分析当代传统国画与创新的关系

秦建蓉

一、传统笔墨在创新中的重要性

（一）在笔墨的继承中创新

就如叶浅予先生提出了“传统、生活、创造”三位一体“临摹、写生、创作”三结合的现代国画教学体系，叶浅予先生把传统放在首位，创新在最后阶段，充分显示出继承传统的必要性。所以，在刚学习国画期间一定是以临摹为主，学习国画的基本知识和专业技法。不断地临摹线描稿，把握线的力度和线的转折表现。以及墨的运用，“墨分五彩”是怎样在宣纸上呈现等等。必须熟练掌握笔墨的技法，才能进行创新，而不是把其他的绘画语言直接运用到国画中便是创新，如果没有笔墨那就失去了国画的精髓，失去国画的意味，那样的作品只能称为一幅画，但不是国画。

被称为“五向合一”的创始人李振凯，他的作品便是将中国画、油画、书法篆刻线条、工笔画、版画五种艺术技法融为一体而形成的。他的作品《以心度境心渡》画面描绘的是水乡的早晨，一只小船驶入画面，打破了水乡早晨的宁静，预示着一天的忙碌即将开始。画面中房影、树影、船影都是用版画的技法表达，有一种油墨的感觉；房屋、船体边缘是用篆刻的刀法刻画；用水彩和油画的用色效果来表现整个画面，水面、房屋以绿色、蓝色、黄色等亮色调呈现，整体色彩鲜艳、亮丽；并且整幅画利用了西方的焦点透视，使画面更加呈现出一种西方风景油画的质感。

这就是一幅典型的中西技法融合的作品，虽然运用的是传统国画的意境，但是，过多的强烈色彩对比反而把传统国画宁静、幽远的意境美打破了，欣赏者很难体会国画的意味，画家通过太多的艺术语言来表达这幅画，使画面整体偏离了水墨画，所以，即使是创新也不能抛弃传统而去谈创新，那么传统笔墨作为国画的精髓，当然是不可抛弃的。而笔墨又必须是相辅相成，骨肉相结合而成，就如南齐画家谢赫在其《画品》一书中提出的品评绘画的六条标准，“古法用笔”为其中的一条。东晋——卫夫人《笔阵图》称：“善笔力者多骨，不善笔力者多肉；”《笔阵图》论述的是书法用笔的结构方式，但是同样适用于绘画中，书画向来本同源，它在书中详细阐述了“骨”和“肉”二者间的相互关系，“骨”体现得是中华民族阳刚之气，即要有骨力气息，画面的整体效果才能更好地呈现出来；而“肉”是对“骨”的一种丰富，达到用笔层次丰富，线条流畅饱满，表现力突出。但是在现当代，当我们谈到创新时，就往往抛弃笔墨而去臆造新的艺术语言，认为这便是创新，可见这显然是片面的。

（二）传统笔墨技法与创新

另外，当代也会要求学生注重创新而忽略了临摹，认为临摹即死板，即艺术语言的固化。有人可能会说，一直临摹不就和古代的画匠没什么区别了吗？我认为这种说法不完全正确。首先，从临摹的目的考虑：画匠只是单纯地为了磨炼绘画技巧，而当代学生的临摹，不只是简单的学习国画技巧，而是在临摹的过程中加入自己的思考，启发自己对传统国画的创新思维；其次，从文化程度的角度看，画匠在古代只能说是一种谋生手段，古代画匠是和文人画家区分开来的，画匠不可能与文人相提并论，文人能诗、善画、又有一定的话语权，画匠不可能达到。他在作画时并没有去思考画作本身的意义，相反，当代学生随时可以掌握各种知识，开阔眼界，与文人画家相似，在学习绘画技巧的同时培养创作灵感。如果你不懂传统、不会技法，不懂传统国画精神，会创作出优秀作品吗？我认为这是很难的。在众多现代创新的画家中，虽然他们采用的是西方的一些处理画面的手法，但是，这并不等于他们抛弃了传统笔墨而只运用西方的绘画技法。

徐累的绘画风格就是属于新工笔创新风格，在他的作品中很少看到明确的线条，大部分是以色块、几何图形以及画面空间感来表现意境，他有意弱化线条是为了画面的整体服务，并且大胆用色，提供给观众一种想入非非的情境，既有种神秘感，又有种强烈的空间动态感，把象征自由的马，以及地图加入绘画，他对地图的刻画是细致入微的，表现出传统工笔画精勾细描的特点，代表传统与现代的融合，在不丢失传统的笔墨前提下，结合西方的抽象图像，呈现出一种新的表现形式。

二、时代发展对国画创新的影响

笔者认为中国画的创新应该顺应时代发展，表现当代社会人们的思想、反映社会现象等，而不是把西方的观念艺术照搬到国画中，每个民族都有不同于其他民族的精神，那么，中华民族精神即从古流传至今的文人精神，关注现实生活，例如《礼记大学》中的“修身、齐家、治国、平天下”，“穷则独善其身，达则兼济天下”等。所以，文人士大夫具有强烈的忧患意识。然而，当我们在学习和借鉴西方时，基于民族意识、审美角度、社会环境的不同等等，不一定能够完全达到西方对现实主义绘画的审美标准，所以，西方欣赏更多地还是传统的水墨画，对于现代的创新水墨画还是不认可，以至于中国画在市场的竞拍中价格也远远低于油画。所以，我们应该创作符合东方审美艺术，符合中国当代的艺术，在传承中华文人精神的前提下开拓创新。

（一）传统文人精神的影响

文人强烈的忧患意识在文学、绘画等都有所体现，下面以崔白的《寒雀图》为例浅谈，《寒雀图》描绘的是隆冬的黄昏，一群麻雀在枯树枝上栖息的场景，在传统的文人花鸟画中，我们经常会看到画家用枯木、寒石表现秋冬的景象，很少出现繁花似锦，这便是文人忧患意识的一种表现。中国人讲求“绚烂之极，归于平淡”的精神境界和作品体现的人文情怀，任何事物都有低谷，有高潮，当一朵画花开到最繁盛的时候就会凋零，一棵树郁郁葱葱后便会落叶、干枯，虽然看上去失去了往日的生机，但是，它们并没有死，来年在春风的吹拂下，春雨的滋润下会再次重生。并且中国的文人的忧患意识是对人生的一种感悟、对经历的含蓄表达。画家们的整个创作过程，都是画家内心活动、人生阅历、时代精神的反映，而不是对客体形象的描摹。

所以在绘画中，逐渐形成尚意、写意抒情的画风。如八大山人，又名朱耷，在他的画中充斥着孤寂、愤懑的情绪，以及他的落款被人称为似“哭之”“笑之”，同时体现出他愤世嫉俗的个性特征。在《荷石水禽图》中翻着白眼的禽鸟仿佛是对现实的反抗，而荷花亭亭玉立，又是他在矛盾与忧郁中顽强生存的体现，他把国亡之恨与不甘寄托于绘画，意境苍凉凄楚，笔墨简洁含蓄，有“墨点无多泪点多”之感。还有石涛在山水画理论作品《苦瓜和尚画语录》中提出的“借古以开今”；这种追求主体精神境界的传达，使传统文人写意绘画达到了高峰（图1）。

图1 郝孝飞《高原行系列-5》

当然传统文人精神范围宽广，如文人画家以梅、兰、竹、菊为题材表达自身的清高、不与世俗同流合污的品质；或以“笔情墨趣”为主观情感，表现旺盛的生命力或命运的曲折。现代同样需要这样的作品，通过不同于传统的笔墨方式来呈现，使中国的绘画独树一帜，形成中国的绘画艺术。

（二）文人精神在当代国画中体现

许多画家会选择反映社会生活，具有时代特征的人或物为素材作画。那么，有的画家便藏族群众为题材作画，来反映少数民族的那种质朴和勤劳，通过作品传达出画家强烈的人文主义情怀，更深层次的表达时代发展对人们生存、生活状态的影响。比如，郝孝飞便创作了大量的藏族题材作品，他的绘画构图都比较简单，着重刻画人物造型，尤其是人物脸部刻画细腻深入，用西方素描结构来表现，淡墨、重墨的叠加，把藏族群众粗犷、平实的性格表现的形象真实，在审美的同时关注到少数民族的生活。最为突出的便是他的高原行系列作品。

以《高原行系列-5》为例，这是一幅构图简单的写意人物画，通过两个相互依靠的老人，传达出藏族老人经历沧桑的岁月后安宁的情景，画面以人为主要描绘对象，用线刚劲有力道，转折明显，突出农民顽强、粗犷的特征，老人的上半身用线条表现衣服的厚重，下身裙袍用粗笔重墨渲染，黑白对比使整个人物更具精神气。同时，面部表现运用西方素描结构刻画，中西结合，使整个人物的表现更加丰富、真实，表现出少数民族“真善美”的品性，具有鲜明的民族特性，达到时代、传统，与艺术三者之间的完美结合。

当然，不只有国画，还有罗中立的油画作品《父亲》，也是以现实反映当代生活，利用写实的笔触，描绘出一位普通的劳动人民形象的父亲，很真实地把中国农民面朝黄土，背朝天的劳作中留下的粗糙皱纹表现出来。这是中国农民的一个缩影，是与西方完全不同的一种父亲形象地表达，把每个人内心的那位父亲带入画面中，达到情感的共鸣，这就是中国人的情感表达，是具有象征意义的。以一种含蓄的表达，来反映社会的现实。

三、结语

笔者认为当代艺术需要以中国已有元素、思想观念进行创新，创造属于我们自己的风格。就像日本的动漫一样，形成日本艺术的一个标签，日本的动漫也是在不断发展创新中而产生的，都知道日本的浮世绘在19 世纪是受到西方的关注的，但是，对于现代来说浮世绘是比较传统的，动漫就是在传统中不断创新、发展而逐渐形成，影响了全世界。中国需要树立符合时代的艺术，形成自己的艺术标签。