复制技术在艺术领域中的应用价值探讨

崔延玮　平龙

【摘 要】波普艺术起源于20世纪50年代，60年代在美国兴盛，之后波及到意大利、日本等国家。20世纪，部分当代艺术已经能够将复制品做成一种标志性的文化现象了。版权意识逐渐成熟的今天，复制很多时候被认为是劣质的抄袭行为，大体来说可以将复制行为分为两个种类：单纯的复制和复制后的再创作。“复制”一词不一定是贬义的，它意味着丰富的来源，复制品的起因可以被定义为“多产”，而它的结果是否足够丰富，则需追问原作。如果人们能以正确的眼光去对待复制品，那么对艺术品的鉴赏将不会再把注意力集中在这究竟是原作还是摹本上，而会以更加批判的精神来区分复制品的好坏。

【关键词】波普艺术;当代艺术;复制品;原作

中图分类号：J51    文献标志码：A              文章编号：1007-0125（2020）22-0144-02

在艺术的发展历程中，复制技术第一次真正登上艺术舞台，是版画的出现。版画家专门从事雕塑家和画家作品的复制和量化工作。相较于油画，版画更像是在扮演一个优秀的“译者”形象。版画与印刷术几乎是在同一个时期被发明的，印刷术的性质可以很好地解释版画创作的意义——更快的复制和传播。同样的技术变革例子还有摄影术，如果说作为忠实复制角色的版画艺术是对传统绘画的助力和推动，摄影术的发明则是改变传统艺术的一个转折点，它迫使传统艺术走上激进变革的道路。每当要开始讨论关于“复制品”的艺术时，不可避免，设计的历史都会将人们引到波普艺术的领域。在现代艺术发展史中，最早将复制品应用到艺术作品中的流派是波普艺术。

一、波普艺术发展概述

波普艺术一词来源于1956年“独立派”举办的“这就是明天”展览中汉密尔顿的招贴画：“是什么使得今日的家庭如此不同，如此有魅力？”这次展览以大众的来反对艺术的纯粹性。波普艺术的兴盛离不开时代背景的支撑，机械化的生产方式加速了西方国家民众的消费节奏，年轻一代开始不满足于千篇一律的工业产品，想要追求个性的、新奇的、色彩绚丽的产品，加上美国政府的推动与支持，波普艺术发展迅速，并以极快的速度侵蚀了传统的产业，比如杂志、广告、工业产品等领域。从另一方面来说，波普艺术是对长期占统治地位的抽象表现主义设计观念的反抗，波普艺术家希望打破正统美学，追随本心设计出自由、张扬、有趣的作品。波普艺术相较于抽象表现主义是更具生活化和更加通俗易懂的，其不断采用新材料、新手法和新形式加快了流行的传播速度，从而获得了更多消费群体和巨大的商业价值。

进入本世纪，大众消费已完全由市场为主导，波普艺术除了适应商业社会下独特的消费文化之外，同时还具备了对商业社会的嘲讽和隐喻，而这正是传统艺术最难具备的。艺术可以被复制成新的艺术吗？艺术可以批量化生产吗？这两个问题值得探讨。波普在兴起之初被质疑其是否属于一种艺术流派，因为大部分作品中都使用了已有的元素进行二次或多次创作，并且进行批量化生产投入消费市场，导致收入不高的群体也可以轻松拥有这些艺术品。

二、中外当代艺术中的复制技术

机械、电子和数码技术日趋成熟，在20世纪时，部分艺术家已经能够将复制品做成一种标志性的文化现象了。例如安迪·沃霍尔的丝网画《玛丽莲·梦露》已经成为了一种标志性的象征符号;杜尚将现成品的小便池变成了对艺术史影响最大的艺术作品《泉》。如果复制品和现成品是艺术，艺术也就和古董区分开来了。值得注意的是，复制品不会抹杀原作的原创性，因此复制不等同于抄袭。

在艺术的长河中，不乏一些被不断复制的作品，世界名画是这样，经典设计亦是如此。在各种海报和展览中经常可以见到梵高的画作被再加工，甚至可以看到各式各样的、不同主人公的《包扎耳朵的自画像》;汉斯·瓦格纳设计的座椅被称为“世界上最完美的椅子”，而这把椅子的灵感正是来自于古老中国的明式座椅。

深圳市大芬村是闻名世界的油画制造村，以出口仿制名画为主营项目。20世纪90年代中后期，大芬村获得了“油画村”的美誉，世界上任何一处有油画的地方都不乏来自这里的商品，这些油画的主要用途是以假乱真;2004年，大芬村与国内外艺术家合作，创作的作品曾成功在威尼斯双年展、巴塞尔艺术展等世界知名艺术展进行展出;自2010年始，大芬村降低了复制油画的比例，借国内电商兴起的东风，进一步提高了原创油画的创作与销售比例，他们似乎离“画家”这个称谓又进了一步。从一开始的机械化复制到得到政府支持后的艰难转型，大芬村内艺术的发展体现了复制技术在人为影响下由单纯复制向复制后再创作的演变。国内服装品牌苏五口曾经推出了造成不小轰动的“抄袭”系列产品。这个系列将大众熟知的潮流品牌产品结构拆分后组合成崭新的产品，在推出后不久，购物网站上就出现了低价的仿制品。苏五口对“抄袭”系列的解释是：“据我所知，利用别的品牌作为自己品牌的参考样衣是潮流界公开的秘密，这个系列就想把品牌都不太愿意聊的部分直接放到最前线。”以此系列中的滑板鞋举例，抄袭鞋一方面借用了原品牌滑板鞋的标志性元素;另一方面却在产品质量和外形上下足了功夫。品牌利用人们熟知的标签玩了一次真正的达达主义游戏，不但启发了创造力，而且以恶搞和颠覆性的方式影响着大咖品牌的垄断地位。这是一次颠覆与创造的结合，尽管这个系列的产品是对已有产品的持续创作，但是通过改进、拓展、组合创造出了新的乐趣。

本世纪的数字流动性使得所有的东西都在不停被复制、分享、传播，复制覆盖了生活的各个方面。真正需要考虑的是，艺术家将以何种手法应对并找到适合的传播方法。由此得出，如果艺术品的创作从不使用任何已有的元素，那么艺术品可能也将不复存在。

三、复制技术在艺术领域中的应用

从以上的例子可以得出一个结论，即“复制”一词不一定是贬义的，它包含着丰富的来源，复制品的起因可以被定义为“多产”，而它的结果是否足够丰富，则需追问原作。一件艺术品之所以称为原作，是因为它既可以在历史脉络中追本溯源，也能够在后世里繁衍。以中央电视台综艺节目《国家宝藏》为例，此节目的创新性在于，让当红明星用舞台剧的方式呈现历史文物故事，并加入了互聯网投票。在此之前，普通民众想要深入了解文物，只能通过博物馆，浏览简介并不能使人投入较多的注意力。在此例中，文物是原作，电视节目则是它孕育的后继者，启用舞台剧的形式讲述文物的故事，也是对文物本身的一种复制。观众不会质疑舞台剧不是原作本身，这就是表演历史故事的意义——重现。好的重现能够把原作中还没有被发现的特质挖掘出来，由于这档节目卓越的复制成绩，文物的推广和传承达到了新的高度。如果没有继承者，原作就会像一块贫瘠的土壤，无法培育新的生命;但是当太多劣质的复制品出现后，原作本身可能会被遗忘，它将不再是任何后继作品的起点。虽然原作不能选择它的复制品的优劣，但由于事物的两面性，没有复制品和继承者的原作将必然永失光彩。

因此，如果人们能以正确的眼光去对待复制品，那么对艺术品的鉴赏将不会再把注意力集中在这究竟是原作还是摹本上，则会以更加批判的精神来区分复制品的好坏。

四、复制技术产生的价值

应用复制技术的鼻祖波普艺术，这个在上个世纪就出现的艺术流派即使到了今天还在不断创造新的价值。服装设计、视觉传达设计、染织品、陶瓷、家具等领域都从一定方向复制了波普艺术的光彩。新时期的艺术市场更加偏向于大众化，艺术不再专属于上层人士，大多数人会轻易采用复制品，却又会拼命标榜个性。任何独特的东西都有消失的风险。人们或许会因为复制品的不道德性而不喜欢它们，复制品在原创性的标准上贬值了，而在美观方面却跟原作没有太大的差别。当今世界，复制品已经是家常便饭。我们想指望从复制品中获得对连续性、价值和真实性的把握，就一定要将观念从简单的真假鉴定上升到艺术本身意义的追寻上来。但是如果想与原作进行思想、灵魂、本质的交流，复制品还是无法做到的。

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作者簡介：崔延玮（1994-），女，汉族，山西忻州市人，硕士，上海工程技术大学，研究方向：会展与环境空间设计。平 龙（1964-），男，汉族，上海市人，副教授，学士，上海工程技术大学，研究方向：环境艺术。