琵琶协奏曲《云想·花想》钢琴伴奏演奏技法分析与应用

林舒雅

一、创作背景

琵琶历史悠久，经优秀的音乐家们不断改造，使之成为音域宽广、形象丰富、功能多样的民族乐器，享有民乐之王的美誉，同时也深受作曲家们喜爱。《云想·花想》便是王丹红专为琵琶而作的协奏曲，这首作品的灵感来源于唐代诗人李白的《清平调》三首里的第一首的首句“云想衣裳花想容，春风拂槛露华浓”，意为：“看见天边的云彩就不由得想起杨贵妃的衣裳，看见娇嫩的花儿就不由得想起杨贵妃的容颜。”诗句中高度赞扬了杨贵妃衣裳和容貌的美，间接表达了对大唐盛世的赞美。毫无疑问，琵琶是最适合演奏这首作品的乐器，琵琶音色幽而不怨，如果把琵琶比作一位女子的话，一定是像杨贵妃般美丽大气的女子，况且，唐朝也是琵琶发展的第一个历史高峰。

王丹红为《云想·花想》创作了两个版本，一首是琵琶与乐队协奏，一首是琵琶与钢琴协奏。其中琵琶与钢琴协奏在各大高校师生中弹奏最为广泛。

二、作品结构

（一）曲式结构

引子（1-19小节）：调式为A羽调，速度为66的范围内，节拍为四四拍，由12+7的2个片段构成。进行气氛的渲染。

A段（20-37小节）：调式为A羽调，速度为60，节拍为四四拍，进行主题的呈示。

A1段（38-65小节）：调式为A羽调，速度为60，节拍为四四拍，还是对A的重复。虽然A段与A1段在力度、节奏、旋律运用方向上都属于蓄积力量较弱的写法。但经过两次乐段间的重复仍为音乐的后续发展积累了一定的力量，使得A1段形成了一个小的高潮。从引子、A到A1，音乐是整体上看是一种持续上升的运动状态，并且在A1段中高潮的回退阶段，由于出现了引子材料的片段，使其具有了一定的回顾意义。

连接（66-73小节）：调式为A羽调，速度为138，节拍为四三拍，以一个级进四音列为原型进行多次的重复。形成一种具有步伐感运动的背景，描写舞蹈的步伐感。通过对舞蹈动作的描写使音乐具有了舞蹈的气氛，并且起到了音乐背景的填充与铺垫的作用。

B段（74-97小节）：调式为E商调，速度为138，节拍为四三拍，由四个乐句构成，以两句为一个环节形成材料上的对比。在每个环节内部又构成重复关系。此段为3/4拍具有一定的舞蹈气质。钢琴以八分的均分律动做节奏的填充。

C段（98-113小节）：调式为B羽调，速度为138，节拍为四四拍，由三个重复性乐句构成的乐段。

B1段（114-137小节）：调式为D宫调，速度为138，节拍为三四拍。

D段（138-157小节）：调式为A商，速度为138，节拍为四四拍，由两个乐句构成，由于第二句的扩充使结构呈现出8+12的非方整状态。

A段（158-181小节）：调式为A商，速度为138-144。

E段（182-252小节）：调式为A商，速度为144-72，节拍为四三拍-四四拍-四二拍，把D段展衍出的材料进行了扩大，形成了一个一句一段式。

A1段（253-301小节）：调式为A商，速度为69，节拍为四四拍。

此曲由9个段落构成（引子、A、A1、连接、B、C、B1、D、E），他们彼此之间既相互关联又相互独立。

三、钢琴伴奏演奏技法的分析与应用

（一）力度方面

《云想·花想》中钢琴作为协奏乐器，那么力度的处理是尤为重要的。首先，需要钢琴演奏者做好案头工作，将作品中琵琶和钢琴的声部关系划分清楚，之后的合奏中再将两个声部间的主次关系、旋律的交替与衔接处理的更加精细。

慢板部分共分为三部分（引子、A段、A1段），从整体来看，可以将慢板部分中的琵琶和钢琴想象成两位舞者，乐曲的引子部分首先展示出了钢琴的舞者形象，奠定了乐曲淡淡忧伤的情绪基调和优雅缥缈音乐氛围，接着，“主角”琵琶舞者徐徐走出，展示自己的音乐形象。在弹奏引子时，钢琴一定要起到烘托作用，既要营造出朦胧的意境美，又要将旋律都弹清楚。

A段中钢琴没有完整的乐句，只是对琵琶的乐句进行衬托和点缀，仿佛是琵琶舞者与钢琴舞者在舞台上距离较远，钢琴舞者遥望着琵琶舞者，被她美妙的舞姿所吸引，并远远的进行模仿。因此，在演奏这一段时，钢琴需要注意好自己的力度，处理好伴奏和补充旋律的力度对比。

A1段中，钢琴的旋律与琵琶的旋律相交织在一起，犹如两位舞者在舞台中间共舞，用舞蹈来相互倾诉，且在交流中达到了共鸣。在这一段中钢琴要时刻把握好旋律的力度，既要突出，又要与琵琶配合好，在琵琶演奏旋律时进行协作。

乐曲慢板部分是整首曲子最为抒情的部分，这一部分情绪的把握尤为重要，而把握好情绪的最关键一部分就是对力度的把握，笔者认为，将慢板部分加入想象后，可以更有利于对作品情绪的把握，能够把这首作品的更生层次的内涵通过力度的变化展现出来。

快板部分从66小节开始，通过8小节（66-73小节）的连接进入乐曲的B段，在演奏连接部分时，前4小节是钢琴富有节奏感的固定音型的跳音，力度虽然标记的是p，但可以在这四小节中进行稍渐强处理，直至第5小节琵琶的进入，钢琴的力度再重新回到p的力度，通过这样的力度变化，可以更好的为琵琶的进入做好铺垫。

在B段中，钢琴基本都是模仿打击乐的伴奏，力度随着琵琶的旋律起伏变化，但在第77小节和第81小节琵琶演奏长音时，钢琴的右手部分有补充旋律，所以这两小节时右手需要注意把握好力度，把补充旋律突出出来。

C段依然是由钢琴先演奏，琵琶再进入，但不同的是，钢琴这次从98小节到105小节都是演奏的旋律，力度也变为了mf，钢琴一定要把声音亮出来，在101小节时，钢琴是长音，琵琶来补充旋律，因此钢琴声部要稍弱，但左手向下的音阶要比琵琶稍弱比右手的和声要稍强，这样才能展示出作品的层次性。在105小节时，琵琶的旋律正式进入，钢琴的左手也可做稍渐弱至mp的力度，在进行4小节的伴奏后，从110小节开始与琵琶进行齐奏。

B1段中，主旋律都由琵琶来演奏，钢琴则是以模仿打击乐的节奏型进行伴奏，需要注意的是，122-125小节中，钢琴以震音进行伴奏时，一定要控制好力度，使琵琶的旋律更加清晰。

D段中，由钢琴先以f的力度演奏旋律，在147-148小节和琵琶交替演奏旋律时需要注意力度的统一。

从158小节开始，全曲进入高潮部分，琵琶和钢琴进行齐奏，两个乐器的力度也相统一，钢琴和琵琶都不用收着音量，可以放开了弹，让力度随着旋律的起伏进行变化，使乐曲在两个乐器大气恢弘的演奏中结束。

（二）速度方面

从作品谱面的整体上看，这首作品的速度分布为：

1-19小节速度为66；20-37小节速度为60；38-65小节速度为66；66-165小节速度为138；166-238小节速度为144；239-251小节速度为72；252-271小节速度为69。

速度的统一对协奏的效果有着极其重要的作用，在演奏时，除了要严格按照谱子上标记的速度来演奏外，也需要两个乐器相互配合，在一定范围内可以将速度进行调整，毕竟太过严格的拍子和速度演奏出来的音乐是死板的，没有灵魂的，音乐需要有流动性。

例如引子部分，整体的速度还是按照谱面标记的66的速度来演奏，但钢琴右手的旋律声部可以在演奏二分音符和全音符这些时值较长的音符时，可以演奏的更加舒展一些，而当演奏到四分音符、八分音符和十六分音符这些时值较短的音符时，可以演奏的更加紧凑一些，左手的伴奏则根据右手的速度变化而变化，每个乐句所占的时长还和以前一样，但乐句中加入了这样的弹性节奏后，会让音乐更具有流动性，更符合作品所要展示的空旷幽静的氛围。

但要注意的是，弹性节奏演奏的难度较大，在钢琴独奏时可以自如使用，但当两个乐器同奏时，则需要两位演奏者提前规划好节奏的律动。如果是琵琶演奏旋律，钢琴伴奏时，钢琴则要非常了解琵琶演奏时的节奏律动，对速度的处理，时刻关注琵琶的气口，这样才能演奏整齐，两个乐器配合的效果也会更加完美。如果是钢琴演奏旋律，则需要提前和琵琶演奏者沟通好自己的处理细节，在演奏时，除了要弹好旋律外，还要时刻听琵琶的伴奏，毕竟所有的音乐处理都是在两个乐器配合好的前提下进行的，如果听到有脱节时也应该及时调整。

作品中需要有弹性节奏，但不是所有地方都需要用弹性节奏来演奏，该保持速度稳定时，也需要两位演奏者能够稳住速度，不至于越弹越快或者越弹越慢。例如105-138小节，这一部分正是作品情绪越来越激昂的部分，尤其在110-113小节处旋律由前面紧凑的八分音符变成舒展的附点四分音符时，速度一定要稳住，这几小节如果没有控制好速度，那么后面的十六分音符则会越弹越快，最终这首曲子就会像脱了缰的野马一样收不回来。

（三）音色方面

钢琴被称之为“乐器之王”很大原因在于钢琴音域宽广，能够演奏的力度范围也较大，且能够模仿多种乐器的音色。在演奏钢琴伴奏版本的谱子之前，可以先查阅乐队伴奏版本的谱子进行比较，理解钢琴每一部分都是对哪一乐器的模仿，同时也要了解该乐器的音色特点，这样在演奏时通过使用踏板和不同的触键方法使钢琴的音色接近要模仿的乐器的音色，才能更加生动形象的表现这首作品。

例如26-51小节，钢琴右手的旋律是对乐团中这一部分的笛子和拉弦乐器的模仿，这些乐器共同的特点是声音绵长，而钢琴是通过敲击琴弦而发声的，所以这一部分右手触键要更加小心一些，可以通过手指贴键弹下去的方法，把音头尽可能的都弱化掉，再加上音后踏板的配合，使钢琴的音色也更加绵长。但值得注意的是，钢琴的左手部分在44-46小节和49-51小节琶音的上行则是对竖琴音色的模仿，而竖琴是拨弦乐器，音色透亮干净，音头圆润饱满。因此，在钢琴上弹奏左手的琶音时，左手要和右手的奏法区别开，左手应该保留每个音的音头，而且要把每个音都弹得有弹性。这部分要做到两个手同时模仿和各自所以模仿的乐器比较难，需得多加练习才行。

（四）演奏者的自身修养

笔者认为，除了对谱面有足够的分析外，作为钢琴伴奏还需要提高自身的音乐修养。

首先是演奏者自身的演奏技术需要达到作品的要求，在力度、速度、触键及踏板的使用上都能够运用自如，只有自己先对伴奏部分完全掌控后，才能将更多的精力投入到两个乐器的协奏当中，才能真正演奏出协奏的音响效果。其次是需要钢琴演奏者具有丰富的乐器知识，能够了解更多的乐队中的乐器，这样在弹奏伴奏时才能更好的把握钢琴的音色，使作品的层次更加丰富，充分展现出作品的内涵。最后，就是提高合作意识与能力，作为钢琴伴奏应多多观摩乐队的排练与演出，了解不同乐器之间合奏是在音量与音色上的细节，在听与看中培养自身的合作意识，在实践中不断提高自身的合作能力。

结 语

《云想·花想》这首作品在内容上充分展现了中国传统音乐之美，结构上将中国传统音乐结构与西方音乐结构完美结合，演奏上也将琵琶与钢琴的优点全面发挥出来，这样一个优秀的作品值得我们细心认真的进行研究，在充分了解这首作品的相关知识后再尽自己所能将这首作品的内容尽可能完整的呈现给听众，这个过程不仅是提高自身专业能力的过程，也是一个发现美、感受美、创造美的过程。本文通过对这首作品的创作背景、曲式结构和伴奏技法的分析与应用，希望能够帮助更多的演奏者更加全面地了解这首作品，将这首优秀的作品演绎的更加完美。■