论如何提高钢琴演奏中的表现力

乔雪

摘 要：音乐，是声音的艺术。演奏，是表达音乐的重要途径，而准确的音乐表达是我们获取优美音乐的前提：钢琴演奏是一门表演艺术，演奏者倘若想要通过钢琴很完美地表现出作品的内容和特定的音乐形象，表现力是很重要的，它是演奏者的重要使命。

关键词：技巧;创造力;想象力;整体把握

中图分类号：J624 文献标识码：A文章编号：2096-0905（2020）18-00-02

众所周知，钢琴演奏是一门综合的艺术表现形式。演奏者需要具有良好的音乐理论基础、正确娴熟的演奏技能以及对于音乐作品的深刻理解，才能尽可能完美地演奏出來，除此之外还需要情感融入，通过演奏者的二度再创作和实践，较为完整生动地展现出来，只有经过这样的训练和积累，才能赋予作品感染力，从而更能引起听者的内心共鸣。关于音乐表现力的含义究竟是什么？它是一种再创作的技能，不仅是表现音乐内容的能力，而且也是演奏者运用自身的音乐逻辑思维、技术能力将音乐作品的内容和内涵表达出来，令听众为之动容的能力。当音乐表现力越强的时候，演奏者与欣赏者之间的互动会更多，所呈现出要表达的音乐内容就越生动和形象，引人入胜。音乐表现力在钢琴演奏中至关重要，那么，如何提高钢琴演奏中的音乐表现力呢？下面将谈一谈钢琴演奏中影响音乐表现力的因素。

一、技巧

俗话说，“工欲善其事，必先利其器”。钢琴演奏技术是一门较为复杂的学问，它的技术内容涉及身体的很多部位，比如手指、手臂、手腕、指尖、腰部、肩膀等，对于触键有很多讲究，比如触键力度、角度、面积大小等。钢琴这件复杂的发声乐器历经300多年的发展和改进，它的演奏技巧和音乐体裁也是随着钢琴发展史的演变而不断改进和变化的。其外部钢琴的构造日趋完善，内置音色趋于完美。在当代，钢琴已经成为现代乐器中音域最广阔、表现力最丰富的键盘乐器。它那宽广的音域和多声部的特点，使得钢琴音乐体裁也更加丰富，对于表演者驾驭这样的乐器要求就要更全面。如果想要更好地提高音乐表现力，关键是技巧，它是成功演奏钢琴的手段和工具，不同时期的钢琴音乐，其风格特点也不尽相同，对于现代人演奏不同时代的作品，只有经过严格的系统训练，掌握一定的娴熟技术，才能较为得心应手地表现音乐。但是，也不能因此就过分追求技巧，在诠释音乐作品时只关注炫技而忽略音乐情感内涵的意义，那样只会变成钢琴匠人。我们不管从何时开始学琴或接触这门乐器，都时刻要把音乐与技巧两者相互融合，在不断地学习和训练中日积月累，将其成为一种习惯认知，演奏时表现力也就自然水到渠成。比如：李斯特的练习曲《叹息》被人们称之为“大海”，这首作品充斥着激昂与柔和两个层面的特征，开头部分的左右手交替弹奏连绵不断的琵琶音背景下，穿插着一条优美的主旋律线条。李斯特创作中运用左右手的轮流演奏的特点，让乐曲主旋律听上去像一只手独立完成的一样，音乐流动连贯性强。左右手在进行自由均匀的触键，每个音符的下键力度都要均匀与圆润，其中大拇指起到连接作用，这也就要求演奏者技巧方面更娴熟，触键干净温柔扎实，音与音之间的关系不是单纯的音符连在一起，每个音符都有它存在的意义和价值。如果演奏者技术不够过硬，声音忽强忽弱，就不能很好地表现出音乐的意境和韵味，会因为技术不过关而影响整体的旋律美感，更不用说感染力了。即使你对音乐有再深的领悟和理解力，会因为技术不娴熟而力不从心。反之，也不要过分的追求技巧，而忽略了音乐本身和情感的表达，这样也会缺乏感染力和表现力。[1]

二、创造力

艺术贵在创造。而这种创造力是需要进行长期的不懈努力和积累学习，拓展眼界， 丰富想象力，多看一些音乐文献，比如不同的乐谱版本、作曲家相关介绍和研究材料，对于乐谱的解读也要全面，从基本的读谱、分析内容结构、创作背景等多层次全方位的学习。同时除了静态的文献，也要关注动态的音乐文献，比如多听不同演奏家的版本的音响资料，加以分析寻求最贴近自己理解的演奏版本，这些都有利于深化对音乐作品的深度感受。当我们坐在钢琴面前的时候，不仅扮演着演奏者的角色，同时还扮演着创造者的角色，对作品加以二度再创作。有个人的独到见解，这点很重要，在保持不改变原有作曲家的创作意图上，演奏者精心设计和处理作品细节，每个人处理作品方式应该是不同的，而不是把作品诠释的千篇一律。正如俄罗斯钢琴大师拉赫玛尼诺夫曾经说过：“演奏家要获得成功，必须要有鲜明的个性，并且他处理每一部作品都应当有这种个性。”贝多芬的《热情奏鸣曲》是他中期音乐创作的杰出作品之一，其第二乐章为流动的行板，变奏曲式，开头部分像是一位智者在告诫和诉说着人生哲理，即使经历苦难坎坷的生活，心中依然要充满光亮与信心。后面又运用到淳朴的赞歌式旋律主题，经过三个变奏后，音乐律动感逐渐活泼起来，整个乐章渗透着作曲家的乐观主义精神。那么，我们在演奏时就应该把这种心路历程通过自己历经的生活感悟加以理解，二度创作表现出来，让听者能够真正仿佛看到一位百折不挠的英雄形象乐观积极地面对困难。钢琴演奏是一门时间的艺术，其生命力存在于表演的过程中，它与绘画雕塑等其他艺术形式不同，任何一位优秀的演奏大师，都经历过不断地研究，不断挖掘演奏策略、音色处理、细节形象刻画等，探索出最适合自己的表达方式，绝不是把钢琴演奏变成一个没有生气的手指机械式运动。只有在这样不断实践和努力过程中，逐渐深化对于作品的理解，从而更加有助于提高在演奏中的音乐表现力。

三、想象力

音乐是通过声音来表达情感，塑造形象的，而这些艺术形象来自我们丰富的想象力。而音乐的想象力来自对生活的体验，这就要求我们要善于观察生活。想象力是音乐灵感的一个敲门砖，为开启更生动地塑造丰满的艺术形象做铺垫。音乐家们的想象反映着生活中的人物，情景，现象，通过把没有生命的音符组织成不同的旋律来描绘他们所感受到的，所想象到的，最终以冷静理性的态度和丰富的音乐理论知识加以进行建构和创作，来表达作曲时的某种感情，某种愿望，某种寄托等。对于演奏者而言，每位演奏者即使是演奏同样的一部作品，脑海中的音乐想象也是不尽相同的。例如：弹奏肖邦《“东风”练习曲》时，有的演奏者会联想到密密麻麻的快速音群像是冬天的狂风将枯叶卷起，并在空中随意舞动的景象;有的则会联想到像大海般的激流涌动一样的场景;甚至有的还会和肖邦其他曲目联想到一起，比如《“革命”练习曲》，音乐风格上与“东风”练习曲比较相似，有些演奏者会把二者融合在一起想象，仿佛看到年轻人将要奔赴战场，展现不怕牺牲的精神。再比如，印象派的作曲家德彪西、拉威尔，他们的很多作品来自对于大自然美好景象的描绘，德彪西《水中倒影》和拉威尔《水的嬉戏》，两首作品都在描绘水的景象，不同的和弦组合、滑音，柔美的旋律在不断变幻的和声背景衬托下，仿佛展现了水面波光粼粼的效果，运用有声音响描绘自然事物，每个强弱的对比像是瞬间捕捉到了水面光与影的细微变化，仿佛置身于一幅幅色彩斑斓的风景画。想要更加深刻的理解音乐，要多深入生活，只有丰富的体验才会有丰富的想象力，想象思维才会愈发活跃。把情感体验和顿悟，融入演奏中去，让其成为一种潜意识的习惯，这样才有助于更好地提高钢琴演奏的音乐表现力。[2]

四、整体的把握

当能熟练地演奏作品时，除了在细节和局部的精益求精，还需要注重整体风格效果。在分段练习时，多加分析段落间的衔接和发展变化，注意段落间的不同类型的关系处理，抓住作品的高潮处， 有利于对整首作品的设计，让音乐变化层次更丰富。着眼于整体，不要过分追求单纯音响效果，而没理由的乱加多余情绪，运用过多踏板等，使得音乐风格变味。不同的作曲家以及同一个作曲家的不同体裁的作品，风格上都会有差异。所以只有多聆听，多接触不同类型的作品，才能渐渐在头脑中形成鲜明的风格概念，更好地把握音乐作品的整体。[3]

五、结束语

钢琴演奏毕竟是一项有灵性的事业。先天地对音乐的敏感固然重要，而后天的培养训练更为重要。只有刻苦地训练自己的演奏技术和加多观察生活，体验生活，发挥自己的想象力，把握好整体的风格特征，适当注入自己的情感思想和表演欲望，便能将自身的二度再创造完善得更好，也只有这样才能使自己演奏的作品经得起推敲，引起听者内心的共鸣，从而使音乐表现力在钢琴演奏中不断提高。

参考文献：

[1]傅道春.新课程中教师行为的变化[M].北京：首都师范大学出版社，2001.

[2]潘一飞.朱工一谈钢琴教学[J].中央音乐学院学报，1985（01）：40-46.

[3]约瑟夫·班诺维茨.阿劳谈艺录[M].北京：人民出版社，2006.