浅谈歌唱演员的基本素质——美声唱法

王 媛

（哈尔滨师范大学 黑龙江 哈尔滨 150080）

“音乐是一种特殊的诗的语言，这种诗的语言以人声发出的或特殊的人造工具所产生的一定的特殊音响，作为自己的手段。”歌唱演员看起来只需要完成重现和表达的任务，把作曲家的创作成果及创作意图认真、准确地表现出来，但如果只是将乐谱上的所有音乐符号表现出来，那么就缺少了声乐作品所需要表现出的灵动性；即便作曲家已经尽可能地标记出所有歌唱演员应该处理的地方，可是不论怎样，都不可能把音乐作品想表达的一切都容纳进去。因此，如果说作曲家缔造了音乐的躯体，节奏是音乐的灵魂，那表演者则是真正地赋予了音乐鲜活的生命。每一首声乐作品都是当时时代风格的反映，作曲家在每首声乐作品中都赋予了自己的创作意图、创作思维、创作情感，如果缺少了表演者的重现，那这些都只会体现在乐谱上。乐谱由音符组成，而音符只是没有生命的存在体，要想给音符注入生命使乐谱更加活灵活现，就需要歌唱演员的介入，从而使作品得到更加完美的体现。

一、美声歌唱演员要具备的基本素质

声乐教育家周小燕曾指出，“学习声乐者还有一项较器乐演奏者更为艰巨复杂的工作，必须在学习过程中完成——‘铸造’自己的乐器。”声乐学习将是一条艰苦的道路。意大利米兰斯卡拉歌剧院声乐教师巴拉也认为，声乐学习的头两年应完全用于调整“歌唱乐器”，然后是研究歌唱技巧——各种控制声音的形式，最后是风格。

那么美声歌唱演员究竟需要具备哪些基本素质？

（一）专业的技能与技巧

经过专业训练的歌唱演员有着高超的技术，其精湛的表演往往能使观众有一种身临其境的感觉，使不会看乐谱的人也能感受音乐带来的心灵震撼，从而推动音乐更加普及化，让不会唱歌不懂唱歌的人也能徜徉在音乐的海洋中。

首先，优秀的歌者通常有一双灵敏的耳朵和超强的记忆力。敏锐的听力帮助歌者听辨自己声音的准确性，也是分辨自己演唱方法正确与否的重要条件。而记忆力则是帮助歌者在脑海里储存音的音高和振动频率，从而使其能准确地唱出每个音。通常在学习声乐时视唱练耳也是必不可少的一门课程，这看似是只需要大量练习就可以完成的简单任务，但也需要耳朵和记忆力的配合，不然练上几千遍也是无济于事。

其次就是需要科学的歌唱方法，发声方法关系到歌唱演员演唱的成功与否；发声方法的选择、气息的控制、咬字吐字和共鸣腔的运用等都是一名优秀的歌唱演员必须具备的专业技能。声乐教育家金铁霖指出，“声音是唱歌中最重要的一个环节，这其中要先讲共性，才讲个性。”这里的“共性”实际就是指声乐技巧。“好的嗓子”往往不多见，更多地需要后天科学方法指导下的勤学苦练，科学的发声方法往往以自然为主，保持积极放松的状态（积极是心理的积极，放松是口腔后咽壁的放松）。歌唱的正确姿势是双手自然下垂，两肩自然打开，两脚平行与肩同宽或者一前一后，臀部收紧，下巴收回来，适度抬起胸部，目视前方，头顶感觉有一根绳子拽着，面部保持微笑。气息的控制也是至关重要的，西洋唱法理论中曾提到“歌唱的艺术，是呼吸的艺术”，声乐中的呼吸应当区别于生活中的呼吸，声乐中的呼吸应该更加深邃，用深呼吸，吸到小腹使横膈膜自然下降，声带摩擦让声音非常自然、舒服地流淌出来。

随着熟练程度的提升，美声歌唱演员会更为熟练地控制气息的走向，也会根据作品的不同和个人情况改变呼吸的方法，如：胸式呼吸（简单理解为狗喘气式呼吸）适合于换气口比较短并且节奏速度比较快的声乐作品；腹式呼吸（简单理解为闻味道式呼吸）适合于换气口比较长或者前奏、间奏比较长的声乐作品；胸腹式呼吸（简单理解为口鼻同时呼吸）有力度、有弹性，并具有很大的灵活性，这种呼吸方法，不仅能使歌者的声音圆润、响亮，而且能避免过强的气息冲击声带，对嗓子的保护也能起到一定的作用。

在生活中，大多数人的说话方式都是错误的，往往都是松松垮垮的，吐字也不清晰，无论是唱歌还是说话，咬字时都应该咬在嘴唇、牙齿、舌尖上，像嚼胶皮糖的感觉，嘴皮子用力，使字更加清晰，而不是模糊的感觉。许多歌者为了提升自己咬字的清晰度以及加强对气息的控制，选择苦练绕口令，或者叼着筷子、牙签念文章，这对美声歌唱演员在演绎作品时对人物的塑造有很大的帮助。在吐字清晰、声音集中的基础上，为了使声音更加圆润而富有力量，让声音能传得更远，歌者会在声音中加入共鸣，所谓共鸣腔是头腔、口腔、胸腔等，要使声音更加富有戏剧性、更加饱满，共鸣是少不了的。中音时为了使声音更加富有色彩，没有停滞的感觉，而能自然地流动，歌唱演员需要加上共鸣；高音时为了不让声音太尖锐、干涩，使声音更加圆润、舒展，歌唱演员需要加上共鸣；低音时为了使声音灵活、灵动，不干瘪、苍白，歌唱演员也需要加上共鸣。所以说，歌曲精湛的演绎是离不开共鸣的。

（二）良好的心理素质

卡雷拉斯曾说，歌唱首先开始于他的心，他的心灵告诉他要表现什么、感受什么，他的思想指导他该用什么速度什么技巧。从中，我们可以发现声乐表演是一种可以丰富情感体验的项目，作为一名优秀的歌唱演员，不仅要具备良好的生理素质以适应表演技能的需要，还应具有良好的心理素质，即使在台下经过上千次的练习，在舞台上发挥不出来，都相当于做了无用功，歌唱演员的根本目的不是炫耀技巧和孤芳自赏，而是要将真善美传达给观众。上台前的紧张和怯场是演员具有的普遍现象，著名的男高音帕瓦罗蒂先生也会在上台演出时因为焦虑和紧张选择拿着一块白色的手帕，一是可以缓解过度紧张的情绪，二是可以擦掉因为太紧张而流出的汗水。优秀的歌唱演员往往具有比普通人更强大的心理素质和抗打击能力，在舞台上什么事情都可能发生，而优秀的演员就需要迅速地反应并调整自己的状态。想要在舞台上成功地表演，台下的勤学苦练是前提条件，也就是俗话说的“艺高人胆大”，只有牢牢地掌握了乐谱上的东西，才能更加有信心和把握，然后才可以全神贯注地对作品进行表演与再创造。

歌唱演员在登上舞台时往往会面临紧张这个问题，有的演员是上台之前紧张，脑子里出现了很多不好的心理暗示，比如：忘词了怎么办，上台时摔倒了怎么办等等，这就给演员的正常发挥造成了很大的阻碍；有的演员是上台之前不觉得紧张，站到舞台上之后才感觉紧张，导致心理压力加大，感觉心怦怦跳，身体不受控制，或者感觉伴奏已经开始了但是张不开嘴，又或者大脑一片空白什么也不记得。面对种种问题，应该保持冷静，只有精神先放松了，歌声才能更加自然、曼妙。首先要熟悉谱面，歌词烂熟于心，这样才能在舞台上只关注表演的质量和情感的流露，而不是还在想下一句是什么词，以及这个地方是否该吸气，声音是否应该再往头腔放一放等技能技巧方面的问题。

其次要给自己足够的信心，上台时紧张往往是因为演员内心的悲观情绪，当你站在舞台上时，你已经战胜了自己，你已经是最好的了，只需要把平时的水平展现给观众就行了，不要有过多的想法，只要把这次舞台当成千百次练习中的一次就好了。而面对众多评委或观众会感到恐惧与紧张，就需要通过多次的实践来克服这个问题，多去历练自己，哪怕没有发挥好也会增加舞台的实践经验，发现问题解决问题，使自己不再出现类似的错误。当你真正熟悉舞台上的感觉，并且享受观众欣赏你所展示的舞台表演的时候，那么你的每一次表演就只是展示你的特长的演出，要使自己平静下来，不要焦虑或恐惧，把自己融入歌曲情境和角色中去，给观众讲述一段动人的故事，这样紧张就不会成为表演中的阻碍。

（三）人生感悟与文化修养

著名音乐教育家沈湘曾指出：“歌唱者要善于感受、体验歌曲的情感，领悟其内涵，用歌唱技能、技巧把它表现出来，这是使歌唱富有艺术表现力的非常重要的方面。”音乐不仅是一种技术，更是一种生活的体验。真正的艺术家，需要高超的技艺、深刻的思想与丰富的人生阅历以及良好的艺术修养，作为一名专业的美声歌唱演员，不能一味地追求歌唱水平而忽视基本素质的提高，没有积极的人生感悟和深厚的文化修养，即使功成名就也是空中楼阁。生活是一本很好的教科书，歌者在成长过程中必然伴随着深刻的体验和丰富的生活经验，随着经历的增多会遇到各种各样的事情，人的一生中酸甜苦辣也都会去经历，会有许多时候是不愉快的，有时很颓废，有时遇到瓶颈就会想放弃，这个时候我们需要正确的人生观来指引自己走向光明，当我们不再彷徨时就会有很多的感悟。而每个人看待问题的观点都是不同的，这就是人们说的“一千个人眼中有一千个哈姆雷特”，这种不同的观点跟不同的人生阅历，使每个歌唱演员塑造出的人物都有所不同，哪怕是同一部歌剧的同一人物，也会因为演员的不同，带给观众不一样的视听体验。而这些丰富的人生阅历跟不同的心路历程往往能成为歌者宝贵的精神积淀和艺术财富。

瓦尔特曾经说过：“演奏家的艺术处理和见解越高，他就能更大程度地传达该作品。”当代著名指挥家阿巴多在谈到这一问题时说：“我认为了解音乐、绘画和文学的各个方面是很重要的。”一部音乐作品蕴含了作曲家丰富的内心情感，只有了解作品背后的故事，才会在表演时更加具有表现力，更加深入人心，使表演能敲击听众的内心。在舞台上，歌唱演员需要将自己代入人物，塑造一个活灵活现的人物，而不是让他们只存在于纸上，这就要使自己先身临其境，自己先要相信自己就是“那个他”，这不光能带动听众的热情，从而使演出更加完整地呈现在观众面前，也能使歌者忘却自己是一名演员，更加投入到人物中去，并产生意想不到的舞台效果。

（四）张弛有度地把握舞台

歌唱演员从上台直到谢幕走下舞台才算是结束了一次演出，而这些细小的地方往往会被人忽视，即使演员完美地演绎了作品，但谢幕时不恰当的动作和表情也会使观众对演出甚至演员产生厌烦心理；有些演员往往过于想表达内心的激动，或者是因为演出而太过兴奋，这种心理虽然是想使作品更好地展示在观众面前，但是往往会产生反作用，使表演大打折扣。好的演员会适当地调节舞台的气氛，在表演过程中，应抓住情节的酝酿、发生、发展，矛盾冲突的爆发，高潮的到来，以及尾声和结局几个重要的关键点，给观众营造出一种虽然在表演中但是不失真的感觉，让观众能体会到作品要表达的情感，或幸福或悲伤，体会到人物的心境变化，或忧愁或愤怒，这就需要演员控制住自己的情绪，给观众一种恰到好处的感觉。

上台和下台的姿势也需要注意，也需要多次的训练和练习，走上舞台时不要低头，身体不要僵硬，步伐不要太小也不要过大，上台的速度不要太快也不要过慢，要抬头挺胸目视前方，手臂自然下垂，步伐与速度适当，面带微笑，给人从容优雅的感觉；在舞台上尽量不要有太多的动作，除非是角色需要，如果动作过多会给观众一种眼花缭乱的感觉，更有喧宾夺主的嫌疑；而谢幕时不论观众的反应是什么，都应该彬彬有礼且大方地向观众鞠躬，表达真挚的谢意，鞠躬时幅度不要太大，始终要保持稳重、沉稳的感觉。

二、总结

不同的演员会对角色有不同的理解，这也是演员所需要的，好的演员不仅仅会模仿，也会在此基础上加入自己的见解，这样也就真正完成了演员和角色的一体化，简单来说就是在相同中寻找不同。每一部作品中的人物都是具有不同的性格特征的，比如悲观、犹豫、果断等，那么我们在处理时就可以选择其比较突出的性格特征进行表现，这样在演出时就产生了个人效果。个性是表演者赋予角色生命的关键，只有对作品有独到的见解，并找到适合自己的表演方式，形成独特的个人风格，才能理想化地诠释作曲家的作品。音乐表演者只有忠于音乐作品，忠于作曲家的创作风格，并充分发挥自己的创造性，实现音乐表演的真实性与创造性的统一，才能真正进入表演的理想境界，成为一名真正的艺术家。