，并多用干笔，逆笔而上，这样可以画得挺拔，且有“力透纸背”之感。画面用笔精细，收放变化自如，此为对用笔的深入体会和熟练运用。

墨法是中国画特殊的绘画语言。自古以来，中国画论中就有“墨分五色”之說，即干、湿、浓、淡、黑。不仅要求画面中有笔与笔之间的结合效果及笔触的轻重缓急，而且要干湿并用，浓淡有别，有若即若离的效果，这便是用墨的准则。

笔者不仅通过学习王雪涛的牡丹进行创作，还通过临摹任伯年花鸟画册来掌握笔墨的表达方式。在《春溢》创作的练习中，笔者画牡丹叶子时多蘸浓墨，让笔肚充满淡墨，以此画出叶子的虚实变化。在叶子完成后，还可以用干笔对叶子进行皴擦，表现出叶子的层次感。在画牡丹时，使用了较软的羊毫毛笔，在画花瓣时，用胭脂和朱磦加少量钛白，由上而下，以飞白显质感，这样花朵就具有初绽的韵味，画面效果也会更生动。

2.颜色的运用

笔者在《春溢》创作过程中，采用了四尺生宣纸，学习了任伯年与王雪涛的赋色手法，从一片花瓣开始，到牡丹花的整体颜色，再到一丛丛树叶的训练，并与收集的素材进行结合，将它们一起呈现出来。笔者通过不断地练习和反复尝试，使画面变得自然不突兀。

另外，笔者针对作品进行了创新和完善，使作品能够更加贴近于现实生活和自然。例如在进行创作时的稿本中只有三朵牡丹，色彩单一，因此笔者在大幅纸中增加了黄色、紫色的牡丹以及叶子，以此丰富其中的色彩效果。在增加颜色的过程中，笔者将互补色结合起来，降低了整体颜色的饱和度，使颜色看起来更加稳重。在进行作品表现时，因为牡丹在画面中存在较多细节，所以花瓣的装饰会变得更加腾跃。笔者便以大红色加钛白来塑造牡丹内部的结构，待至片刻，在不涮笔的情况下，加入曙红浸到笔肚，笔尖加胭脂，以强调花瓣的颜色对比，在摆笔时要随意些，同时要保证不回笔，如此一来，花瓣才能水润饱满。为了更好地把握树叶的颜色尺度，笔者进行了达十几次的颜色调配，最后选定了用少量赭石加入花青和藤黄以及淡墨来描绘叶子，通过颜色的深浅，表现叶子的明暗对比，从而丰富了画面的趣味性。

三、《春溢》作品中的创新与不足

（一）创新之处

笔者在进行创作的过程中，重点关注着色、笔墨的塑造，在经过多次尝试后最终成型，并在明确整体美感后定稿。笔者在绘画过程中，首先对牡丹进行刻画，通过加强不同颜色在画面中的表现来突出细节，并用钛白提亮，加强造型的感染力；其次在对叶子的刻画之中学会了以新方法来表现疏密，就是将水墨的渲淡融入画中，使此画具备一种崭新的趣味；最后通过学习构图，强化物体之间的逻辑关系。此过程让笔者受益颇深。

（二）不足之处

艺术源于生活，同时又在生活中得到升华。笔者在绘画创作初期，存在很多不细致的地方，技法尚未成熟。在绘画创作的过程中，不管是对外在形象的刻画，还是对内在意象的表达，都要进行不断的丰富和完善。这足以说明在创作的过程中，对于古法的继承和创新都非常重要，也突出了写生与临摹的重要性，在以后的创作中，笔者会加以重视。

四、结语

《春溢》是对笔者求学生涯学习的总结。该绘画作品无论是从构图还是从色彩来讲，都不仅是对传统绘画技法的传承，还蕴含着现代化的形式感和绘画语言。此次创作过程为笔者在未来的美术生涯中开拓了崭新的道路，并扩大了自己在花鸟画中的艺术表达范畴。笔者针对绘画技法的探索在始终如一地进行着，并在传统绘画技法的基础上结合现代化特征，让绘画作品变得更加开放，使作品具有古今对话的意味。

参考文献：

[1]王雨晴.国画花鸟中的写生方法与创作研究[J].美与时代（中），2019（1）：43-44.

[2]黎孜孜，刘坚.花鸟画中的写生方法及创作探究[J].美与时代（中），2020（1）：44-45.

[3]叶尚青.中国花鸟画史[M].杭州：浙江人民美术出版社，2015：14-15.

[4]闫先超.任伯年花鸟画探究[J].美与时代（中），2017（12）：47-48.

[5]王泷.开一代宗派画风创小写意花鸟先河[J].艺术市场，2003（10）：80-82.

[6]贝妍菁.中国花鸟画在创作中融入现代设计的色彩构成[J].大众文艺，2017（20）：57.

[7]周步芳.浅析绘画创作中构思立意的重要性[J].美术界，2011（7）：76.

作者简介：

马嘉欣，河南师范大学硕士研究生。研究方向：中国画花鸟。

指导老师：

王迪，河南师范大学副教授、硕士研究生导师。研究方向：中国画（花鸟）、壁画、艺术教育。