高校艺术教育教学改革专题研究

代钰洪(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院教授)

刘 超(成都大学学生工作部教师)

高校动画专业人才培养模式改革与创新——以成都大学动画专业为例

动画作为艺术产业经济不可或缺的重要组成部分，逐渐显现出强大的生命力。中国国产动画的再度崛起，促使高校动画专业教育必须进行改革与创新。成都大学动画专业经过近20年的探索与发展，构建了以产业需求为目标、能力培养为导向的“多模块+工作室”的课程教学体系，完善了支撑人才培养体系的“多项目+高平台+众协同”产学研一体化方案和校企协同育人的培养模式，形成了专业建设新机制，先后获批国家级特色专业、一流专业建设点。

一、动画专业人才培养模式的改革与创新

成都大学动画专业人才教育从面向产业需求、 提升学生综合能力为导向的“模块化”课程改革到实施协同创新、项目研创、平台支撑的人才培养模式改革，历经了三个重要阶段：打破传统动画教育模式、探索“多模块+工作室”的动画教育课程体系、形成“项目孵化—特色培养—协同创新”的专业特色建设机制。课程体系以产学研创为主线，突出动画实践和创新能力的培养，围绕课程体系建成的可复制人才培养模式，契合了我国动画教育改革、产业发展、大学生创新创业等目标，为推动产业发展发挥了积极作用。

(一)课程教学体系的构建

动画专业人才培养瞄准产业发展趋势，以企业需求为目标、培养高素质复合型动画专业人才为导向，构筑支撑特色人才培养、设置反映不同专业方向的特色课程模块，形成了“多模块+工作室”相结合的以实战为主导的人才培养教学体系。强化项目实践能力和创新能力的培养，优化布置、科学处理各阶段教学及模块间的关系，着眼于教育教学和人才培养全局，妥善处理理论与实践、基础与专业、专业基础与方向、研发与协创等方面的关系。切实做到“四个一”：每一名动画专业学生都参与到教学改革中，每一个工作室教学都有项目支撑，每一个项目都产生相应价值，每一位教师都进入协同创新中心进行研创。逐步形成了一套具有整体性、系统性和可复制性的卓有成效的人才培养模式及专业特色建设机制。

学生学习基础知识，在打好基础的前提下，进入大三起点的“改革实验班”。他们结合自身特长，选择二维动画、计算机三维动画、虚拟现实、数字插画等知识模块进行深度学习，结合专业知识和教师科研项目自主开展创新实践。模块间的课程相互交融，这样可以增强学生的学习兴趣，拓宽学生的视野，减少职业选择的盲目性，提升学生的综合能力。

(二)人才培养模式的构建

为适应现代动画产业的发展需求，满足产业对不同动画专业人才的需求，学院以提升学生综合专业能力为导向，结合国家级特色专业建设、省级专业综合改革以及成都大学教学改革项目和科研项目，将人才培养课程体系融入产学研进行整体设计，形成支撑人才培养体系的“多项目+高平台+众协同”产学研一体化方案，构建了专业与产业紧密对接的校企协同共育的人才培养模式，推动了动画专业人才培养重基础、有特色的人才培养模式的构建。

多项目：以学校办学方针服务地方经济发展为主导，以学校、地方政府、国家机关单位为依托，接受委托和原创符合人才培养实施的动画项目，既服务了地方建设，又为产业经济注入了活力，还大大提升了教学效果。

高平台：以教育部产学合作协同育人实践基地、四川省旅游协同创新中心、四川省动画实验教学示范中心以及成都市原创中心等多个平台为基础，紧密联系行业企业协同共建人才培养模式，打造西部动画教育高平台。

众协同:实行“知识教育—原创研发—协同创新”的产学研协同教学新模式，以及教学与科研相结合、实践与研发并进的人才培养模式，激发学生对专业学习的兴趣和求知欲，涌现了一批优秀教学成果。

(三)创新专业特色建设机制

成都大学动画专业特色建设形成了师资队伍建设、设备配置、管理运行等为一体的新举措，创新了专业特色建设机制。在师资队伍建设方面，建立教学奖励机制，激励优秀教师进入工作室参与实践教学，加强本科教学工程项目建设。选派骨干教师和管理人员组团研修，选派教师到行业企业锻炼交流，鼓励教师紧密结合地方经济社会发展创业，提升学校服务地方的能力。在设备配置上，建设包括虚拟现实系统、动态捕捉系统、3D打印等高端实验室，配置优质设备资源为教学科研服务。依托教育部产学合作协同育人实践基地成立工作室，建成了集学科研究、项目孵化、实践教学为一体的西部地区最大的协同创新动画研创基地。

二、动画国家级一流专业建设成效及经验

2010年，成都大学动画专业获批国家级特色专业；2021年，获批国家级一流专业建设点。成都大学动画专业建设紧紧围绕地方经济社会发展需要，抓住全球文化创意产业结构调整的新机遇，以国家、省、市大力发展产业为契机，利用成都市“国家网络游戏产业发展基地”“国家游戏产业振兴基地”等多个国家级产业发展平台的优势，针对当前我国高素质应用型动画人才严重缺乏的现实，通过政府、学校、企业合作，整合资源、调整教学内容，大力推进动画专业教学改革，探索动画专业的建设思路以及高素质应用型动画人才培养模式，使专业办学特色更加鲜明，人才培养取得了突破性进展，学生实践能力和创新精神显著增强。

(一)专业建设和人才培养取得了丰硕成果

成都大学动画专业的毕业生质量优秀、就业率持续攀高，自2006年以来平均就业率为98%。该专业学生每年定期参加多项国际交流活动，其中与泰国清迈大学之间的交换生研发项目成果丰富，得到了国际友校的认可。该专业累计为社会培养了千余名动画领域优秀专业人才。例如，梁怡曾担任金山软件游戏设计总监，研发了国内知名网络游戏《仙剑奇缘》；郎思波、刘欣分别担任2019年国产动画电影《哪吒之魔童降世》模型总监、灯光总监；彭超担任2016年国产动画电影《西游记之大圣归来》材质总监，他创办的成都天火动画有限公司已经成为成都本土知名动画企业。

动画专业师生学科竞赛水平卓著。近三年获得的国家级、省市各级比赛奖项60余项。2018年，学院教师作品获国家新闻出版广电总局主办的“社会主义核心价值观动画短片创作大赛”一等奖，中央电视台对此进行了专题报道。2020年，成都大学动画专业师生百余部作品登陆“央视频”，优良的动画作品得到社会各界的认可。

(二)动画专业建设的经验

1.创新人才培养模式

2.产学合作协同育人

成都大学动画专业以校企合作的实训基地为平台，创新动画人才培养模式、创造性地开展教学改革，不断更新教学内容，将最新科研成果引入课程教学，特别是课程体系、实践环节等动画人才培养模式的综合改革，将动画专业打造成了特色鲜明的校企合作特色专业。专业建设与学科建设相互促进，学科建设和科研成果反哺教育教学，全面提高教学质量，培养具有创新精神和创新能力的、国家急需的复合型、应用型的高素质动画人才，满足以成都地区为主、兼顾全国经济社会发展的需要。

3.校企协同双导师育人

学校不断加强特色专业教师队伍建设，逐步建立起让本专业教师到国内外同类院校及相关产业和领域学习交流，以及国内外同类院校及相关产业和领域的人员到本专业进行培训、交流和深造的常规机制，努力建立起一支专业基础扎实、教学经验丰富、了解社会需求又有爱岗敬业精神的高水平专兼职结合的教师队伍。制定校企双导师制度，让企业参与课程体系设计、实习指导、毕业设计指导以及岗位培训，鼓励学生参与动画设计、动画创作和动画流程制作。开展联合办学，每年选派教师到国内外相关院校学习、访问、交流，加大教师动画创作能力的培养力度，培养双师型骨干教师队伍，打造高水平教学团队。

4.先进的课程教学体系

人才培养计划强调复合型、应用型特点，注重课内外实践教学的整合，形成完善的实践教学体系。在实践教学中加强学习、项目实践、课程设计、企业实习、毕业设计(论文)环节中的工程训练，把提高学生的创新能力和实践能力贯穿于人才培养始终。制订学生培养的阶段性目标：学生在大学一二年级学好专业基础；三年级时根据课程体系要求进入实习实训基地接触实际的科研项目学习，并进行团队能力的培养；四年级进行毕业实习和毕业设计，重点培养学生动画领域应用和原创项目实践能力。

《2019腾讯视频年度指数报告》指出，我国作为世界上的动漫大国，拥有过亿的动漫爱好者，动漫游戏产业已经成为产业经济发展不可或缺的部分，正在高速发展。怎样建设好动画专业，既能培养优秀的动画专业人才，又能够在众多专业院校中脱颖而出，成为动画专业开办院校积极思考和探讨的问题；每年紧缺的动漫游戏人才与众多毕业生无法就业之间的矛盾，成为动画专业办学深度思考的问题。动画专业人才的培养不能一蹴而就，只有厘清专业办学定位、瞄准人才培养特色、紧跟市场产业需求、扎实推进各项专业建设基础工作，才能办好动画专业，培养出为动漫产业贡献力量的优秀学子，助力国产动画发展。

(本文获四川省教育厅主办的四川省第九届大学生艺术节展演活动高校美育改革优秀案例二等奖。)

高校设计团队的项目化教学管理探索——以“二郎山文创旅游节”设计项目为例

张鸶鸶(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院教授)

吴章洪(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院讲师)

叶 兰(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院讲师)

一、项目设计理念

学院基于项目式教学和现代学徒制理念，探索将以教师为主导的传统理论教学转向以学生为创新主体、教师为引导者、学院为保障者的现代创新学习模式，结合“二郎山文创旅游节”设计项目的实践，总结了一套适合高校设计团队的项目管理方法，以期为从事设计实践的高校师生提供有益借鉴。

项目式教学的核心思想是将实际项目贯穿于整个教学活动中，教师根据实际项目将学生分成若干项目组，围绕项目目标，让每个学生都参与到实际工作中。学生根据教师指导，独立自主地认识与理解项目知识，运用理论指导项目实施，通过发现问题、提出假设、解决问题的方式完成项目，实现教学目标。现代学徒制是针对高校与企业深度合作，将产教结合在一起，提倡高校办学应具有超前性，提前预判未来社会对专业人才的需求，与企业共同搭建平台为学生提供更多的实践机会。现代学徒制可以由企业资深员工与学校教师共同教学，实行双师制，这样不仅可以满足与专业相关的教学要求，还可以让学生通过操作训练实现项目的自练自悟。将项目化教学和现代学徒制的理念应用到“二郎山文创旅游节”设计团队的项目管理中，不仅是理论与实践的结合，还是教学与管理的创新。

二、项目设计过程

(一)团队组建与任务分解

学院根据每年具体项目需求，通过公开招募，择优遴选思想素质和专业能力过硬的学生，在6月中旬前组建一支30人左右的设计团队。团队包括指导教师4人(1名教授和3名青年教师)，教授为项目的总负责人和进度督导人员、总协调员，负责团队组建、设计质量监控，同时协调学校内部资源以及与当地政府对接。师生被分成A、B、C三个小组，每组1名指导教师指导6～8名学生，符合现代学徒制的基本标准。

在项目正式运行之前，设计团队要召开一次集体见面会，由项目负责教师为大家解读项目背景、设计任务和时间节点，介绍团队成员并进行初步分工，每组指导教师和学生组长自我介绍并展示往年的作品。组长由综合能力突出的研究生担任，具体可根据任务情况安排一到两人，核心成员由两三名本科生担任，其余学生作为项目非核心成员，可以由应届毕业生和新生作为项目的辅助成员参与个别事务。除了指导教师、组长等核心成员是由项目负责人指定外，其余学生根据他们的个人意愿和擅长领域分别加入三个设计小组，再根据各组的工作内容协调人员配置。因为每组工作内容和完成进度略有不同，如果其中一组主体工作结束后，其主要成员就需要开启新的任务或加入其他小组，共同推进项目整体进度。因此，各小组人员之间具有一定的流动性。

项目负责人根据每年的“二郎山文创旅游节”项目设计难易程度和优先等级将任务分解为两个阶段，第一阶段由A、B、C组分别负责标识系统设计、系列文创产品设计、插画绘制，第二阶段由三组人员交叉完成文创产品设计、包装设计和其他工作。

(二)项目设计与教学管理

6月底7月初，设计团队在学院工作室正式开工，围绕每年的活动主题及天全县的旅游文化资源展开讨论，三个小组分别制订项目设计方案，并完成对项目的具体内容、设计元素、表现形式的梳理，明确每个子任务的设计者和完成时间。各组组长拟定每天的工作时间和排班表，保证项目进度和人员配置。设计团队每周开一两次项目碰头会，由各组长汇报项目进度，指导教师及时纠偏、确认设计方案和安排新的工作任务。

7月中旬，经过多轮修改以及与甲方的反复确认，设计团队完成了“二郎山文创旅游节”需要提前印制的活动物料，包括视觉形象类，如喷绘、旗帜和T恤等应用设计；文创产品类，如笔记本、丝巾、雨伞等；包装类，如蜂蜜、竹笋等农产品包装设计。然后立即开始小批量打样制作，三个小组都能在规定时间内完成第一阶段的设计目标。

第二阶段，指导教师采用轮班制对项目进行监管，每天直接听组长汇报进度并安排工作，再由组长给组员分配具体任务。当组长的工作安排不当时，指导教师会及时调整，确保团队每个成员都能发挥自身优势。为了让团队成员始终保持工作热情，项目负责人和指导教师非常注重团队情绪管理，例如，通过表扬先进树立榜样，激发大家的工作热情和专业能力；组织学生就项目开展情况积极互动，营造活泼的团队氛围；安排好团队成员的生活，让大家感到温暖；加强组长对组员的任务监管，及时解决出现的各种问题；对那些有消极情绪的个别学生，指导教师进行一对一的个性化管理，消除他们的心理障碍以及可能对团队产生的负面影响。尽管项目开展过程中有曲折，但是团队仍在朝着项目规划目标稳步前进。

7月底，第二阶段的工作顺利完成。团队完成了部分新增和需要修改的设计与产品打样工作，同时，为了配合对方的宣传需要，团队对所有产品进行了拍摄。在项目收尾阶段，大家分工完成项目展示PPT和KT板，对部分设计有瑕疵的产品及包装再次打样，并将所有产品进行分类整理，然后装箱并标记，活动前一切准备就绪。

(三)项目展示与教学总结

7月底或8月初，设计团队师生会在“二郎山文创旅游节”开幕前两三天赶往天全县实地考察布展场地，将制作好的文创产品与农产品包装在对方指定的场地上呈现出最佳的展陈效果。在活动前一天，大家按照分工完成作品布展，次日参加“二郎山文创旅游节”的开幕式以及后续的水城音乐节、农产品拍卖会等丰富多彩的活动，活动现场的LED屏幕滚动播放团队的设计作品，项目负责人和学生骨干也多次受邀上台展示创意过程。团队设计的作品受到当地村民、学校与县领导以及媒体的一致好评，被四川经济网、指尖天全、成都大学官网等媒体陆续报道，连续三年的项目设计都取得了极大的成功。

活动结束后，团队的设计成果在学校9月开学后进行主题展览与汇报汇演。团队成员要总结项目中的收获与不足，项目负责人做项目复盘，并依据贡献大小对部分优秀成员进行表彰，将团队设计的文创产品作为纪念礼物送给每位成员。至此，设计团队的项目化教学工作圆满结束。

三、高校设计团队项目化教学管理方法总结

(一)合理配置人员

高校设计团队是依存于师生关系而存在的一个群体，没有企业和设计公司中完整的组织架构和严格的管理系统，可以依据承担的项目将团队成员划分为项目负责人、核心成员、非核心成员和其他人员四大类。当然，这样分配角色并非机械式的一成不变，需依据具体项目而定。项目负责人相当于企业的项目经理，是团队的领导人和决策者，通常负责制订项目工作计划以及与客户沟通等，他们需要具有较强的专业能力、协调能力和掌控能力，一般由项目经验丰富的教师或研究生担任；项目核心成员一般为专业或组织能力强的师生，负责项目的具体管理和核心设计工作；项目非核心成员主要是低年级学生，做一些基础性工作；项目其他人员包括项目关系人和项目兼职人员等，他们一般在外地或者是兼职，虽然无法到工作室集中办公，但是可以辅助项目的开展。

同时，高校设计团队的师生并非企业专职设计师，在开展具体项目的过程中，团队人员的流动性比较大。因此，需要特别重视团队人才的梯度建设和人才储备，合理配置人员，由相对稳定的核心成员带领新人，防止由于人员流动而延误或中断项目进度，尽可能地降低项目风险。

(二)制订详尽的工作计划

项目设计是一个庞杂而又多变的整体，当中涉及的细节较多，需要根据设计任务和时间周期制订出切实有效的项目计划并进行分工，确保每一项工作都落到实处。当然，工作计划和分工也是动态的，需要依据项目进程不断调整和优化，分阶段制订与执行。只有团队成员目标明确、分工合理、各司其职，项目才能良性运行。

(三)严格督查项目进度

基于详细的计划与分工及时间节点，项目负责人应及时查看项目进度是否达到要求，以便根据实际情况及时调整，确保项目在规定时间完成。根据项目周期和紧急程度，具体可以按每日跟进、每周检查、每月听取汇报等方式了解团队成员的工作进展与完成质量，实时督促并提出改进要求。

(四)加强项目质量管理

项目质量是由范围、时间、成本构成的闭合三角形，项目质量管理的要领就是要保持这个三角形的平衡。优质的范围、快速的时间、廉价的成本，三者往往无法同时兼得，需恰当取舍。在“二郎山文创旅游节”项目设计中，首先，赶在活动前快速完成基础工作；其次是保证设计品质，在工作内容庞大繁杂的情况下，在设计过程中宁可砍掉一些对大效果没有影响的细节，也要保证主视觉和主推产品的设计效果，切忌一叶障目，陷入设计者的主观臆断中。由于属于扶贫项目，对方预算非常有限，因此尽可能地选择成本低的产品进行打样，先确保活动上的展销会能使用，后续再根据实际需求由当地企业选择性投入生产。

(五)保持沟通渠道畅通

项目沟通主要包括对内和对外两部分。对内是指团队各层级人员之间明确的任务指令、及时的工作反馈和各种范围内的信息交流，对外是指团队代表与客户、供应商和其他人员之间的信息交流与确认。必须同时保持内外两条沟通渠道的畅通，成员之间只有进行及时、有效的信息传达，才能加快项目进度、提高项目质量，最终获得双赢。

(六)建立有效的激励机制

为了营造良好的工作氛围，让团队具有持续的战斗力，对优秀成员进行一定的物质奖励和精神激励是非常必要的。团队成员在获得价值认同与激励后，能增强在项目中的参与度并提高工作效率。对学生而言，可以用颁发奖学金、荣誉证书、评奖评优加分、给予重视和地位提升、组织聚餐等形式进行奖励；对教师而言，可以通过折算工作量、颁发指导教师证书和奖金等方式进行鼓励。当然，对因各种情况无法按要求完成项目的人员，允许有一定的退出机制。项目负责人宜早发现并尽早让其退出，避免因人员变动影响项目的顺利进行。

总之，高校设计团队无法套用企业和设计公司的管理模式，需要在具体项目实践中摸索出适合高校自身的管理方法，在项目化教学中激发学生的创新能力、拓展教师的知识边界、提高学校的办学口碑，让高校设计团队更好地发挥服务地方经济文化的功能。

〔基金项目：四川省2021—2023年高等教育人才培养质量和教学改革项目“新文科视野下‘大设计’人才培养模式的研究与实践”(编号：JG2021-1091)；成都大学2021—2023年人才培养质量和教学改革项目“新文科视野下‘大设计’人才培养模式的研究与实践”(编号：cdjgb2022017)。〕

在艺术教育中传承与创新民族文化——以羌族剪纸艺术为例

罗晓飞(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院教授,硕士生导师)

羌族剪纸艺术是羌族的民间文化形态，是羌民族文化的表征。羌族剪纸艺术作为民族文化遗产，是羌民族民俗生活的见证与表达。基于地域文化特征的艺术教育特色资源，羌族剪纸艺术蕴含着深沉、丰富的民族文化精神。以艺术教育为切入点，梳理羌族剪纸艺术作为特色教育资源的存在与意义，顺应艺术教育的时代要求，体现其审美性和文化性。在传承与创新过程中，将立足传统文化本位，挖掘其内在资源，把握其精神内核，借此进行新的且适合于当代审美趣味的创造性转化。实施理念融合与形式建构，进一步拓宽羌族剪纸艺术的表现形式与魅力，实现民族文化在新时代的有效生存与发展。

一、民间艺术特色资源与艺术教育

在艺术教育中发展民族艺术是文化继承与发展的需要，是审美与情感的需要，也是艺术教育教学创作的需要。它不仅能够激发学生强烈的民族认同感和学习欲望，还能够增强其对民族文化的热爱以及对继承和发展民族文化的强烈愿望，这比宣传和说教更真实和易于接受，也更能起到感化作用。这是由艺术教育功能之文化性决定的。

羌民族历史悠久，羌族人信仰万物有灵、崇拜自然，秉持生命互渗的观念。羌族剪纸是羌族人民基于这些观念为满足精神生活需求而创作的原生态美术作品，具有浓厚的地方特色，兼具本土性与民族性。它是在特定历史时期、特定区域环境下产生的特定民族的精神和物质总和，是基于地域文化特征的艺术教育特色资源。将羌族剪纸这种民族特色资源融入艺术教育是因为羌族剪纸天然地贴近自然和生活，具有鲜活的生命意义，并且具有感性、原生态特征，是民族心理的体现，浸透着人民群众的审美意趣和理想愿望。羌族各种生活美的制作，从最现实的当下或者艺术在场的角度，与自然和生活本相保持最近距离成为创作的动因与结果，生成了羌族独特的剪纸艺术，形成其原生态的艺术特色资源。

将羌族剪纸艺术作为一种教育资源与艺术教育关联，是基于它们的文化共性。首先，艺术教育即文化的教育，其教育功能性决定艺术教育具有教化和传播作用。以羌族剪纸等为代表的民间艺术由于其言传身教、身体力行流传至今，凸显了其独特的传承与教化作用，艺术教育与民间艺术二者殊途同归。民间艺术及其教育功能作为人类社会的一种特有文化现象，有其自身的发展历程，它与社会、与人有着千丝万缕的联系，相互依存、互为促进。同时，代表中国传统文化积淀的民间艺术，需要通过教育特别是艺术教育这种有效的传播渠道，突出其和谐的秉性并谋求和确证人的真、善、美。其次，体现文化性是艺术教育顺应时代的要求，即要有明确的民族文化意识并使民族文化意识由不自觉走向自觉。艺术是文化的载体，艺术教育也应该是在一种文化观照下的学习过程。艺术教育的作用在于通过对艺术品形象的评判，影响学生的思想、道德品质和人生态度。如今，文化作为一种资源的存在已经越来越被更多人认同。以羌族剪纸为代表的民间艺术蕴含丰富的羌族文化资源，艺术教育要自觉挖掘民族艺术审美文化资源，寻求与激活在新时代背景下发展民族艺术的因子和机缘，努力在文化层面上获得新的增长点。最后，艺术创作所需。羌族剪纸中呈现的艺术元素如造型上的夸张、变形，色彩上的大胆对比，构图形式上的和谐饱满，多视角形态的刻画、多种时空形象的融合，强烈情感的表达、情感的自然流露，创作时的自由心态、丰富的联想等，无不让艺术教育在艺术创作上耳目一新、豁然开朗。将羌族剪纸等民间艺术作为艺术教育媒介，可以帮助学生寻找艺术的切入点，把握其精神内核，并且以此进行新的且适合于当代人审美趣味的艺术再创造。通过这种创新机制，促使民族文化不断焕发新的生机。

二、理念融合与形式建构

民族文化的发展在于创新，反映在民间艺术上则是艺术创作上的理念升华和话语内容革新。艺术创作理念是指创造者在艺术实践中所持的观点、态度及情感等，它直接关系到艺术形式的选择、运用与表达。在创作中，创作主体必须有正确理念的支撑，并结合相应的形式语言(即形式建构)才能创造出优秀的艺术作品。在羌族剪纸艺术的传承与创新过程中，理念融合与形式建构显得尤为重要。只有建立在羌民族传统艺术深刻的思想内涵和独特的语言形式上，且让两者紧密契合，才能凸显羌族剪纸作为民族艺术应有的精神风貌和民族、民间艺术性风采。纵观羌族剪纸艺术，除了其思想性外，呈现在艺术层面的造型理念主要有两个特点。其一，羌族剪纸构图上的虚实相生。在二维空间中的造型必然会形成阴阳、虚实的空间符号，羌族剪纸恰恰体现了这种空间构图的形式。这种阴阳、虚实犹如文学意境中的虚境与实境。在剪纸的二维空间中的形象便是阳形，也就是文学意境中强调的实境，形象之外的剩余空间部分称为阴形，也就是文学意境中强调的虚境；阳形表现的是如在眼前的实境，而阴形表现的是见于言外的虚境。因此，在剪纸艺术中，既要创作灵动的形象并合理地置入一定的空间范围内，又要在非形象的空间范围内留有合理的空间，给视觉受众充分的想象和思维空间。其二，主体内容上的情景交融。剪纸的素材多样，不同素材的剪纸表达了先民早期不同的情感诉求。最初的兴于祈福纳祥与传情象征的心理慰藉，体现了民间剪纸艺术中的“情”，因此，在其取材的形象符号指示系统中，客体的实物模拟简化，乃至约定俗成，最后形成庞大的形象符号体系。在剪纸艺术中，这些形象符号就是人们所说的取材，也就是“景”，通过这些“景”反映来自民间的祈福纳祥、生命繁衍、民间传说等“情”，显示着他们的情感表达。他们把情感融入这些“景”的描绘中，也就是把情藏于景中的最好展示。此外，造型理念中的质朴、意象的情感表达在理念融合中更是举足轻重。在审美理念上体现“和而不同”的原则，追求新的和谐与统一是发展民族艺术的美学和文化的重要策略，具有鲜明的时代性与现实意义。

形式建构呈现的是艺术创作最终的艺术效果，是创新话语的形式表达。体现在剪纸艺术中则是空间的平面性、造型的意象性与形象的符号性。一是空间的平面性。羌族剪纸的工具(剪刀或裁刀)特点决定了其表现的特性具有空间的平面性，因为剪刀大多只能在平面上进行雕、镂、剔、刻、剪等。二是造型的意象性。羌族剪纸中的形象不遵循写实主义法则。羌族民间剪纸的纹饰寓意可以让人感受到其创作冲动本质上是对其图腾、宗教及农业生活的反映，是这些生活在其造型艺术中的积淀、取形、变异与夸张，是长期积累发展变化来的。如“羊”及众多的“火”纹饰运用，皆是原始人类对自然崇拜的产物。三是形象的符号性。符号化与象征性是剪纸艺术进行意义传达最主要的方式，且在某些方面还具有特定涵义。当然，这是建立在一个区域内民族对传统形象表达意义的认同上，这种认知是在一个较长的历史时期中逐渐形成的。剪纸正是依靠这种对物象象征意义的认同，使非写实性传达的剪纸形象能够准确地传递其背后的意义。艺术品是人对自然的理解。羌族民间剪纸艺人的创作不是以写生的方式将自己捕捉到的形象固定在纸上，而是将这些多种多样的感受集中、重组表现于剪纸作品中，并且这种表现强化了物的本质特征。在艺术创作过程中，创作者如果融合理念与形式上的建构，从写实中走出来，注重剪纸艺术剪影形式的立体主义思维，进行剪纸形象的象征性转化，就会起到事半功倍的作用。

总之，羌族剪纸艺术作为民间艺术领域中的一项分类，需要借用艺术教育主体传播阵地，推动其创造性转化及创新性发展，激活其生命力，体现时代精神。

〔基金项目：四川省哲学社会科学重点研究基地羌学研究中心2019年度项目“羌族民居建筑艺术及其当代价值研究”(编号：QXY201906)。〕

非遗文化融入设计专业基础色彩课程路径探索

邓丽平(成都银杏酒店管理学院讲师)

近年来，我国越来越重视优秀传统文化的传承与发展，促进了地方非物质文化遗产(简称“非遗文化”)资源的开发与利用，为艺术教育教学实践中融合非遗文化创造了良好条件。地方非遗文化中有很多元素可以融入设计专业基础色彩课程教学。这样，既可以拓展课程资源，又可以传承、保护与发展地方非遗文化。

一、非遗文化融入基础色彩课程的价值

基础色彩课程主要是让学生掌握自然光色变化规律，学习正确的色彩观察与表现方法，在实操练习的基础上形成一定的色彩感知、认识、表现与应用能力。非遗文化包含的文化资源非常丰富，融合的色彩元素也比较多元，将其融入基础色彩课程，不仅能为课程内容、教学方式创新发展提供丰富的文化资源与实践平台，而且能够让学生了解非遗文化的艺术元素，并通过色彩解构与重组，为学生创新能力发展注入新动能，为学生发挥主观能动性创造条件。地方非遗文化融入基础色彩课程的重点是强调学生对色彩元素的重构与创造，给学生提供非遗作品设计案例，让他们更好地理解色彩应用，提升对色彩的感受和设计能力；同时，通过挖掘非遗文化资源让人文教育渗透到设计专业人才培养体系中，提升学生文化素养与文化自信，激发学生热爱祖国优秀传统文化，在实现高校服务地方的职责和使命的同时实现教育教学与民族文化传承与创新发展的有机融合。

二、科学筛选融入基础色彩课程的非遗文化资源

非遗文化具备特定的历史性，其色彩构成符合当时人们的认知需求。现存的地方民间艺术非遗类型多样，如石雕、剪纸、布艺、年画、面塑、木雕、麦草画、古建筑彩绘及绣活等，现代人结合自己的认知需求融入了现代加工技艺。在众多融入了现代工艺的非遗文化中，要选择符合基础色彩课程的非遗文化，必须充分考量非遗文化的规律特点和属性特征，全面分析基础色彩课程改革的实际需求，科学探究非遗文化与基础色彩课程的内在联系，筛选优质的非遗文化资源，切实推进基础色彩课程教学创新。

(一)寻找非遗文化与基础色彩课程的契合点

要想将非遗文化融入基础色彩课程，必须寻找二者的内在契合点。通常情况下，基础色彩课程实操性的互动教学需要依托非遗传承人、数据采集、田野写生等，且非遗文化资源的选择需要考虑地域属性，考虑本校学生是否具有较为便利的参与非遗项目的机会与条件。基于此，本文选择将四川省非遗文化——夹江年画融入基础色彩课程。一方面，年画在我国有上千年的历史并对外产生了深刻影响，如苏州知名的桃花坞年画，流传到日本，影响了日本浮世绘艺术，后来对西方艺术也产生了影响。夹江年画常用槐黄、苏木红、蓝靛、品绿、黄丹等色，其淡青灰绿的色调和西南岷江流域的田园风格非常协调，且当地拥有年画民间艺人从事技艺传承，这也为课程的实操训练提供了可操作性。另一方面，夹江年画与基础色彩课程具有较高的匹配度与适应度，能够促进课程建设与非遗文化传承的协同发展，培养学生的地域认同和传统民间艺术情感，能够为更多非遗文化融入基础色彩课程提供样板范例。

(二)选取满足基础色彩课程需求的非遗文化资源

非遗活态传承需建立在非遗手工艺的当代价值转化上。将非遗文化融入基础色彩课程教学的目的主要是通过引入非遗文化的色彩应用规律，引导学生探索色彩的基本规律，熟悉水彩、水粉等色彩媒介的表现方式，为学生形成良好的色彩感受与设计能力提供文化支撑。非遗文化资源兼具内容与艺术特色，即使是同类型非遗项目，其特色与艺术价值也存在较大差异，因此，在选取融入基础色彩课程的非遗文化资源时不能贪大求全，要甄别、剔除一些艺术价值不高的色彩表现形式，重点挖掘色彩应用价值较高的内容。例如，在基础色彩课程中融入夹江年画。年画作为中国民间文化与艺术的载体，因南北地域差异、时代发展差异而呈现出不同的艺术特征。夹江年画接近古代文人画的气韵，反映了特定历史时期的文化价值取向，对研究地方绘画历史发展有着重要价值。夹江年画代表作品有《神茶·郁垒》《耗子结亲》《三顾茅庐》《穆桂英挂帅》，这些示范佳作背后所蕴含的文化内涵也对基础色彩课程内容的拓展教学提供了有益补充，让学生通过体验感知到不同文化背景下色彩的象征意义，为他们创作更具有创新艺术特色的作品打下基础。

三、将非遗文化融入基础色彩课程的具体措施

非遗文化作为优秀民族文化的重要内容， 凝聚了多样的民族艺术和多元的文化内涵， 能增强民族文化自信， 提升国家文化软实力。基础色彩课程教学改革迫切需要多元文化资源的融合与渗透， 因此， 很有必要探究将非遗文化融入基础色彩课程的具体措施， 让优秀的非遗文化融入设计专业基础色彩课程教学实践，促进二者协同发展。

(一)明确非遗文化融入基础色彩课程的育人目标

将非遗文化融入设计专业基础色彩课程既要注重课程教学内容，又要坚持传承与发展中华优秀传统文化，引导学生从艺术视角审视传统文化，增强学生对中华优秀传统文化的认同感，树立文化自信。要秉持传统文化理念开展设计工作，培养学生的实际操作能力。基于设计专业人才培养目标，将非遗文化融入基础色彩课程时，首先，要全面规划培养方案，从课程开发、教材、师资配置与实践教学等方面进行设计，保障非遗文化融入基础色彩课程与设计专业育人目标的契合。其次，要不断细化与完善非遗文化融入基础色彩课程的教学目标，培养学生对色彩的感知和表现能力。例如，由于工学结合是设计专业教学的主要形式，为此可以在校内建设非遗大师工作坊，实现设计专业基础色彩课程与非遗传统手工技艺文化有效衔接。最后，邀请非遗传承人讲解非遗项目的色彩搭配与造型特征，并结合现代设计理念，指导学生完成具有非遗文化特征的作品。例如，在融入木版年画制作过程时，让学生了解古法制作年画纸张的过程，感受拓印及色彩独特的美感。

(二)拓展与完善非遗文化融入基础色彩课程的教学资源

目前，设计专业基础色彩课程教材内容与非遗文化的融合度不足，难以反映非遗文化的色彩特征，需拓展与完善教材，收集、筛选与整合非遗文化资源，包括视频、图片与文本资料等，形成适合基础色彩课程的素材。可从以下几方面开展工作。其一，梳理地方非遗文化种类，在拓展教材章节目录编写上采用主题设计，在课后拓展时需要对融入的非遗项目历史进行详细介绍。其二，教师在设计教学过程中要甄别色彩元素，充分挖掘非遗文化中符合基础色彩课程的素材，将其作为重点教学内容，保证知识性内容与色彩基础理论的衔接与融合。其三，开发配套教学资源，拓展课堂的有效媒介，同步更新线上课程，完善配套的图片、影音材料及其他微课资源包括非遗传承人的技艺展示，让师生能够从不同视角了解非遗文化的色彩特征，形成传播力强的基础色彩线上课程。

(三)丰富非遗文化融入基础色彩课程的教学形式

将非遗文化融入基础色彩课程时，教师应结合学生兴趣、需求与体验拓展教学形式，采取集体教学、小组教学或个别化学习等方式，设计主题活动，开展丰富多彩的教学活动为学生提供更多的自由与表现的空间，体会与感受非遗文化中的色彩表现特色。同时，注意贯彻工学结合及工匠精神等重要理念，鼓励学生积极参与实习实训活动，引领学生参与比赛竞赛，通过各种实践活动帮助学生转化基础色彩课程的学习成果。在实践操作过程中，教师要对非遗项目进行文化溯源，重点讲解色彩元素与设计目的的关系，通过示范让学生了解色彩在非遗作品中的表现手法，掌握其中的规律，了解色彩构成的形式美，并深刻体会非遗艺术中色彩的处理技术。教师可以将实践操作场地从课堂延伸到校内工作坊、大师工作坊及更宽广的地域。组织学生通过实地考察了解非遗文化的艺术特征，重点关注并采集上色技法、色彩表现形式、装饰纹样等，让学生现场感受非遗艺术中的色彩；促使学生与工作坊进行合作，在参与产品制作过程中深刻感悟非遗艺术中色彩应用的巧妙；之后，让学生回到基础色彩课程的学习，对采集的上色手法、装饰纹样等进行对比分析，根据色彩应用原理阐释其中的艺术元素。此外，可以开展丰富的课外活动增加学生接触非遗文化的机会。例如，邀请非遗传承人到校开展讲座或聘请其为实训课指导教师，为学生提供交流与分享平台；还可以开展数字化线上活动，为学生拓展非遗网络课程、在线课程、微信公众号等资源。

(四)促进非遗文化融入基础色彩课程的成果转化

教师以项目工作室为载体，通过传承非遗文化实现区域文创产业的发展，在基础色彩课程中构建校企合作创意工坊，创新课程成果的转化应用。教师可以将学生划分为4～5人的研发小组，对非遗项目进行色彩应用创新设计，从色彩过渡到产品设计的创新，将具有非遗文化色彩特征的作品进行转化，让色彩应用兼具装饰性与实用性，如此，非遗文化经过课程再创新的形式可以获得当代全新的生存空间，也体现了师生将非遗文化融入基础色彩课程的成果。与此同时，在将非遗文化融入基础色彩课程教学中，教师要引导学生提取其中的设计元素，用符合新时代消费群体偏好的色彩与形式进行品牌、包装、服装等再设计与创造，在实操训练中导入真实的非遗文化设计项目，根据行业市场需求培养复合型设计人才。通过校企合作、产教融合等途径让更多企业了解设计专业人才培养情况，并积极强化项目合作与产品研发，推动非遗文化融入基础色彩课程的成果转化应用，这样既可以激发师生热情，提高教学教研能力和项目合作水平，也可以促进理论教学与实践教学的相互融合，更好地拓宽实践育人的渠道。另外，学校可以组建非遗文创工作室，设置非遗展示厅，展示或销售师生的优秀作品；并通过课程内外、线上线下的融合，实现非遗文化的全面渗透，促使人们认识和理解非遗文化，为培育新时代非遗传承人奠定基础。

(五)为非遗文化融入基础色彩课程提供保障

一是师资保障。为更好地将非遗文化融入基础色彩课程教学，学校应打造非遗文化双师型教学团队，为非遗教师的教学观察提供相对宽松的校园环境，根据课程特点健全工作坊、实训室和校外实训基地，完善线上线下教学资源库，利用互联网技术搭建线上网络教学、资源共享及远程课程学习平台，增强校内教师与校外非遗传承人的互动交流，使他们能够了解学生的课程学习情况和实践动手操作能力培养状况。二是资源保障。加大校企合作、产教融合的力度，鼓励教师带领学生通过参与文创项目开发活动，不断提高实践应用能力，并根据校内外导师的反馈情况及时调整教学方式方法。非遗双师型教学团队自身也可以搭建教学教研资源共享平台，针对教学教研实践中发现的问题确定研讨主题、商议对策，在线研讨与优化方案，并对在教学教研中形成的优秀成果案例加以推广与传播，甚至可以将教学实录、教学案例分享到平台，带动更多教师学习参考，整体提升非遗文化双师团队教学水平。同时，学校也要增加资金投入，加大开发和利用非遗文化资源的力度，完善非遗文化融入基础色彩课程的软硬件条件，增加基础色彩课程的实践教学内容和实践教学活动。三是完善配套的教育评价机制，保障非遗文化融入基础色彩课程成效，包括对教师教学效果、学生色彩应用能力的综合评价。如教师定期展示与非遗文化相关的公开课，检验非遗文化融入基础色彩课程的实施情况；测评与反馈学生色彩应用能力，以激励评价为主，提升学生学习非遗文化知识的积极性，达成将非遗文化融入基础色彩课程的目标。

〔基金项目：四川动漫研究中心2019年度课题“四川非遗文化与动漫游戏产业的协同发展机制研究”(编号：DM201922)。〕

提高学生设计素描能力的方法探索

李 茜(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院讲师)

毛天斌(成都大学建筑与土木工程学院副教授)

设计素描作为环境艺术设计专业的一门基础课程，对学生今后从事设计工作有着重要影响。素描被称为绘画的“骨骼”，主要培养学生的造型能力。设计素描能力是设计专业学生必备的专业基础能力。进入环境艺术设计专业的学生虽然具备了一定的素描功底，但是对于透视、结构和空间等的把握往往停留在写生再现的基础上，而以表达设计构想为主旨的设计素描能力还比较弱。设计素描能力培养的重点是创意表达，而非简单写生再现。教师要精心设计素描教学，引导学生正确观察和分析物体，促使学生研究和学习透视原理，从结构和明暗表现、肌理和质感表达几方面理解设计素描，培养学生的创新思维和抽象思维能力，变被动再现到主动表现，提高学生环境艺术设计实践能力和效果表达能力。

一、加强学生对透视原理的理解

对透视原理的理解就是对物体视觉空间结构的理解。透视表现出的特点就是对视觉空间的描绘，它包括平行透视、成角透视、倾斜透视和空间透视，也就是常说的一点透视、两点透视、三点透视和空间透视。掌握透视原理可以帮助学生更好地理解视觉下的环境空间呈现，对他们今后进行设计的创意表达有着重要的指导意义。对设计素描课程中透视原理的学习可以分为两个阶段：一是通过对对象的观察及理解，利用透视变形规律，写生表达出其空间结构；二是在写生的基础上，通过理解及创意，表达出未曾写生过的、符合透视变形规律的新视点下的空间结构。

如何让学生深入理解这些透视原理并运用到未来的设计中，是设计素描课程需要认真研究的课题。只有让学生全面掌握物体、空间的透视关系和正确的透视表现画法，他们才能准确地表现和理解物体在视觉空间下呈现的结构，以后走入相关工作岗位，才能得心应手地进行设计，有效表达设计构思、传达设计意图。

二、提高学生对结构的表现能力

在设计素描课程教学中，教师要注重提高学生对物体结构的表现能力。物体结构是构成物体外观形态的基本要素。在设计素描中，物体结构表现的特点是以素描的方式研究物体的结构规律，其表现主要以线条为表达手段，摒弃光影和明暗，单纯以表达物体自身的结构本质为目的。通过对物体结构的理解和表现的训练，围绕“结构”的探索、识别、表达和创造，可以提高学生对三维空间思维的推理，从而提升学生的想象能力和创造能力，为学生今后的设计工作打下坚实的基础。要提高学生对物体结构的表现能力，需要做到以下工作。首先，培养学生正确的观察方法，包括三维的观察、全面的观察以及穿透性的观察。指导学生不受环境光线、物体色彩与质感等的影响，掌握物体的形体特征、比例尺度、结构关系等。其次，让学生思考和分析物体的结构，包括物体的形态结构、解剖结构和空间结构。最后，让学生正确运用结构形态的表达要素，诸如透视、比例、线条的运用，了解及掌握三维空间中物体结构的造型方法。教学中，教师可以选用立方体展开教学。立方体是最理想的空间基准，任何一种形态的物体都可以分解成无数个立方体来认识。这种方式也容易让学生理解结构在空间中的构架，从而理解更复杂多变的空间形态。在设计素描课程教学中，培养学生对物体结构的表现能力可以让学生建立对客观物体更科学、更形象的认识，以观察、推理、分析与想象为依据，以简洁的线条表达复杂的空间形态，准确而严谨地将空间结构表现于画面中。

三、提升学生的明暗表现能力

物体的明暗是指物体在光的照射下所呈现出的黑白灰的色调关系。明暗造型也是设计人员表达设计构想与方案的造型语言之一。教师要提升学生的明暗表现能力，需要从以下几个方面展开。首先，让学生了解明暗变化的形成规律。物体明暗变化由诸多因素决定。在物体自身的形体中，由于结构的转折变化，导致受光的程度不同而产生强弱的变化，进而影响明暗的变化；物体和观察者的方位和距离的变化，会影响物体明暗的变化；物体自身的材质和固有色的变化，对光的吸收和反射的程度也不同，进而会影响物体明暗的变化。材质越光滑，明暗变化越强；材质越粗糙，明暗变化越弱。固有色越淡物体越亮，固有色越深物体越暗。物体间的环境色不同，也会影响物体明暗变化。其次，让学生了解物体明暗色调变化的一般规律。“三大面五大调子”是明暗变化的一般规律，掌握好亮面、灰面、暗面以及高光、灰面、明暗交界线、反光和投影的表现，是提升物体明暗表现能力的基础。再次，让学生掌握明暗造型的基本规律及明暗造型的关键。“对比”是绘画造型的基本原则。素描的一切表现手法都通过对比体现，如明暗对比、虚实对比、主次对比等。明暗素描的关键是抓住明暗交界线。明暗交界线的描绘至关重要，其形状与性质体现了物体表面的结构特征和体积起伏。最后，让学生熟练掌握明暗造型的基本表现方法，包括明暗对比规律及表现方法、虚实对比规律及表现方法、体面造型与线面结合表现方法等。只有让学生进行大量的明暗造型训练，充分理解物体的固有色调、质量感和立体空间效果,才能提高学生的设计素描能力，在未来的设计工作中游刃有余。

四、掌握表现肌理与质感的技法

质感，是指人们对物体表面的感觉，如柔软、坚硬、光滑、粗糙、轻盈及沉重等。空间中，任何物体都由一定材料构成，呈现一定的质感。材料质感的产生与材料肌理状态密不可分。自然界中，任何物体表面都有各自的组织结构，并呈现出一定的纹理变化，即肌理。如一颗花生，有自己的凹凸肌理变化，让人们的视觉及心理感觉粗糙，即产生粗糙的质感。设计素描中的肌理与质感表达就是要着重表现这种视觉、心理所产生的视觉质感，针对一定材料进行可视感和可触感的分析及描绘。在环境艺术设计中，对材料的运用相当重要，材料和肌理设计的多样性能使空间产生丰富的视觉化语言。因而让学生掌握表现物体的肌理与质感技法尤为重要。室内教学可以采用临摹和写生的方法让学生掌握基本的表现技法和规律；后期可以带领学生外出写生，让学生向大自然学习，描绘表现自然万物的不同视觉感受，培养学生对物体肌理及质感设计的表现能力，在提高学生技能的同时也培养学生的创造思维。

当然，环境艺术设计专业设计素描教学方法不是一成不变的，应与时代和人们的生产生活需求相结合，并结合学生特点、专业特点的时代要求，科学合理地规划教学目标、教学内容和教学方法，为社会培养更多的高素质环境艺术设计人才。

国际生教学语境中中国传统艺术课程教学探索

彭芳燕(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院讲师，博士，硕士生导师)

徐莉萍(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院助理研究员)

肖春兰(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院硕士研究生)

成都大学美术与设计学院开设的中国传统艺术课程，基于国际学生多元的文化背景进行了富有针对性的教学改革与创新，在课程核心思想、教学理念、教学方法以及教学场景方面探索出了根植于中国传统艺术且与成都本土艺术相交融，强化审美陶冶与意趣探索，兼顾创新与现代设计思维养成并积极推进产教研转化，融合多媒介、多维度、多空间的课程教学体系化举措。

一、以传播中华优秀传统文化艺术为教学核心思想

针对多国籍、多民族、多层次的国际生，中国传统艺术课程要以传播中华民族优秀文化艺术作为教学核心思想，对中国传统艺术与成都地方本土艺术发展及现象进行链接，在广泛探讨中国传统艺术的绘画、书法、建筑、园林、雕塑、服饰、舞蹈、音乐和戏曲等基础上聚焦传统艺术，帮助国际生在初步明晰中国传统艺术的思想与技艺精髓、基本意趣和形式类别的同时，延伸到成都地区乃至西南地区的传统工艺文化、地方民间艺术的发展及现象的知识普及。此外，课程还要对与视觉传达设计专业方向联系紧密的器物形态、传统纹样、工艺方式进行重点讲述。

例如，在讲解中国传统刺绣文化、派别及纹样时，带入成都地区蜀绣技艺的经典织物、传统工艺及典型绣片纹样；还讲述与展示四川地区少数民族刺绣艺术如羌绣的刺绣方法与典型纹样，拓宽国际生对成都本土传统艺术经典与西南地区少数民族艺术的认知。在讲解传统纺织工艺的时候，又将蜀锦的知识融入其中，呈现蜀锦纺织工艺与纹样典例。在呈现中国传统民间年画时，将四川绵竹年画带入，对比研究其与杨柳青年画和桃花坞年画在技法与视觉形式语言表现方面的异同；更带入充满民俗意趣的成都民间糖画等艺术形态，呈现其制作的材料与技法，以及“转糖饼”游戏的互动方式。从而让那些在成都求学且首次系统化接触中国传统艺术的国际学生既能直观体验到成都本土与西南地区的文化魅力以及中国传统艺术的博大精深，又能初步认知中国传统艺术发展体系中的整体与个体的对应关系，提升国际生对中华文化与成都本土文化的兴趣度和关注度，促进文化互通与交融。

二、美育与意趣结合的理念

中国传统艺术课程将审美陶冶与意趣探索作为教学理念。课程旨在以美育人，传播中华传统文化艺术中的经典意蕴，探索中国传统艺术精髓在当代的传承与发展，提升国际学生对中国传统艺术的关注度和兴趣度。在进行审美陶冶过程中，教师以东方审美文化陶冶作为遴选教学案例的基本标准，通过展示充满中国传统美学意味的古代工艺美术作品、古典字画、实用器物、建筑与空间等案例的多元整合，让国际学生从宏观到微观、从局部到整体，全方位地体味中华传统意蕴之美，在艺术设计陶养中逐渐关注中国传统艺术与中国文化。例如，在讲述宋代传统艺术特征时，教师遴选了宋代工艺美术器物“莲花温碗”、书画作品《瑞鹤图》，以及宋代家具、服饰、建筑与空间等案例向国际学生立体化地展示宋代审美特征下的传统艺术形成与表征。同时，为了将传统和现代有机链接，除了对传统艺术品本身的展示外，教师还在教学案例中导入故宫博物院、陕西历史博物馆、四川博物院、大英博物馆等与传统器物一一对应的文创产品设计案例。以如此具有兼贯通古、美与创新、形式与功能的优质设计案例的导入，使国际学生直观感受中国传统审美、传统文化与创新设计思想之间的无限关联性。

在审美熏陶之外，提升教学活动的趣味性是吸引学生注意力、提升学习效率、保持学习持续性的有效路径之一。为了提升教与学的趣味性，中国传统艺术课程将《如果国宝会说话》《上新了，故宫》《国家宝藏》《我在故宫修文物》《何以中国》等一类与大众文化、流行文化，尤其是符合并积极引导年轻人的历史好奇心、历史热爱度的历史文化类综艺节目片段有机融入课程，并穿插以中国传统美学为视觉表现核心的影视片段。同时，将与中国传统艺术课程相关的设计案例融入对应知识点的讲解中，增加知识点的立体延展度和趣味性。

三、创新与养成现代设计思维的教学方法

在传统艺术、传统文化知识的基础上体现时代的创新思想与设计教学的现代性，培养具有跨文化思维的现代设计人才，是中国传统艺术课程教学的最终目标。经过研究，项目驱动教学法成为首选方法。

课程将本土文创设计竞赛作为主要设计项目导入教学设计，其中以成都本土文创设计赛事为主要驱动项目，如四川博物院主办的“川博杯”文化创意产品设计大赛和成都博物馆主办的“这礼是成都”成都博物馆文创设计大赛等。同时，拟定项目的实施路径始终保证了从遴选到临摹、到创意草案，再经师生三轮以上的交流讨论，逐步形成完善的设计作品为执行流程，并严格推进。2020年“川博杯”文化创意产品设计大赛提供的设计用重点文物素材中的四川博物馆藏品“五代十国前蜀王建墓银盒”受到了国际学生的广泛关注。这枚银盒作为中国传统艺术中的金属器物，其功能与形态体现了“材美工巧”的中国传统造物思想，其空间形态及装饰纹样成为国际学生设计的素材和灵感源泉，他们对其进行了形态和纹样临摹(如图1、图2所示)，并在此基础上进行二次创作，将其设计开发成适用于现代日常生活的文创产品。

图1 “五代十国前蜀王建墓银盒”纹样描绘维达(Xayaveth Keovilay)(老挝)

图2 “五代十国前蜀王建墓银盒”器物临摹马玉兰(Sihalath Mayula)(老挝)

项目驱动教学在国际学生教学中的实施不仅可以引导学生更深入地解读中国传统艺术器物本身的构成元素，而且能引导他们主动探索传统艺术载体背后的民族艺术与民族文化现象；推动他们基于对传统艺术形式的现代创新，不断发掘和搜集优质的现代文创设计作品案例以开拓思维、扩大眼界。这样的教学更能驱动国际学生在中国传统艺术门类发展与现代设计探索中不断自主学习、独立思考，有益于他们创新思维的养成；同时，由于获奖作品有机会转换为博物馆文创产品，这样的教学更是一种对产教研联动的有力助推。

四、多媒介、多维度、多空间融合的教学场景

受新冠肺炎疫情的影响，大多数国际学生无法返校行课。教学场景的变化使得云课堂成为当前国际学生教学活动的核心教学媒介。为此，中国传统艺术课程团队进行了多媒介、多维度、多空间融合的教学场景转换，有效应用线上线下资源，加强师生交流，保证了良好的教学质量。

课程团队基于超星教学平台优化了课程内容，上传教学视频38个、教学文档27个、教学图例217张、知识点延伸视频31个。此外，任课教师还借助于互联网资源，跨越空间界限，通过博物馆VR演示与专题展览资料现场采集，带领国际学生一同进行博物馆云考察和云观展，了解成都市内博物馆信息、场馆空间设计、馆藏藏品，促进国际学生对中国传统艺术与成都本土文化交融与传播的直观体验。

课下，教师遴选如《中华五色》《图案ABC》《东方装饰艺术全书》《中国篮篓》等有益于课程教学且具有专业学术价值的优秀读本，定期在教学微信群中向国际学生推送。通过如此完善、丰富与拓展的模式，中国传统艺术课堂形式和授课方法已具有成熟的多媒介、多维度、多空间融合的教学特征。该课程在国际学生中教学效果良好，也受到了国际学生的广泛好评和优秀教评。

后疫情时代的教学将不断面临新的挑战和机遇。如此语境之下，中国传统艺术教学活动将不断守正创新，积极探索和优化教学，并不断通过一系列课程设计回归国际学生的培养宗旨——文化传播与美趣陶养，以教与学过程中的点滴情感体验和深切的情感共鸣不断增进青年一代的国际文化交流，为构建国际共融与友谊的未来不断助力。

〔基金项目：成都大学2019年度本科教育教学改革项目“中国传统艺术教学内容和形式的改革与实践”(编号：cdjgb2019064)；成都大学校级一流课程建设项目“中国传统艺术”(编号：38)。〕

中外合作办学背景下插画设计教学优化路径探索——以成都大学艺术设计专业为例

中外合作办学是推进高等教育国际化的重要举措。在国家“扩大开放、规范办学、依法管理、促进发展”方针的指导下，越来越多的高校开展了中外合作办学项目。成都大学与新西兰怀卡托理工学院艺术设计中外合作办学项目自2008年开办以来，双方每年都会在教学方面进行深层次交流，取得了较好的效果。怀卡托理工学院是新西兰最大的理工学院之一，其媒体艺术学院位居新西兰媒体艺术类专业学院排名前三，是新西兰唯一的全球五大洲高校创意工场联盟成员。艺术设计专业是该校的优势专业，拥有强大的师资阵容，部分教师在该专业领域享有极高声誉，经常受邀赴世界各地举办学术讲座或开展学术交流，加之其先进的教学设施设备、科学的教学理念和教学方法，使其培养的学生的专业知识和实践能力都具有较高水平，常在国内外大赛中获得佳绩。2019年5月，怀卡托理工学院插画专业教师到成都大学为艺术设计专业中外合作项目的学生进行了为期两周的插画设计教学，他们在教学中的很多具体做法值得思考和学习。

一、插画设计课程的目标与内容

插画又叫插图，属于造型艺术，因文字而缘起、随书籍而产生。随着社会的发展，插画的概念早已超出了传统范畴，并渐渐发展成为一种独立的艺术形式。插画能够依据表现内容的不同而呈现出装饰性、形象性和趣味性等特点，能极大地吸引观者的注意力。如今，作为现代设计中一种至关重要的视觉表现形式，插画被广泛地应用于出版、广告、商业宣传、游戏设计、影视动画等多个领域中，除了自身的审美功能外，也对产品销售、经济社会发展等方面起到了巨大的推动作用。

插画设计课程现已成为中外高校视觉传达设计专业重要的必修课程之一，是一门集绘画技法、设计创意与商业考量于一体的综合性课程。该课程旨在让学生了解插画的概念和表现手段，激发学生的学习兴趣，鼓励学生在插画设计中拓展不同的媒介手段。课程内容包括人物速写、动物拟人化插画设计等，主要技法有表现练习和创意思维训练两个方面。教师要根据学生情况有所侧重，循序渐进地培养他们的插画表达能力，为其他专业课的学习打好基础。成都大学艺术设计专业引入该课程后，开设于第二学期，其先修课程包括速写、设计素描、图像处理软件等，虽然只有64课时，但是后期还会在毕业设计中进行延展，因此在整个人才培养方案中占据较为重要的地位。

二、中新插画设计教学比较

成都大学插画设计教学主要由绘画专业教师承担，而插画虽然与绘画是“近亲”，但是在创作与教学中，并不能与绘画教学和创作相提并论。中方教师在教学中普遍存在两个主要问题。其一，囿于传统教学观念。一方面，沿用传统的绘画教学模式，侧重绘画技法的训练，学生在学习过程中比较被动，那些美术功底或造型能力较差的学生容易丧失学习兴趣；另一方面，教师在教学中，或以手绘表现手法为主，或以各种绘画软件的运用为主，缺少跨媒介或综合媒介的教学表现，导致学生在现代插画设计的表现手法上认识局限、创意匮乏。其二，教师缺乏实践经验。一方面，教师未能切身领会插画设计教学的重点和难点，未能帮助学生认识到插画设计的知识点不仅包含造型、色彩与构图等，还涉及版式设计、字体设计与图形设计等；另一方面，教学与社会需求脱节，无法培养学生关注市场需求的兴趣和寻求解决方案的敏感性。

在观摩怀卡托理工学院插画教师的课程教学，并与他们进行合作教学后发现，他们在插画设计的课程教学上具有以下特点。其一，在教学目标上，更加注重学生创意思维和想象力的训练，鼓励学生尝试多种视觉语言和表现手法，促使个人风格和个人特色的形成。其二，在教学方法上，以学生为课堂的主体，教师只起引导作用，让学生自由探索，培养学生的学习主动性和独立思考的能力。在教学过程中，教师根据每个学生不同的特点提出相应的指导意见，尽量因材施教；对每个学生的作品，大多以鼓励和肯定为主，让学生敢于表达自己的想法，激发其创意兴趣。其三，在教学内容上，注重课程内容的丰富性和多元化，善于引导学生整合艺术设计相关课程的学习内容，强调各种表现手法的运用，培养学生全面的艺术表现能力。另外，还将项目实践引入课程教学中，促进学生的作品与商业结合，创作出符合市场与大众需求的“对路”作品。

三、插画设计教学的优化路径

成都大学插画设计教师在与怀卡托理工学院插画教师深入沟通后，针对学生的实际情况和课程教学的问题，对优化插画设计教学进行了思考和探索。

(一)创意速写：培养创意思维

速写能力是造型艺术的基础，是插画创作的前提。传统的速写练习中，很多学生由于过分追求技巧性而忽略了速写的内涵，画出来的内容呆板无趣，学生也容易在枯燥的练习中失去创作乐趣。而创意速写是画者在速写的基础上增添想象或联想的成分，使画面具有独特的形式感和审美趣味。相比传统的速写，创意速写更注重即时的创造力和表现力。基于此，让学生进行了以下创意速写的练习，在学生中反响极好。其一，盲绘和非惯用手绘画的练习。学生以身边的同学为对象进行盲绘和非惯用手写生。作画时眼睛不看画纸，而笔却不离画纸。这种练习注重学生的个人感受，促使学生首先用各种感官理解事物而不是马上画出事物；学生在作画过程中以触觉、动觉为主导，带动视觉去感知事物，眼睛与手同步作用，动笔之时眼睛盯着的是对象而不是画纸。盲画出来的线条不像平时画出来的线条的样子，形象也不完全受逻辑的控制，可是往往会出现非常有趣和有表现性的东西。其二，线条简化或以少胜多的速写练习。让学生以身边的同学或以杂志上的人像为对象，在15分钟内画一幅有细节表现的速写；接着用5分钟简化细节，重画这幅速写；再用30秒重画这幅画；之后，让学生将几幅画放在一起比较。大多数学生都认为简化了细节的速写比一张复杂的速写作品更具有表现力。其三，夸张变形的练习。让两位学生分别在一张纸上写下对某个人的描述，然后交换纸张，拿到纸张的学生根据对方的描述画出该人像；再让学生找出描述这个人的最大特征，夸大该特征并尽量将其推向极致，然后重画这幅画；画好后让学生将两张画放在一起比较。几乎所有的学生都认为经过夸张变形的速写更具有表现力。通过这些创意速写的练习，不仅可以启发学生的创意思维、提升想象力，还能激发他们的创作兴趣，促进个人风格的形成。在进行了这些速写练习后，让学生到教室外进行观察和写生，运用他们在练习中学到的方法创作一幅完整的插画作品。

(二)综合媒介应用：开拓艺术表现形式

有了好的创意， 还需要有丰富的表现形式加以展现。除了传统的绘画媒介， 综合运用多种媒介手段在现代插画的创作中已经非常普遍。综合媒介的应用，不仅开拓了插画的表现形式， 还拓展了插画设计的种类。教学中， 教师除了向学生介绍铅笔、钢笔、彩铅、色粉、油画棒、蜡笔、水彩、水粉、丙烯和油画等传统绘画媒介的特点， 鼓励他们进行多种尝试， 找到适合的媒材外， 还特别强调综合媒介的运用。与传统的媒介材料如颜料和纸张等比较， 综合媒介在插画设计中的运用能丰富插画的表现形式， 使画面获得前所未有的视觉效果。综合媒介， 既包括传统的绘画媒材， 也包括非绘画媒材如印刷品、生活用品或工业材料等。不论是纸质媒介、针织布料， 还是玻璃、铁丝等工业材料， 或是鲜花、黏土等天然材料， 插画设计师都能运用影像结合、剪裁拼贴和立体雕塑等方法将它们结合在作品中，赋予它们崭新的意义。另外，数字技术的发展也为插画设计师提供了无限的可能性，各种平面绘图软件、三维建模软件的应用，使插画设计进入新媒体时代。教师可以拟定一个主题，鼓励学生运用综合媒介进行创作。在鼓励学生尝试各种媒介的同时，也要让他们思考画面与媒介的关系，切忌陷入为媒介而媒介的误区。综合媒介插画设计能够培养学生对不同媒介品质的审美价值，提升他们运用时的敏感性和判断力，锻炼他们在设计语言和表现形式上更加综合化和多样化的把控能力。

(三)商业插画实践：锻炼实际应用能力

商业插画是指为企业或产品绘制的插画，目的是向大众传递企业或产品的商用信息，是一种集艺术与商业为一体的图像表现形式。与其他插画类型相比，商业插画更为功利，有着强烈的目的性。在现代设计领域中，商业插画应用最为广泛，在表现技法的多样性和设计主题的延展性上拥有更加独特的艺术魅力。怀卡托理工学院插画设计教师本身就是商业插画师，具有丰富的实践工作经验，了解市场需求和行业动态，熟悉商业插画的操作流程，因此容易在教学中基于市场需求导向培养学生的实际应用能力。成都大学插画设计教师理应注意与插画设计行业的发展动态接轨，提升自身专业能力的同时，还需运用产教融合的思路增加相关教学内容。例如，教师可以让学生选择一个现成的品牌，先进行调研，然后为该品牌的包装设计插画。在这个过程中，不仅能让学生了解商业插画的设计特色、设计流程与市场调研的重要性，还能调动学生在文字和图形等方面的综合设计能力。这种教学模式是以市场的需求为导向，锻炼学生的实际应用能力，让学生注意设计与经济和市场的关系，成为应用型人才，提升他们的就业竞争能力。同时，教师要鼓励学生参加设计类的比赛，将自己的作品拿到更多和更高的平台上进行展示与交流。甚至可以直接根据企业的要求或竞赛的主题进行项目化教学，将学生分成小组，组织学生讨论方案、互提意见并最终完成设计，这样不仅能够提高学生的学习兴趣，培养他们解决实际问题的能力，还能加强学生之间的交流与合作。

基于上述路径进行教学，教学效果比较良好。学生逐渐表现出主动探索画面更多可能性的意向，大胆尝试运用更多手段表现画面。学生的学习兴趣和主动性以及实践能力得到了极大的提高，对插画设计也有了更全面的理解，并创作出了一批优秀的插画作品。总之，插画设计教学，应从培养学生的创意思维出发，形成全面的艺术表现能力，并着重实践能力的培养，加强教学与市场的联系，提高学生的社会竞争力。

郭 萍(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院副教授，博士)

浅析中国美术史研究方法的历史沿革

中国美术史相关课程意在采用科学的方法带领学生对中国传统艺术精神在每个历史时期的形成过程进行理性认知和思辨。因此，寻迹中国美术史的编写与研究的历史，是统领中国美术史课程教学思路的必要环节。近现代多学科互融的美术史研究方法和丰硕成果，遵循学术史发展进程，教师可梳理中国美术史研究的变革经历，介绍不同的科学方法介入不同专题研究中的成就，勾勒出中国美术史学科研究的新形状，引领学生从初期知识掌握进入逐渐深入研究领域的专业学习阶段。

一、继承传统美术史学的研究方法

中国美术史继承传统美术史学的史论结合、重视画论和寓述于评的方法，并确立了美术史学的“视觉”定位体系。例如，黄宾虹在其《中国名画变迁说》等理论著作中将画史、画学、评鉴、传略以及技法研究打通，呈现自觉独立的中国绘画史观；俞剑华的研究重视“视觉感”，认为美术创作、作品鉴藏与传播、美术批评等都是美术史研究的对象，注重与“视觉”相关联的参与因素。

在新旧史学研究碰撞期，影响美术史书写方式转型的代表主要有潘天寿和陈师曾，他们都著有《中国绘画史》。潘天寿综合运用画史、画论和史论结合的方法详细追述艺术风格流派的历史变迁，且给予价值评判；陈师曾系统地梳理了历代绘画之变、画家和画派之别以及技法的传承与革新。

二、编纂方式的科学调整

在编年史的叙述方式上，中国美术史按照历史发展的纵向序列，打破“一朝一史”的叙事顺序，采用专题论述的方式，突破了时代序列对专项问题宏观把握的局限。这种方式可溯源到滕固的《中国美术小史》的编纂思路，他创造性地引入生物进化论的角度观察美术史发展的流变，按照生物生长、混交、昌盛和停滞的从生至灭的自然演化顺序，突破时代局限，更加科学地把握事物发展脉络的全貌。梳理中国美术史叙事模式，采用“进化论”思想重新整理美术史学成果的还有郑午昌的《中国美术史》、秦仲文的《中国绘画学史》以及史岩的《东洋美术史》等，这些对20世纪以来中国美术史的变革性研究具有划时代意义。

20世纪上半叶，中国美术史的画学仍重视文献资料，继承古代治史传统，以画家为主线、以卷轴画为例，着重分析技法，溯源画史流派；新中国成立以后，美术史研究者则将文献与田野考古结合，加强了史学的科学性与翔实性。

三、融入考古学、文物学等方法论的新视角

古物的大量现世，带来了考古学和文物学方法论的新视角。传统中国美术史沿袭史学的写作方法，以作品著录、画家传记和书画史料记载形式为主，而随着史学研究观念的革新也萌发出多元的研究领域。在中国传统史学研究中，梁启超提出史料获取的两个途径是文字记录和非文字记录。这唤起了史学界通过实物和图像考察获取史料的关注。直至20世纪，中国考古工作的兴盛推进了史学研究的革新。大批考古实物的出现，尤其是20世纪50年代中国考古学起步至八九十年代的成熟发展，为美术史的研究和编写带来了可贵的实物资料和考古学的新视角。

首先，科学的考古资料解决了美术史研究实物资源匮乏的问题。20世纪下半叶，史前考古方面，黄河流域、长江流域以及中国北方许多史前文化遗址陆续被发掘。例如，夏商周时代的城址被发现，带来了大量出土的玉器、陶器、织物、青铜器及其他遗物，为研究中国原始时期和夏商周的美术提供了可贵的科学资料；秦汉以后的历代都城和陵墓被持续发掘，大量的漆器、画像、石画像砖、墓室壁画、丝织物、帛画及帛书等的出土，开启了墓葬美术研究的广阔天地。20世纪以来，佛教石窟寺考古资料的科学整理使佛教美术研究走向更加深入的领域，如在敦煌藏经洞发现的艺术品对中国绘画史和书法史资料补充和观念改变起到至关重要的作用。这些常常不为前人所知的艺术品的发现，使艺术史家得以不断丰富甚至重写艺术形式，诸如青铜器、玉器、绘画、雕刻、陶器和书法等的历史。每年都不断有新的考古材料问世，美术史研究者应接不暇，随时随处意识到美术史的修改迫在眉睫，否则总滞后于新材料对旧问题和新问题的解读。

其次，文物学的分类法拓展了美术史研究的科学视野。考据学的“两重证据法”和“三重证据法”助力中国美术史学快速步入现代学科发展领域。然而，随着考古材料作为证据的使用空间扩大，以及文物学角度的分类从“文和物”到“人和物”的大量专题性研究探讨，让美术史研究越来越靠近考古学、文物学的研究领域，彼此拓展了材料、方法和视野，又延伸到美术考古类的新领域，并逐渐受到学术界的关注，产生了一系列新话题和优秀成果。考古学、文物学与美术史的跨学科交流与合作成果显著，不断更新着美术史研究的观念和方法。

四、社会学、图像学等多种研究方法的运用

社会学、图像学等方法也重新审视着中国美术史中各类美术现象。20世纪中期，美术史论学家潘诺夫斯基提出图像学从图像志到图像学的分步研究方法，为美术作品从初期的视觉形象识别，到与形象相关的习俗、事件，再到作者乃至所处时代的审美理念和社会生活等深层次的研究，提供了方法论依据。中国美术史领域的成果更加拓展了该方法的实践空间。例如，巫鸿在《重屏：中国绘画中的媒材与再现》著作中，提出图像和文本共同构筑卷轴画的“内部文本之圈”和“外部之圈”，用于画中深意；历史学者邢义田在其《画为心声》中对具体汉画像中的图像题材“射爵射侯图”“捞鼎图”等，从不同文化的碰撞与融合过程中，分析艺术母题蕴含的多重意义。

多种研究方法的综合运用，带给美术史研究更广阔的视野。其一，用视觉文化的研究范式拓展美术史研究的语境。例如，巫鸿的著作《废墟的故事：中国美术和视觉文化中的“在场”与“缺席”》及《时空中的美术》第一部分，从美术史中的“复古”现象到不同时代的“废墟”现象，以废墟美学解读“往昔”的视觉感受和审美在历史进程中的文化交流与碰撞，在观照过去与未来之间创造出一种中国视觉文化。这种方法被认为适合当代对整体艺术的研究。其二，以“空间”语境的全新视角解读历史变迁中艺术品的象征、表现及环境营造中的文化互动。例如，巫鸿的《中国绘画中的“女性空间”》，以“空间”概念考察历代绘画场景中的女性形象，并综合不同形象在仕女画和美人画传统认知中的特征变迁，通过环境构建、图像与观者间的互动，还原中国女性文化的复杂历史空间；在其《“空间”的美术史》中，将“空间”概念在美术史研究中的地位提升至图像和形式的层面。其三，物质文化、博物馆与美术史学发展新走向的关系。博物馆及其陈列的物质文化实物遗存的方式对美术史都产生过重大影响。张弘星和胥瑾在《〈女史箴图〉在19世纪的流传：一个假说》一文中，通过《石渠宝笈初编》记载、乾隆题跋、印鉴、档案等线索对《女史箴图》1903年流入大英博物馆以前的流传过程进行追溯，推断其可能在慈禧当政期间被移至颐和园的经历。

五、海外中国美术史研究与方法借鉴

海外中国美术史研究的成果在20世纪亦是繁盛。最早有日本学者大村西崖的《中国美术史》，可视为中国美术通史奠基之作，其内容丰富、体例完备。该书已经涉及后来各类专题性研究的内容，除了按照美术编年史的叙述方法外，还有其对美术史价值的判断(考证性讨论)，如他在对居庸关过街塔(云台)造像中的“梵式”佛像风格介绍中，谈到其中天王像之汉风，证明此处造像兼有汉藏佛教风格特点。

海外学者更多将“风格学”引入中国美术史研究，影响了中国绘画史的审视和表述方式。然而，任何风格都与时代和地域相系、与时代精神相联。地域承载一种传统，这种传统亦随着时代发生变化，各种地域传统又统一在某一个时代精神之下。作为中国美术所处的统一的中华民族文化精神，人们的审美在不同时代并没有因地域差异而面目全非。因此，胡乱套用西方艺术史的方法论并不适合于中国美术专题问题的讨论，如罗樾在20世纪50年代对古代青铜器研究提出“可靠的风格序列”，却因无法证明可靠的纪年，而使其风格不够清晰。

可见，海外的中国美术史研究往往遵循西方艺术理论的认知和阐述体系，并不能够客观立足中国传统历史的生存语境。因此，近现代的“风格学”“符号学”等新的分析框架，并不能科学、全局地把握中国美术史的演变历程，往往会以肢解的手段走入细节的关注，从而陷入过度解读或难以自圆其说的窘境。

总之，多元学科交叉融合研究为美术史学增设了更多的关键词，如考古、图像、物质文化、视觉、阐释、空间语境、女性、媒介和现代(后现代)等。当下处于探索中的各种研究案例，交叉考古学、宗教学、社会学、美术史研究、遗产学和博物馆学等学科理论与田野调查法的综合研究，势必带给中国美术史研究新的视野与广阔未来。这也是高校中国美术史教学中需要厘清的思路，实践于打破传统叙述历史的方式，以专题内容分段教学为主。针对不同教学内容采取不同教学方法，如在中古时期由器物资料引领的审美史考察中，采取直接研读文献原典、关注新出土的考古资料来增强阐释的科学性；对待文物遗存的历代传世画作，强调结合现代科技带来的卷轴画的数字化成果，从微观视角详读历史。以此创新教学设计，拓展学生思路，引导学生开启专业研究的科学之门。

〔基金项目：成都大学2021—2023年研究生人才培养质量和教学改革项目“本位与跨界——美术史课程的多元学术交汇与研究方法互动”( 编号：cdjgy2022030)。〕

基于VR技术Cinema 4D实验教学的探讨

吴章洪(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院实验师)

张鸶鸶(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院教授，硕士生导师)

邓 娜(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院副教授)

VR(Virtual Reality)技术经过二十多年的发展，被认为是21世纪计算机领域最重要、最新奇的研究之一 ，具有多感知、沉浸性、交互性、想象性等特征，是集成了多学科、多技术的综合技术。用户通过穿戴外部设备，与虚拟世界中的对象进行互动，如抓取、拆装、重组等操作，让用户好似置身于真实的操作环境中一样，既可以“亲手”操作，又可以降低一些成本。目前，国内外很多实验课程将该技术融入其中，如VR技术在建筑室内设计实验课程、数字媒体实验课程以及在影视制作实验课程中的设计应用等。实践证明，该方式可以激发学生的学习兴趣，提高学生的创作能力与理解能力。

一、教学目标

建模，是动画师和设计师进行的前期造型设计，需要通过三维建模软件在计算机中绘制出角色模型。通常使用的软件有3DMax、Cinema 4D、Maya等。三维建模基础Cinema 4D是由德国Maxon公司开发的一款三维软件，相比于3DMax、Maya，其运算速度极高，渲染功能强大、渲染效果惊人。近年来，越来越多的行业、公司、个人使用Cinema 4D软件创作广告、影视、工业设计、电商设计等。Cinema 4D中常用的建模方式包括参数化建模、NURBS建模、造型工具建模、变形器建模、多边形建模等。学习和使用Cinema 4D软件，可以使学生初步熟悉三维工作环境和工作流程，建立对三维立体图形使用的初步概念，并为其他相关设计专业打下必要的基础。在学习Cinema 4D软件的过程中，教师要引导学生使用三维软件将制作出来的三维图像和平面设计结合起来，使其可以应用于新兴的CG新媒体艺术，如图形动画、片头动画、MTV、电视广告、网络广告、产品演示、UI设计、网页平面设计、多媒体艺术等。学生学习Cinema 4D三维动效设计课程能够了解三维环境下的基本立体物体的构建与表现，加深对三维物体与二维平面设计关系的理解，熟悉三维设计在各类媒体艺术中的运用，掌握三维图像的空间、形体、材质、光效等方面的内容，并寻找与建构有独特美感的视觉结构。在传统的三维动效设计实验教学模式中，教师主要通过讲授、操作的方式让学生感知三维动效设计实验建模的内容，学生缺乏真实体验，容易产生片面或不正确的理解。为解决该问题，本文在传统三维建模基础实验教学的基础上结合VR技术，以汽车建模为案例设计了三维建模基础实验教学系统。该系统要求学生在VR机房通过头盔显示器、数据手套等辅助传感设备，在三维虚拟世界体验与实现三维基础模型的创作，将设计完成的三维基础模型用学院购买的3D打印机打印出来与标准模型相对比查看实验效果。这不仅能激发学生的学习兴趣、提高学生的注意力和理解力、增强教学的互动性和真实感，还能提高学生的动手能力以及三维设计的创作力与理解力，提升教学效果。

二、教学步骤

基于VR技术Cinema 4D实验教学包括三个步骤：(1)根据教学大纲设计课程，然后在PC电脑上进行三维建模效果的实验；(2)学生在第一次实验的基础上进入VR实验室，利用相关设备进入虚拟世界，通过亲手“拿”相关的“几何物体和生成器” 搭建模型，实现相同三维模型创建效果；(3)学生回到普通机房，在PC电脑上再次进行相同三维模型设计的理解和创作。通过这些步骤，学生从不太理解到比较理解，最后到完全掌握相应的三维动效设计实验教学建模知识。

三、教学实践

(一)Cinema 4D三维动效实验第一次教学

通过三维建模基础的学习，学生应了解Cinema 4D建模的基本操作流程，掌握几何体和NURBS的应用。实验内容和要求：掌握几何体建模的方式，掌握NURBS在建模时命令的编辑；主要实验方法：小汽车模型创建；实验重点：几何体建模；实验难点：NURBS在建模时命令的编辑。根据本次实验教学的设计要求，学生设计出了小汽车模型，通过输入设备(键盘和鼠标)，运用相关理论知识，实现汽车建模，如图1所示。

图1 汽车建模最终效果图

(二)Cinema 4D三维动效实验第二次教学

学生进入VR实验室，穿戴好设备，打开三维设计系统，进行相应的操作。具体操作步骤主要有五步：(1)点开几何体模型，找到立方体模型，拖出后直接将模型处理成需要的大小；(2)用循环切割工具切出中间窗户的模块，然后将切出来的面点击挤压出相应的形状；(3)利用循环切割工具切除窗户部分，然后在虚拟环境中向内部挤压出一个面后，再次挤压出需要的窗户；(4)选中车上前后的两个面向下拉，将车身和车尾拉出相应的形状，利用上面相同的挤压方式制作出保险杠等形状，并拉一个远光灯在虚拟环境中查看效果，调整远光灯的方向，查看投影效果和远光灯打在不同方向的效果，然后及时进行调节；(5)根据自己的设计理念和颜色构图方式，将相应的材质颜色放在车身上，查看效果。

(三)Cinema 4D三维动效实验第三次教学

学生在第一次和第二次实验教学的基础上，回到普通机房，依据实验目的及要求，再次运用NURBS建模知识制作小汽车模型并撰写实验报告。学生根据已学知识，借鉴教师提供的卡通车图片，再次进行创作。

本文对Cinema 4D的实验教学方式进行了探讨，结合学院新建的虚拟实验室，探索出一套比较适合学院设计专业学生学习的三维设计实验教学方式。通过该方式的实验教学，学生对三维空间的理解力有了显著提高，设计的作品通过学院购买的3D打印机打印出来与前几届学生没有使用该方式设计同样的样品进行对比，在设计效果上有很大的提升。

用户研究课程教学的实践与思考

刘 瀛(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院经济师)

张钰粮(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院讲师)

朱 鑫(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院讲师)

随着设计学科发展和新兴产业不断兴起，设计的对象不再停留于传统的物理实体产品，而是不断向软硬件结合、服务系统、虚拟产品以及用户体验等更大范围延伸。设计本身也经历着以人的需求为主体、将需求本质作为设计目标，而演变成通过设计发现、分析、判断与解决人们面临的问题为设计的核心驱动力，强调设计以人为本，实现人的需求与设计效用的和谐统一。这一内涵决定了对用户进行研究的必要性。

一、用户研究教学目的与教学思路

用户研究是指通过对用户在使用产品、环境、服务过程中的行为和心理进行分析，挖掘用户需求、了解用户感受，设计真正符合用户需要的产品，在更好地理解用户的基础之上，把握痛点，寻求价值机会，创造相应的产品与服务，为用户提供新的生活体验。其本质是企业和设计者与用户达成某种程度的共情，从用户的角度看待设计和产品，思考设计和使用中存在的问题，进而形成产品概念。其最终目的是为了更好地了解用户心理与行为需求和惯性，捕捉价值机会，创建吸引用户、高效解决问题的设计方案。

因此，用户研究课程的教学目的是为了帮助学生认识用户研究在设计中的重要意义和价值，引导学生建立要在对用户全面而有意义研究的基础之上进行设计的理念。

同时，用户研究的过程融合了心理学、统计学、设计学、人体工程学、计算机技术、社会研究方法等不同领域的理论、方法和技术，因此在教学中也需要融合多个学科的知识，这就需要教师将不同学科的内容有机融合，带领学生在实际研究过程和实践操作中掌握相关理论、方法和技能技巧，形成从用户需求与行为特征、产品问题及用户体验等不同维度认识和理解产品的能力。

鉴于该课程学科综合性强、实际运用要求高的特点，为了保证教学效果，教学团队将整体教学思路确定为以任务为驱动的能力获得过程，即在讲授基本知识的同时，将学生划分为不同研究小组，针对虚拟设计项目开展用户研究，生成产品概念，并对产品形态与功能、使用场景与效果、后期迭代等进行预判，在小组协同中，帮助学生获得基于用户研究合作设计全过程的经验。

二、教学实施过程

为了最大程度地达成课程的教学目的，在整体教学思路的基础之上，课程的设置围绕理论学习和实践操作两个部分系统展开。在授课过程中，教师反复强调一个观念：产品是为了更好地满足用户需求和实现商业价值，好的设计需要在对用户全面且有意义的研究基础之上进行。

(一)理论学习

视觉传达专业的学生虽然对设计的技术要求较为熟悉，但是在研究范式和数据处理方法方面相对较弱。为了让学生深刻理解用户研究的基本概念，首先，教师引导学生梳理课程的关键概念，如“用户”的定义、种类和范围，利益相关者，比较用户研究、用户体验、以用户为中心的设计等概念或理念的侧重点和异同；向学生介绍何为“研究”，通常的研究过程是什么；如何选择使用质性研究或量化研究等。这样可以有效聚焦学生的关注点，把重要概念导入其认知框架和知识体系中，为项目操作和实践打下基础。其次，教师按照用户研究的一般流程，逐一讲授数据获取、分析、呈现的不同方式以及挖掘痛点的方法途径，并结合案例训练学生在实践中掌握研究范式、获得设计思维。

(二)实践操作分步推进虚拟项目

用户研究是一个动态的研究过程，需要在动态过程中锻炼学生收集、处理与分析信息的能力。教师要求各小组根据用户研究步骤和授课节奏，持续开展用户研究，通过资料查询、数据收集、结果分析与解释，提炼出设计机会点，推动项目不断进行。

首先，明确小组虚拟项目的产出目标。鉴于课程目的是帮助学生掌握用户研究过程，形成基于用户研究开展设计的思维方式，并且授课对象为具有一定设计功底的视觉传达专业学生，因此对小组虚拟项目产出考查的重点是用户研究报告和设计原型。要求学生8～10人为一组，在研究用户的基础上发展出产品概念。

其次，形成小组虚拟项目计划书。撰写项目计划书，可以帮助学生明确研究目标、完成小组分工、厘清研究方向和思路、持续推动与核查项目进展情况。为了调动学生参与虚拟项目的积极性和主动性，采用自命题形式，由学生自主选定研究内容，确定初期设计方向。要求学生通过桌面调研和观察法获得与项目相关的基本数据资料，再经过头脑风暴和六合分析法，对产生的大量设计进行整理，形成包括项目标题、项目背景和目标、项目产出、团队介绍、研究内容与日程安排、研究流程等内容的较为规范的项目计划书。为保证学生全员参与项目，在计划书中，需要明确每位成员的项目分工和具体职责，以此作为组内成员评分的依据之一。当然，考虑到设计过程存在可变因素，允许成员分工随项目进程进行调整。

再次，持续开展用户研究。在形成基本研究思路后，小组成员根据虚拟项目内容，按照具体分工开展用户研究。采用深度访谈的方式，对获取的有关用户需求、使用情境、行为特征等数据进行分析后，生成调查问卷和焦点小组访谈提纲，扩大调研范围，获取更多数据，掌握用户和产品之间的联系。回收数据后，检查数据的有效性、完整性和完备性，进行统计分析，根据用户生理、心理及行为偏好等不同特征细分用户，以用户角色模型和故事板的方法呈现用户研究数据分析结果。

最后，生成基于用户研究结果的产品概念。用户研究的数据分析结果并不意味着研究的结束，只有在设计中体现研究结果才能真正发挥研究的作用和价值。因此，在完成数据收集和分析后，课程的重心转移至指导学生聚类用户特征，抓取用户痛点和需求并进行排序，细化、具象化设计方案，逐步生成较为完整的产品概念，并通过AB测验、可用性测验等，对小组设计的产品模型进行对比、筛选和改善，均衡客户、设计方及商家等多方要求后，推导出较为可行的产品。

(三)成绩考评

学生的最终成绩由小组成绩和个人平时成绩构成，其中，小组考评成绩占总成绩的70%，个人平时成绩占30%，包括读书报告和课堂表现。

由于该课程的知识点运用和掌握主要依托学生虚拟项目小组的形式进行，因此小组考核评分机制的设定与激励团队和个人学习积极性、考查学习效果息息相关。从公平、准确、有效及合理等维度综合考虑考评维度的划分，小组考评成绩由教师考评、小组互评、组内互评和个人自评构成。其中，教师考评占比为50%，教师需要结合小组项目汇报和小组项目报告两部分，从用户研究过程完整程度、研究方法运用正确程度、产品概念生成与用户研究结果的相关程度、表述表达流畅性几个方面进行分项评分后生成综合评分。小组互评占比30%，每个小组通过小组集体讨论，对其他小组项目的用户研究过程规范性、产品概念生成与用户研究结果的相关程度、表述表达流畅性、产品设计可行性等维度进行评价，得出综合分数。组内互评占比为15%，在各个小组内部，每个成员对其他成员的项目参与度、项目贡献率和用户研究方法熟练程度三个维度分别评价后加总，每位成员组内互评得分为其他成员对其打分的平均数。个人自评占比为5%，对个人的项目参与度、项目贡献率和用户研究方法的掌握程度分别打分后求和得出。

鉴于此，同一个小组成员的成绩既会受到小组项目整体效果的影响，又因自身的参与程度、贡献程度与学习效果不同有所差异。差异化的分数有效减少了小组项目中“搭便车”现象，能够有效地调动学生的主动性和积极性，让他们更多、更好、更认真地参与到小组虚拟项目的推进中，在项目中全程参与用户研究实践、扎实掌握研究方法的同时，真正实现从设计构想到研究验证，再到进一步完善设计的闭环过程，设计出具有商业价值且符合用户预期的产品。

三、教学效果与反思

(一)教学效果

课程的整体设计是在理论与方法学习的基础上展开项目实践，并以虚拟项目任务为驱动，指导学生自主完成从明确研究目标、撰写项目计划书，到获取与分析数据、完善设计方案，最终发展产品概念、撰写报告书的研究全过程，有效地培养了学生的自主学习能力。提出、设计系统以及报告撰写等都由学生自行完成，强调学生的自主能动性，整体学习效果符合教学预期。

在项目完成过程中，一些学生能够较好地把用户研究和日常生活的产品体验相结合，提出具有推广可能性的设计方案。例如，有小组结合校园交通车乘车体验，提出由于乘客需求与车辆调度信息不对称，存在候车时间久、同乘人数多于车上剩余座位等问题。基于此，该小组设计了校内巴士预约小程序，小程序功能包括查看车辆与等候人员的距离、车辆剩余座位、出行预约等，并结合艺术审美和操作便易性，对程序界面呈现方式、图标排列进行设计，在减少乘客等车时的焦虑感和不确定感的同时，方便出行人员使用。

(二)教学反思

为了突破教学难点，提高教学效果，在今后的教学中，可以考虑引入企业导师和相关课程教师共同参与教学，将学生的虚拟项目向真实项目牵引，鼓励学生分析分享个人已有设计中运用到的用户研究理念，共同构建真正的复式教学体系。

刘 芸(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院讲师)

汽车周边产品设计课程教学实践探索

汽车设计中高技术应用越多，人们对高情感的需求就会越强烈，需要借助于产品设计软性的一面平衡硬性的技术，满足人们的情感需求。汽车周边产品可以实现这一目标，让用户获得愉悦的审美体验和良好的使用感受。周边产品是为了加强主导产品功能或通过主导产品的影响而衍生出的新产品，是一种为主导产品增加附加价值的产品，是产品设计创新性的关注点和创新方向。依托成都大学—龙泉驿区汽车创意设计示范区项目，成都大学美术与设计学院开设了汽车周边产品设计选修课程，以学以致用为原则，结合产品开发流程，研究面向汽车周边产品的开发；以情境式教学和研讨式教学方法，培养学生的设计思维，提高学生的设计能力。

一、教学目标

汽车周边产品设计课程是设计专业人才培养中一门重要的拓展学生专业能力的应用型课程，主要培养学生独立完成汽车周边产品和相关衍生品的创意开发设计，提高学生的创意思维能力和实践应用能力。该课程实践性要求较强，需要学生调研汽车周边产品的使用环境和终端用户的真实需求等来完成产品设计定位，并且结合汽车内饰的风格特征确定产品的造型特征。

目前，汽车周边产品设计教学偏重理论，实践教学相对滞后，学生对汽车使用环境的体验不够，缺乏相关的实践训练，因而学习兴趣不浓，对知识的接受与理解较差。因此，需要对该课程教学进行改革与创新，以期提高学生的学习兴趣和设计能力。

二、教学内容

(一)汽车周边产品的分类及使用环境

汽车周边产品主要包括汽车内饰和汽车用品等。根据car2100权威定义，汽车内饰(automotive interiors)主要是指汽车内部改装所用到的汽车产品，比如汽车方向盘套、坐垫、香水、挂件、内部摆件、收纳箱等都是汽车内饰产品。因为这部分汽车零部件具有一定的装饰性，所以业内目前通称为“汽车内饰”。而从Interiors一词可知，这部分产品不仅具有装饰作用，还涉及功能性、安全性以及工程属性等，其内容非常丰富，比如汽车的头枕、防滑垫、坐垫、凉垫、香水、腰靠、香座、安全带套、纸巾盒套、地毯(脚垫)、遮阳用品、冬季毛垫、烟灰缸、扶手箱、手机架等装饰性和实用性较强的附属用品设计。汽车用品(automobile accessories)是指应用于汽车改装、汽车美容、汽车装饰等汽车电子及零部件的相关产品。汽车用品按功能分类，可分为保养类、装饰类、清洁类等，还包括在推广营销售卖汽车活动中的各类纪念品、促销品等，以及高端品牌车型与奢侈品牌间的联名款纪念品设计。

汽车周边产品作为营造汽车内环境的个性化设计要素，在汽车内环境氛围的营造上扮演着越来越重要的角色。产品所处的内环境根据不同驾乘人员的个性化需要可以更换内饰的材质与色彩，而考虑到生产的成本与经济性，目前的大部分汽车内环境设计仍采用无彩色系的商务风格，造型硬朗，材质、色彩等较单一，少数汽车内饰设计会有圆润、卡通的风格。在商务化风格大行其道的汽车内环境设计中，如何借助于周边产品的设计弱化单一风格、营造个性化的汽车内环境尤为重要。

(二)汽车周边产品的语意挖掘

汽车周边产品设计是随着汽车的普及而发展起来的。当下人们越来越注重个性化需求，而现有产品未能有效挖掘驾乘人员潜在的个性化需求，服务意识不够，产品功能较单一、美感不足、与汽车内环境不够协调、系统性设计不足、情感化设计特征缺乏等。这就需要借助于情感化设计的方法与原则，设计出具有美感与情感特征的汽车周边产品。

一方面，设计师要善于挖掘消费者的感性意象；另一方面，设计师不能只考虑产品本身的使用功能、结构、形态等外延方面的语意研究，而要更加注重消费者对产品的主观体验。产品的语意研究除了产品本身的外延语意外，其完美的交互体验语意也是必不可少的，如手势识别语意、眼动识别语意等各种交互智能化语意，使产品设计真正地与信息化时代有机结合。总之，人们需要的依然是形态美观、功能良好、充满人文关怀和环保意识的产品。目前，智能产品、虚拟现实技术已经进入汽车周边产品的设计思维过程之中，相关的教学模式和设计方法也需要随之变化。

三、教学方法

(一)情境式教学

情境式教学通过多样化的教学手段，如视频、音频、图片等，组织多样化的情景教学活动，如游戏情景、旅游参观、故事情景、竞赛情景和真实场景等，激发学生对设计实践类课程的学习兴趣。让学生以小组的形式深入调研汽车内环境、发现和体验不同情境的特点，在变化的情境中深度体验和学习，获得丰富的体验和理论知识。对学生群体来说，汽车不属于普及型产品。大部分学生没有驾驶汽车的经验，即使有乘坐体验，也不属于典型的消费群体。为此，需要学生小组去汽车二手市场或者4S店等地采集数据信息，在不同的情境当中，通过大量的田野调研与用户访谈发现问题和体验感知，分析和研讨搜集的原始数据，学习和发现汽车内外环境的感性营造方法。

(二)研讨式教学

研讨式教学是在教师的指导下，将研究与讨论相结合，充分发挥学生主体性，通过学生自我学习、自我教育、自我提高，获取知识、强化能力培养、提高素质的一种教学方法。研讨式教学强调教学内容的呈现方式要面向过程，并非只强调结果。研讨式教学以学生自主型、主动型学习为主。学生通过情境式的学习方法发现问题，教师将问题的起因和研究过程展示给学生，引导学生从不同角度思考，在教学与研究结合的氛围中实现师生之间、学生之间的互动。教学中，教师可以采用绘制问题树的方法，让学生重新思考和界定设计领域。鼓励学生构建不同汽车周边产品的使用情境，并思考该想法的可取之处是什么、哪些方面还需要改进、该想法有意思的主要原因是什么等，列出其正面和负面特征因素，选择最佳想法作为团队的设计目标情境。这样的教学旨在以竞争的环境激发学生的学习兴趣，让每名学生都积极参与，了解不同产品的设计领域，使学生在主动探索和研讨中拓展知识、扩大眼界。

四、教学过程

(一)案例赏析

通过多种渠道收集国内外汽车周边产品设计优秀案例，引导学生通过赏析优秀案例建立对汽车周边产品的基本认知，了解汽车周边产品的定义及类型、了解产品的使用环境特征及分类、如何细分终端消费者等；了解消费者和市场对汽车周边产品的显性需求和期望，挖掘消费者的隐性需求。

(二)调研分析

采用课外实践和情境式教学方法，让学生分析调研数据，重构不同情境，并采用头脑风暴及手写概念故事板的方法，引导学生构造情境结构。由团队负责人组织每位参与者用几分钟时间采取简易概念故事板的形式，画出自己如何进行情境构造的想法，随后将纸张依次传递给同伴，集众智弥补和验证情境构造的不足和合理性，并在此基础上完善故事板。

要求学生对现有汽车内外环境进行详细的实地调研与了解，针对不同品牌和不同档次的汽车内环境的造型、材质、颜色和照明等开展研究，然后在基础环境上开始设计。除了对静态环境的研究以外，由于汽车大部分的状态是在动态变化的工作环境中，这时的车内环境会出现颠簸、摇晃、重心变化等现象，因此需要注重汽车周边产品的稳定性，并且要巧妙利用这种动态变化的环境，如将弹簧装置运用在人物或动物的脖颈处或用叶片的上下晃动模拟生长的动态等，营造一种趣味化的情境，即利用汽车内环境动态变化的特点设计周边产品。此外，教师还可以带领学生走访调研一些车展现场，现场感受厂商利用汽车周边产品烘托氛围，激发消费者对汽车的兴趣。让学生知道，在产品设计中需要了解人们的消费心理及商业促销模式，让设计概念落地，设计出能够满足人们需求的汽车周边产品。

(三)团队研讨

在调研分析的基础上，组织学生进行团队研讨。汽车周边产品是为了满足用户获得愉悦的审美体验和使用感受，因此产品要体现情感化，教师以“如何在汽车周边产品设计过程中更好地引入情感化设计系列方法？”作为引入式提问，组织学生对情感化设计进行研讨，既能让学生掌握情感化设计的相关知识点，又能提高学生对教学的参与度和学习兴趣。同时，可以播放一些其他领域产品的情感化设计应用范例，让学生直观感受并讨论情感化设计对产品设计的影响。在课后作业中，鼓励学生走出去，到汽车销售中心等实地深入调研、走访，并结合网络调研的汽车周边产品信息集中在课堂组织讨论分析和进行发散思维训练。

(四)完善方案

指导学生按照产品设计流程、结合课程知识点及教学进度撰写设计方案，加强学生的设计质量管理意识以及对设计项目评估的理解。要求学生运用信息图细致地制作个性化条状图，张贴到醒目位置，时刻提醒任务进度，也便于教师及时有效地进行后续指导。各组成员在完成互评后，找出各自方案的最佳“痛点”，进一步廓清能够向用户提供一个什么样产品的愿景，实现情境元素叙事到产品叙事的转变。然后让学生绘制概念草图，专注研究以何种独特的概念形式传达人与产品的交互情境。鼓励学生在多次讨论评估的基础上，选定一个最佳方案进行细化设计，完成产品效果图及模型制作。

总之，本文初步探索了汽车周边产品设计课程的教学目标、教学内容和教学方法，紧密结合课程理论教学和实践教学，培养学生的调研能力和数据分析能力，组织学生完成多情境的田野调查以重构情境，创新性地发现和解决问题，提高了学生对汽车周边产品设计课程的学习兴趣和对理论知识的掌握程度，更好地完成了课程实践目标，取得了良好的教学效果。

场景设计的视觉美探析——以玄幻剧《三生三世枕上书》为例

周霜菊(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院副教授)

尚俊霞(成都大学中国-东盟艺术学院美术与设计学院助理研究员)

场景设计，是造型艺术的形式之一，是指动画影视片中除了人物角色造型之外的一切事物的造型设计，具体说，就是有空间层次感的场面构图，即以镜头气氛为单位，表示画面的造型、构图、体感和色调风格的空间虚拟场景，包括角色活动的各种空间场所：所有生活场所、工作场所、社会环境和自然环境以及历史环境。

场景设计是艺术设计专业特别是影视与动画专业的必修课。教学中，教师要引导学生在场景设计中融合多元文化艺术元素，在满足场景设计基本要求的同时，增强场景设计的唯一性、独特性，凸显其“识别”特性；善于运用对比手法建立视觉美感，提升影视场景设计的效果。

一、对视觉美及玄幻视觉美的理解

视觉美，或者说视觉美感，来源于受众通过视觉从客观事物获取的信息所获得的美的感受。不同的视觉感受对象，能传递给受众不同的视觉美感。一个好的场景设计，是视觉美感必不可少的要素，下面以玄幻剧《三生三世枕上书》(以下简称《枕上书》)为例，谈谈如何营建影视剧中场景设计的玄幻视觉美。

玄幻视觉美，是一种立足玄幻剧，脱离现实世界的，融合了观者视觉体验、思维想象及心理反应的一种综合感受。玄幻视觉美首先立足“玄幻”。“玄幻”是一种海阔天空、肆意纵横的想象，其所传达的感受是非真实的客观世界，所表达的对象不受现实、人文与科学等束缚，是一种形而上学的、表现宇宙空间超自然的神秘力量。玄幻对象传递的视觉美感往往幽深奇妙、天马行空。玄幻视觉对象因为不受客观世界的限制，所以玄幻视觉常能传达唯美、震撼和极致的视觉美感。

《枕上书》在具体的场景表达上有比较明显的特点。其场景视觉设计的特色具体表现在角色活动的各种玄幻空间场所，将场景设计概念体现得更为明确且富有内涵，典型场景数量多、风格各异，场景艺术风格和造型差异性表现得更为突出、更为生动。

二、《枕上书》场景视觉设计的特色

场景设计，作为视觉美的物理载体，是影视剧中视觉美感的直接来源。设计师在进行场景设计时，会发现很多场景设计对象同质化明显，如场景所处的历史背景相同、文化氛围相同、故事情节相同等，这容易让设计师不知不觉地陷入习惯思维，被这些相同的元素捆绑而陷入常规场景设计的惯性思维方式，导致设计的场景造型雷同，设计的场景缺乏独特性和唯一性，也就缺乏了“识别”特色。不能被“识别”的场景，即便在造型的形式上达到完美，其视觉美感也只能是表面的，既不能很好地营造故事氛围，也不能深入观众内心，让观众感受场景的真实感。而玄幻剧更需要场景造型的真实感，避免场景造型雷同或同一个场景造型放置在不同影视剧中使用的情况。对此，《枕上书》在场景视觉设计方面很好地体现了独特性、沉浸感和唯一性特色。

(一)融入文化理念，构筑场景格局的识别，实现视觉美感的独特性体验

在《枕上书》中，场景设计的大格局差异处理得可圈可点，其中主要有四个大的场景设计：仙界、魔界、青丘和人间。为达成这四个不同场景的“识别”特性，设计者很好地利用了中国太极阴阳鱼的文化要素，依据对象的定义，进行了四大地域的差别设计，从而有力地保障了场景造型的独特性和唯一性。如对仙界和魔界在宏观的造型定位上，运用中国太极理念构筑了仙、魔两大势力的博弈格局。

太极阴阳鱼的太极图是中国古代比喻宇宙现象的图，用圆的造型表示阴阳对立面的统一体，是古人对世界形成问题的看法。太极是天地万物的根源，分为阴阳二极，阴阳化合而生万物。

在《枕上书》中，阴代表魔界，阳代表仙界。剧情开篇，东华和魔君大战，巨大的代表仙界的蓝色漩涡和代表魔界的红色漩涡如太极的两个鱼眼，展现了宇宙蕴含的强大神秘力量和仙魔对抗的此涨彼消，通过太极的造型，揭示了这两种力量的对抗和平衡。这样的场景设计给观者带来不同的文化内涵及情感联想，从而产生不同的视觉体验，使此场景的视觉美感与同类题材区别开来。

(二)借鉴中外艺术作品精神内涵，传递场景氛围，实现视觉美感的沉浸式体验

中外历史的不同时期呈现出异彩纷呈的艺术作品。在这些作品中，有许多优秀作品具有广泛的影响力和艺术价值，是无数艺术家积累和传承的艺术瑰宝，值得人们研究和借鉴。

在《枕上书》魔界的造型中，设计者融入西欧抽象派艺术作品的若干元素，营造场景设计的独特艺术氛围。从其场景设计的方案可以发现，场景模型有明显的、来源于瑞士画家勃克林的《死亡之岛》的构成要素，如图1所示。

图1 勃克林的《死亡之岛》

《死亡之岛》是勃克林的一幅以表现死亡为主题的画，结合象征主义与浪漫主义，将特选的物象加以抽象组合，创造出奇特的氛围，呈现了生死的对立及对死亡的无尽思索。画面中，一座作为陵墓的海上孤岛，一叶小舟正载着死者向这黑黝黝的最后归宿驶来。整个画面笼罩着沉重的黑暗，明亮的岛上石屋和参天黑暗的柏树形成强烈的明暗对比；立在小船上身着白色丧服的送葬人在这幽暗的背景衬托下更增加了阴森可怖感。让人感觉这是一块神秘莫测的死亡之地，令人毛骨悚然。

《枕上书》魔界场景(如图2所示)造型设计借鉴了图1中表现的死亡气息，魔界的全景视角由高高耸立、怪石嶙峋、连绵不断的一座座黑色山峰组成，上空是暗无天日乌云堆积，大面积的黑色形成了造型上“面”的感受。不同的怪石相对集中又相对分散，组合成一个宏大的魔族地域，山的交接处是如河流一般涌动的岩浆，呈现出动感的生命力，大红色的融化燃烧的岩浆流淌环绕其中，起到了画面“线”的作用，把画面分割成相对独立又相互呼应的几个大的区域，高高低低、错落有致。黑色石峰的中间，是星星点点暗黑闪耀的岩浆，起到了画面“点”的作用。由此达成了魔族场景点、线、面的构成美感，火红的岩浆、黑色的山峰，明与暗的强烈对比，喻示魔族是一股隐含的黑暗力量，魔族就像地底、怪石里随时会喷溅而出吞噬一切的岩浆，具有毁天灭地的宇宙能量，展现了“魔”的玄幻视觉美感。

图2 《枕上书》魔界场景

在魔界具体的场景设计中，设计者通过造型设计，借鉴象征主义与浪漫主义呈现了“魔”的独特性和唯一性，进一步达成“识别”和玄幻的视觉氛围。让观者完全沉浸在这一场景中，仿佛身临其境。

(三)场景设计中强化对比，突出对比构建和谐统一的手法，实现视觉美感的唯一性体验

场景设计强化对比的手法可以从三个方面展开：场景造型对比、场景材质对比和场景色彩对比。

场景造型首先是一个空间关系，不同的故事情节、人物关系需要在不同的场景中展开。大的空间关系的划分，加强不同场景造型的对比，能从整体视觉上拉开观众的场景定位以及对不同场景的视觉美感体验。以《枕上书》太晨宫为例，场景设计要实现玄幻意境，就要建立现实生活中不存在的场景，打破人们对自然状态的既定印象，通过不同寻常的视角，展示出种种奇特的玄虚幻境。

在太晨宫的场景造型上，设计师立足九重天的定义。中国传说天有九霄，“九”是单数中最大的数字，取“极限”之意。九重天是指天有无尽、多重。太晨宫的场景造型设计在九重天定义的基础上，结合中国传统典型的建筑风格，层层叠加、一重高于一重的庭院式结构，视野开阔，直通外空间，最充分地体现了中国传统建筑“天人合一”的思想。

太晨宫造型清雅飘逸，建筑以层叠的高耸入云的一座座宫殿搭建九重天的整体布局，凭借儒家君臣秩序与层级分明，体现了仙界至高无上的威严和皇家的气度。殿宇四角飞檐翘起、扑朔欲飞，直线和曲线的对比，体现了造型的节奏和韵律美，让沉重的建筑群落显得轻松灵动，恍若生出的翅膀翱翔在九天之上。其建筑的布局结构传达着独特的东方美学概念，体现了中国传统建筑思想中天人合一的精髓。这样的设计，让太晨宫的场景造型和剧中魔界的场景造型形成了鲜明的视觉对比。

场景材质和色彩对比是展现场景视觉美的重要手段。材质具备不同的反光度、肌理、触觉，具有不同的质感。世界是由各种各样不同材质构成的，不同材质又具有不同色彩，它可以反映出场景历史时期的不同、科技水平的不同、贫富贵贱的不同、气质内涵的差异等。将不同材质、色彩和造型结合起来可以强化场景设计的视觉美感。

太晨宫建筑的色彩为白色基调，材质是黄金和白玉，大面积的白玉，体现了仙宫高贵、典雅、超凡脱俗的气质，将太晨宫与别的场景很好地识别开来，同时体现了太晨宫仙气四溢、庄严、一尘不染的氛围，展现了与众不同的“仙”的玄幻视觉美感。

悬挂的金色灯笼增加了场景的“生”气，是天外天上的繁星，祥和而悠然。建筑主体两侧的白色拱廊结构、高出的桥、院落中央的淡蓝色莲池，星星点点粉红莲花，进一步软化了主体建筑硬朗的视觉，增强了建筑的中式园林意味，凸显了东方美学的灵秀、逍遥、温柔的情趣美感。这与魔界以大面积黑色石峰为基调、以星星点点暗黑闪耀的火红岩浆为点缀，一明一暗，形成了强烈对比，展现了仙和魔不同的玄幻视觉美感，更细致入微地通过强化对比的手法呈现了仙、魔的独特性和唯一性，进一步达成“识别”和玄幻的视觉氛围。

使用不同手法的独特场景造型设计，着重拉开仙、魔气质，既把魔界和仙界区分开来，又把该剧的仙魔两界和其他电视剧的同类场景区别开来，从而为广大受众提供了与其他影视剧不同的场景“识别”素材，营造了具有独特性和唯一性的玄幻视觉美感。场景设计在达成玄幻视觉的同时，还展现了中华传统文化兼容并蓄的设计理念、以人为本的指导思想以及天人合一的对立与和谐等，让人们在观影过程中能够感受到中华文化的美与价值。

〔基金项目：四川省科技计划项目“基于项目资源聚合的创新模式研究”(编号：2019JDR0265)。〕