写生一词最早出于北宋沈括撰写的《梦溪笔谈》:“诸黄画花,妙哉赋色用笔极新细,殆不见墨迹,但以青色染成,谓之写生……”。说起写生,人们对其普遍的理解是对景描绘,主要的作用是收集素材。元代黄公望在《写山水诀》中记载:“皮袋中置描笔在内,或于好景处,见树有怪异,便当模写记之,分外有发生之意。”可见古人也是将写生作为一项非常重要的素材积累工作。而一提到创作,在很多朋友的心中首先想到的便是大尺幅的美术作品,要么是2×2.4米的画展尺寸,要么是丈二甚至丈六的巨幅作品。仿佛只有大尺幅的作品才能被称之为创作。对于写生与创作之间的关系,人们普遍的理解是前期筹备与后期加工之间的关系。然而,绝非如此,我认为写生即是创作,或者说,写生本身就是创作的一种形式。
写生的两大作用
写生绝不等于写实。我的理解写生就是书写生命,我们要抱着对创作的激情与初衷去进行写生。写生有两大作用:一是积攒素材和经验,二是将鲜活的自然感受转换為笔墨。因此,写生最不重要的一项要求就是形似,黄宾虹先生曾说:“至若写生,但求形似,毕竭工力,而我之精神性灵皆凝滞于物,直与髹工何异?” 当我们身处自然界之中时,身体的感受是全方位的,除了视觉之外,还有听觉、嗅觉、触觉甚至味觉。这些感觉会对我们产生综合性的情感影响,也就是写生中常说的现场感。此时写生要充分关照到这些感受,要使自己更加感性的去体味这个世界,要更加主观的去分析眼前的一切物象。因此,写生只是众多素材收集手段中的一种,而广义上的素材也并非只包含写生稿和照片。
写生的步骤是创作的过程
写生不是照葫芦画瓢,我认为写生有三个阶段:
第一个阶段是观察和分析,此时甚至不需要动笔。首先,要用心观察,也就是感受环境。要找到可以打动自己的地方并进行分析,因为我们眼前的各种物象太繁杂了,可以被升华为笔墨的元素非常多,是不可能全部记录下来的。我们要在其中分离出最能打动自己的东西:一棵树、一座老屋、一口老井、早晨的寒风、山头升腾起的晨雾……其次,再找出需要保留的与值得保留的次要元素,那么甄别其是否值得保留的标准是什么呢?一是看它是否可以起到烘托主体的作用,二是看它是否可以起到融合画面的作用,三是看它是否可以成为连接其他画面元素的介质。最后,要大胆的删减掉不重要的元素,即使它再漂亮,也要坚定的抛弃。
第二个阶段是对景描绘,既然已经找到想画的元素了,接下来面临的问题就是如何绘制。我的方法是快速的在自己的大脑中进行草图的描绘,尝试用什么样的笔墨进行穿插搭配。此时,不能让笔墨跟着眼前的景物走,应该反过来,要让景物跟着自己的心思走。画面中所有的笔墨都要围绕着主体元素生发和变化,此时,切忌“快”,要多思多想少动笔。
第三个阶段是占用写生时间和精力最多的一个阶段,我们要抛开眼着的景象,完全进入到创作状态中。此阶段是营造画面氛围的关键时期,同时,也是在画面中加入除了视觉感受之外其他所有感受的阶段。此时的我们要尽可能的抛开眼前的客观景象,进入到自己的内心世界,要按照一定的艺术规律对画面进行升华甚至重构。为了画面的整体需要,我们甚至可以对其进行破坏,有的局部即便画的非常精彩,但它影响了画面的节奏,也要果断的进行破坏,因为,不破不立。我们可以看到,在写生的第一个阶段,创作思维就已经介入了,唐代李嗣真在《续画品录》中记载: “ 顾生思侔造化, 得妙悟于神会。” 可见古人并未将写生与创作刻意的分割开来,本来就是你中有我,我中有你,相互依存的关系。因此,写生的步骤就是创作的过程。
艺术源于生活,又高于生活
美术创作是人的审美创造活动,而中国画的写生自然属于美术创作中的一种形式,并有其自身显著的特点:
首先,中国画的创作不以尺幅论英雄,画本不分大小,若胸怀乾坤哪怕方寸纸片亦可目极千里,若一叶障目,哪怕遮天方絮,也难画尽卵石。而中国画的写生更是如此,写生作品尺幅虽小,但其所包含的感受是天然的、真切的、鲜活的、灵动的……
其次,中国画的创作带有极强的主观性,我一直认为,中国画是披着艺术外衣的哲学,也就是说,中国画最重要的一个任务是其内在的表达,是思想的传递,是对情感的抒发。黑格尔曾在《美学》一书中说道:“艺术美高于自然美,因为艺术美是由心灵产生而且再生的,心灵及其产品比自然及其想象高多少,艺术美也就比自然美高多少。”
最后,中国画的创作绝不能脱离现实。中国画的创作不是无本之木、无源之水,我们绝不能闭门造车。俄文艺理论家尼古拉·加夫里诺维奇·车尔尼雪夫斯基曾说过那句非常著名的话:“艺术源于生活,又高于生活。”之所以说艺术来源于生活,是因为生活中的所有点滴小事或者发生过的事都是艺术素材的提供者和原形,而艺术家通过艺术手段的加工与美术规律的重塑,可以升华生活中的朴素,从而产生更加生动的、耐人寻味的艺术作品。诗人金伟曾说过:“我们所走过的路,都是必经之路”。我认为,“写生”并不只是走出画室对景描绘,我们读过的书、走过的路、吃过的饭、流过的泪……皆在其列。