浅谈语言节奏在塑造人物中的重要性 ——以“燃烧的梵高”中的茜恩为例

陈慧娟

（浙江话剧团，浙江 杭州 310005）

引言

语言节奏对于话剧舞台表演艺术来说至关重要，是演员塑造好一个人物的必要因素之一，无论是主角还是配角，站在舞台上即为平等，就都是演员，无谓大小，都要做好一个演员应该做的事情，像斯坦尼斯拉夫斯基说过“没有小角色，只有小演员，”[1]把握好语言节奏是一个演员的必修课，也是成为一个好演员的重要因素之一。

一、什么是语言节奏

学表演的学生在大学期间主修四门课：声台形表。而对于话剧而言，台词尤为重要，它没有办法像影视演员一样有后期的帮助，所以就更考验演员的台词功底。甚至有的时候台词说好了就能塑造好一个角色，如何说好台词，就主要从语言节奏入手。那到底什么是语言节奏？其实大部分话剧是需要通过有声语言来表达剧情和情感，而所有的有声语言表达艺术都是一样的，就比如演员说的台词和歌手唱的歌是一样的，都是需要旋律和节奏的。说出来的台词要有高低起伏，气息要有长短变化，语速要有快有慢，哪怕声音大小也要不停变化，而不是一味的卖力嘶喊或者硬生生的把剧本里的字背诵给观众。这样观众听起来才不会觉得乏味无趣。使台词听起来像歌声一样优美，这就是在话剧表演艺术中的语言节奏。

二、如何准确找到语言节奏

（一）在练习中不断摸索

要想把握语言节奏，最初级的也是我们必须掌握的就是逻辑重音，这个逻辑重音和我们生活中说话的重音是一样的。也就是找到说台词的真实感。但是放到舞台上的时候演员可能会有一些突发情况丢掉了语言重音，丢掉了来源于生活的真实感，这是万万不可的。在能每次找到语言的逻辑重音的基础上，就要慢慢摸索如何通过对语言节奏的把握赋予台词二次生命，这个过程是漫长的，也就需要我们不断练习，通过音色、气息、语速快慢以及声音的高低等进行处理。有时候一句台词要在私下练习成百上千遍，也不见得能找到一句台词最完美的表达方式，这个过程是有魔力的，让人不由自主地沉浸在其中。而这也正是让我着迷的地方。比如在我演出的《燃烧的梵高》中，第二场起光的第一句话是茜恩站在路灯下说：“要过夜吗先生？”就这简单的几个字，就要表达出人物的身份、现状的落魄、所处的环境、性格的体现，也要作为这个人物在全剧中所起的作用打好基调，我私下练习过无数次，几乎是一空闲下来就去思考这句话怎么表达才最好，几近痴迷的状态，甚至在上台前一秒钟还要温习一下在我练习的过程中我比较认可的节奏表达。这是我们准确找到语言节奏的第一步。当然不管是做什么事情都需要不断地练习才可以做好，寻找语言节奏，也不例外。

（二）在不同情景下找区别

前面说的不断练习是最基本的也是必须要学会的寻找语言节奏的方法，当遇到不同的角色时，我们会发现同一句台词在不同的规定情境、不同人物说出来的效果要截然不同，哪怕是同一个角色的不同情景下，也要有区别。比如《燃烧的梵高》中前半段饰演茜恩、后半段变换后饰演天使，一人要完成两个角色，她们两个都有“你这个傻瓜”这句台词，在茜恩这个角色下的“你这个傻瓜”是被爱时惊讶的不知所措、掩饰内心的外化。而在天使这个角色的“你这个傻瓜”则是对梵高感同身受的理解、心疼，对他的安慰。这两个角色下说出来的相同台词既有一样的态度，也有不一样的态度。这就需要在这两个角色的相同中找不同，用不同的语气语调、气息变化和声音大小、节奏变化来区别，然后再加以不断的练习。在同一剧本的同一角色下，比如梵高在精神崩溃边缘以及与自己心灵对话时两次说到：“有些人即使精神失常可他仍然热爱着自然与生活，因为他是画家”，崩溃边缘时，他是彷徨的无助的，甚至有些犹豫。而在最后一幕中与内心的自己对话时，与内心对话的他说出的“有些人即使精神失常可他仍然热爱着自然与生活，因为他是画家”时，是坚定的、给予自己肯定的。这两处的同一台词就完全要用两种语言节奏去处理。这种找语言节奏的方法，会使演员更准确，更快速进入到角色当中。这就是在不同情境下找到不同语言节奏的区别。

（三）在实践中找到下一次的经验

不管是专业还是非专业、资历深还是资历浅的演员，都会存在一个问题，就是有的时候哪怕在演出中都不一定能找到最佳的语言节奏，这就使我们不可避免的在此次实践中找到经验，在下一次演出中有更好的发挥。不管是什么行业什么专业，都需要在一次次实践和失败中找到经验和方法，这也是激励着我们，推动着我们向前的很重要的一点。尤其是话剧演员，在舞台上不确定的因素太多，每一次的表现甚至不受演员自身控制。比如我在演第一次大戏《关汉卿》的时候，因为太过于重视造成了紧张的现象，当时就是在舞台上就明知道自己出现了哪些问题，但是当时的情况，不论是声音、肢体还是节奏全都不受我自己的控制，对我自己而言，这就是一次失败的演出。但是我知道我需要做的，不是一味的自责，而是认真回想自己的不足加以改进，我知道一次失败不足以证明什么，如果下次不加以改进才是真正的失败。所以就是这一点，让我在第二次上大戏的时候有了很大的改变，接下来的每一场下来，我都和导演同事进行了交流，我做到了在我能力的基础上，在舞台上一次比一次成熟。所以说我们只能在一次次实践中摸爬滚打，我觉得这也是准确找到语言节奏的最后一步，也是一个优秀的话剧演员需要做的反省和总结。综上所述，准确找到语言节奏要从不断练习、不同情景下的分析、实践中找经验这三个大方向努力。

三、语言节奏的重要性

（一）更好的帮助演员完成对人物的塑造

一个人物鲜活的立在舞台上需要从很多方向进行工作，比如肢体表达，调度走位和语言表达等。其中我认为肢体表达和语言表达尤为重要。尤其是语言表达，我们见过也演过很多话剧是在舞台上没什么肢体动作而是全靠一张嘴说出一部戏，那么就更加意味着台词对一个演员来说有多么重要。一段台词经过演员的节奏处理，才会让人耐人寻味，才赋予了剧本二次生命。在刚进入到表演课程中，表演老师常说，一个演员在舞台上在三分钟之内一定要有变化，我的理解为，每一个三分钟之内语言节奏都要有变化。比如《燃烧的梵高》中茜恩段和梵高分手前的那段争吵，大段的独白里控诉梵高把所有钱用于画画，在一起后的生活窘迫与当初承诺的爱不相同，这段台词很考验演员对语言节奏的把控，要分析划分成不同段落、找准转变的点和每句话的潜台词，有哭有笑、有悲有喜，台词的速度要有快有慢、有急有缓、有大停顿。这样才可以用台词把生活所迫之下，为了几个孩子能活下来一个社会底层人的生存压力下内心的无奈。在日常表达中说话都要有节奏变化，否者倾听者也会觉得你的叙述平淡无奇。更何况是在话剧表演艺术中。台词说“好”了的具体表现就是把握好了语言节奏，语言节奏一旦完整，这人物就塑造成功了一大半。

（二）使观众感到话剧的魅力（语言的艺术）

我认为话剧区别于影视剧的最大一点就是话剧表演艺术性更强，语言的艺术更不是一句虚话，而是我们应该认认真真钻研的艺术，如果只是坚硬的把台词读了出来又何谈艺术一说，又如何去给观众欣赏，又如何利用舞台使观众身临其境？它区别于其他表演艺术，比如器乐演奏、舞蹈表演等，是通过其他没接和技巧进行。说话作为上天赐给我们的一出生就会的一种技能，我们话剧演员更要做到比普通人更会“说话”。话剧演员之所以是话剧演员，就是因为它区别于普通人，对语言更有研究，更懂得语言的魅力和艺术感。在有嘴就会开口说话的世界里，我们话剧演员把握了在话剧表演中的语言节奏，把话剧作为专业，用既生活化又高于生活的语言去演出，能使观众更加清晰地了解到每一句台词的内涵，在舞台上表达出一些观众平时无法表达的情绪，让观众以最直接的方式感受到话剧演员通过台词表达出来的起伏情绪，如果掌握好语言节奏，可以直接把第三方的观众带入到戏剧中。会使观众感受到话剧的魅力，使更多人热衷于观看话剧，欣赏艺术且弘扬艺术。

（三）使演员本身成为了一个“会说话”的人

无论做什么行业，它的最终目标都是在推进我们成为一个更好的人，话剧表演艺术也不例外，掌握好这个专业我们需要掌握的硬件标准，才会使我们在这个专业上有所作为。作为学习话剧表演的我们来说，这是我们的专业、也是我们引以为傲的特长，就我而言，我希望我的专业可以随着我一步一步的成长，也慢慢进入到一个更专业的状态，甚至希望它对我的生活也有所助益。其实在分析剧本，摸索语言节奏的过程中，会锻炼作为演员的我们更加透彻的分析文字以外的含义，这带到日常生活中也未尝不可。比如茜恩这样一个“妓女”类型的女人，“见人说人话，见鬼说鬼话”，通过分析她的内心活动，她就让我学习到了在生活中如何圆滑处事、稳妥办事。锻炼好这项技能，它会使我们在生活中更懂得“如何说话”、如何把话说的漂亮、如何成为一个高情商的人。在学习表演的过程中表演老师也常常说：“学表演的孩子，哪怕以后慢慢脱离了这个行业，他在其他行业上也会成为更优秀的那个人。”刚开始并不懂这句话的意思，认为这是一句老师激励我们好好学习的话，但经过这几年的学习和在舞台上实践，我明白了这不是一句空话，在每次的剧本分析中、在每次摸索语言节奏中，我们都慢慢的在增加我们对文字的感知度，这种学习是潜移默化的，不知不觉中深入到了我们的骨子里。所以说，学习好如何掌握语言节奏，这不但对我们的专业有所帮助，更有意义的是，它对我们的人生更有很大的助益。

结语

话剧舞台表演是一门艺术，其中分析剧本、研究台词、摸索语言节奏更是大有学问，它会使我们成功为一个更好的人，这也更是我们这个行业一生都需要去学习的课程。最后，和大家分享我内心一直坚守的四个字。不卑：是对于艺术的追求，不能有一丝的妥协。舞台对于我来说，是一片净土，是一片让我心灵得到释放的天空，容不得任何敷衍潦草。不亢：是对于生活，要谦虚纯粹，欲做戏先做人，自信而不自满，得意而不忘形