国画人物画中的意境之美

国画是我国一种传统绘画艺术形式，其艺术特色在世界绘画史上是独一无二的。区别于其他绘画形式，国画的发展也经历了漫长的历史，在造纸术还没有发明并完善的时候，国画多绘制于石壁、陶瓷器、帛、漆器等媒介上，很多壁画保留至今。纸张广泛应用之后，国画主要在宣纸上创作并大力发展，画家使用毛笔饱蘸浓墨，在纸张上肆意发挥，将山川河流、人物动物、广袤天地等绘于纸上，虽轻描淡写寥寥数笔，但十分注重对于写实和人物神态及形态的追求，这也是国画艺术性的体现。

国画在画风画工上主要有四个特点：一是注重线条的构造和使用，与墨迹交相辉映;二是诗画写意，诗、画、景意境相结合，画如诗句，诗句如画;三是画、印和书的境界融合;四是采用“高远、平远、深远”的散点透视法进行布局。在表现形式上，国画可以分为写意山水画、与之对称的细笔画和兼工带写画。无论哪种技法绘法，都十分讲究意境之美，天与景、山与水、人与物、虫鱼鸟等，意境可以说是国画的创作之本，本文将深入探讨人物画中国画的意境之美。

一、意境的概念与意境的发展

（一）意境的概念

“意境”是艺术辩证法的基本范畴之一，也是美学所要研究的重要问题，是指文艺作品中艺术表达和真实情感相结合的产物。意境是一个充满哲学的议题，它诞生于创作者的思维和情感世界，也需要欣赏者具备同样的艺术感受。它是主观思维和情感与客观的事物相结合的产物，艺术家通过作品将情融入了境，境升华了情，而情引出了境，这是一种有机融合，特点就是情境结合，注重对情的表达、对境的体现，更注重与情和境的完美融合。一个艺术作品若要与读者共情，例如小说，要么读者对于小说所描述的内容感同身受，要么通过细致抒情的描写去将情感过渡到读者身上，画作也是一样的。凡是可以感动、打动读者的艺术行为，都是将意境和感情深入表达出来的作品，是作者情感的释放。从广义上来说，艺术只有角度不同，没有高低之分，但创作者的审美观念和审美水平决定了作品意境的深浅、虚实和有无，而观众对于创作者意境的表达也会根据自身审美水平和个人经历有所差别。但是对好的作品而言，作者和观众是相互的，作者表达得淋漓尽致，观众理解得便深入。

（二）意境的发展

“国画”这个词语诞生于汉代，从秦朝过渡到汉朝的这段时间里，社会生产力趋于稳定，稳定的社会环境带动了艺术文化的高速发展，国画艺术也在这个时期大力发展。但彼时受技术限制，国画通常是被画在石壁上的，更侧重于传播知识、推广宗教等社会功能，题材的内容也都是围绕祥瑞鬼神、历史故事、帝王的歌功颂德还有儒家思想，如《人物御龙帛画》《收获弋射图》。这种对绘画题材的局限到了魏晋时期才被逐渐打破，这和魏晋时期的社会环境是密不可分的。魏晋时期社会动荡，五胡乱华，贵族和创作者只能依靠艺术文化来抒发情绪排遣不安，这也使得绘画自身的功能逐渐觉醒，让更多人意识到艺术作品是为了艺术而生，山水画的论著也在此时兴起，如宗炳的《秋山图》、顾恺之的《雪霁望五老峰图》、陶弘景的《山居图》等。

魏晋时期的人物画像在汉代国画的基础上有了突破，更加注重人物神韵的塑造，增加了许多利用山水来烘托人物的意境画作，如顾恺之的《洛神赋图》。洛神为我国古代传说中的神女，掌管水源，但若只画一个绝色美人，也体现不出其“神”所在，因此作者用其他女性和山水树木衬托，从衣着神态和环境方面体现神女之姿。总体来说，魏晋时期的人物画像奠定了国画人物画的走向，是国画人物画发展成型的关键时期。

二、意境的传达与表现

（一）以线条为主

国画以线条为基础，甚至发明了18种线条的技法，在不同的环境中表达不同的事物和情感，同时伴以墨水的深浅、过渡、晕染，再用颜料轻描淡写，最终装裱成画，几乎是做到了没有废笔，下笔前，每一笔线条都在创作者心中，从而一笔画成。反观西方的绘画方式，以线条入手，后经过浓墨重彩的点缀，掩盖原本的线条形态，文艺复兴之后，西方绘画艺术提倡透视法、解剖学的突破，颜料技术也有了改进等，使得西方的绘画作品逐步接近真实，到后来的印象派盛行才逐步发展了个性化。但是，国画自始至终都是追求对于线条的运用和塑造，这一点在工笔或兼工带写的人物画中尤为明显。

虽然国画以线条为主，贯穿始终，但在研究线条表现的道路上却从未停止，一直在寻求突破。战国墓中的人物画像多以灵魂飞身内容为主，线条流畅、转角圆润，但多千篇一律，缺少新意，更注重对动作和故事性的描写。而到了魏晋时期，则融合了汉画和西域风格，这种西域风格可以简单想象成线条更为圆滑的印度风格，两种风格的结合创造了“春蚕吐丝”一般的线条描绘画风，如春风拂面一般，柔和有韵味。而到了北朝时期，线条比起之间增加了一些力道，“曹衣出水”风格就是其中的代表画法，衣服如出水一般，紧贴着人体曲线。而到了唐代，国画对于人物线条的描绘到达了巅峰，女子婀娜多姿、柔媚尽显，男子威武阳刚或福泰安康，无论是身体曲线还是神态神情，都细致入微，仿佛透着一张纸都能看到内心动态。

在早期的作品创作当中，比如早期战国墓出土的《人物龙凤图》和《人物御龙图》，作品的画面即是使用线条进行造型，并且在线条的使用当中笔触比较圆转流畅。但是该阶段的画作线条使用变化较少，整个图画的主要作用是装饰。

（二）构图巧妙

构图是绘画艺术的重要组成部分，可以单独分类成为一门艺术，构图的巧妙运用也是国画展现意境之美的关键。战国出土的墓中石碑画以纪悼先人为主题，绘着灵魂升天图，也表达了当时人类对于神佛的信仰和升天的渴望。其中一幅画是这样构图的：最上方是女娲之神，左右伴着日月和灵芝、蟾蜍，中部描绘墓主的葬礼，他的家人神情悲伤，底部用于绘制地下场景，地神托举着大地，身旁还跟着随从，使得墓主人可以安息。从这幅画中就能看出一个故事：墓主的家人希望他逝后可以升天，不受鬼怪伤害。但构图中又巧妙地将这些人物的身份表达出来。唐朝周昉有一幅《挥扇仕女图》，全卷所画人物共计13人，分为5个自然段落，以其距离的亲疏远近和景物动作的描绘来体现侍女的身份，抒发对于深宫清冷寂静的哀怨，到此时，国画对于人物画像的构图已经有了突破性进展，空间感和故事感较强。

到了五代十国的南唐时期，这一艺术技巧又有了新的延展。顾闳中在《韩熙载夜宴图》中描绘了纵情声乐的享乐场景，画中有动有静，人物或张或弛聚在一起，构图上疏密相间，井然有序，将一代名臣韩熙载声色犬马、颓废无为的姿态以及背后对于当时社会的整体映射表现得淋漓尽致，构图在国画表达意境之美中起到了重要作用。顾闳中《韩熙载夜宴图》刻画了韩熙载纵情声色的生活场景，该作品的结构聚散有秩，疏密呼应，场面亦动亦静，有张有弛。第一段主要描绘人们围坐、站立在一起的状态;第二段有舞蹈，有击鼓，有拍掌，散散落落，动态对比;第三段在较小的空间里有坐有站，沉静中略有动态;第四段两两相靠的四个乐伎与稍微拉开空间的另一个乐伎位于画面的中心偏左处，右边是以韩熙载为中心的四个人物，左边是距离稍大的两个男子，三组人物既各自独立又相呼应，闲适静听与尽心表演相得益彰;第五段或三或两，或一人独立，随意轻松，构图在意境之美的传达过程中起到了重要作用。

（三）诗画相融

琴棋书画属于我国古代王公贵族、文人墨客都会涉及的道德基本艺术陶冶，艺术往往会结合多种形式发展，如国画一定会留下诗文签名和落款，以此来提升画的意境和故事性，而诗句置放在画中，也能表达诗词作者的心境，这种结合方式对国画意境的表达起到点睛之笔的作用。诗画结合的创作方式起源于我国唐朝，由大诗人王维开创了文人画的先河，他擅长将自己的诗句和内涵藏于画中，更增添一分情感底蕴，在现代社会中，这种文字和图画结合的方式仍在使用。可以回想一下，是否在上学时将吐露内心的句子记录在背景漂亮的信纸上，会觉得内心得到了舒展和释放，这就是文字与绘画结合的魅力。

明代艺术家唐伯虎是注重艺术思想的代表人物，直抒胸臆，情感浓烈，他的水墨画作品《秋风纨扇图》就是在赶考失利后创作的，沉浸着一股浓重的哀怨心绪。画中侍女不但一脸忧愁，还执扇轻抚，而深秋夜凉，又何须扇子扇凉呢？但题词“秋来纨扇合收藏，何事佳人重感伤。请把世情详细看，大都谁不逐炎凉”又给解了谜，画家表面上是在描写美人伤感，其实是将自己比作折扇，吐露失利心境，同时表达了怀才不遇的落寞之情，毕竟秋天的扇子无用，而他也没有用武之地。

在唐伯虎的另一幅画《王蜀宫妓图》中，只简单画了四个交头接耳围站一圈的宫妓，但从图画上来看，只是四个穿着华贵的女人，并不知其深意，题词却将画的内涵升华，透露出了这些女人的彷徨。年年有新人争奇斗艳，她们不再合适就会被抛弃，漂泊不定，这样再去看画，就知道四人这一脸惶恐地在讨论着什么，这种对话画作内涵、对于艺术内容的深入，正是艺术充满迷人魅力的原因。

（四）书、印结合

书法如画这一潮流是元代兴起的，注重书法和诗句概念上的差异，但大多时候是共同结合在一起的，以书法的清俊柔美或刚毅果断融入画中，更能体现画风凌厉，元代的作品多是将诗、书、画三者结合在一起。而到了尚印的清朝，又将印融入了画中，不同的印记用于不同意境的画中，不但能升华意境，还能恰如其分地点缀，留给观赏者更好的意境之美。

三、结语

本文从意境的概念与发展入手，讲述了我国国画人物画的发展历史和发展进程，深入阐述了人物画中的意境之美及构成这些意境的艺术特点和艺术手法。线条的运用、构图的巧妙、诗句书印的点缀，都赋予了人物画更多的深度和广度，使人物和画作完美结合。对于意境之美的深入探寻是我国国画发展的重要因素，人物画中不仅能烘托人物的特点，更能阐述人物的故事与内心，体现了更高层次的艺术理念。

（南昌大学）

作者简介：李春雪（1997—），女，黑龙江肇东人，硕士研究生，研究方向为美术学、绘画、中国画。