怎样欣赏交响曲

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交响曲是音乐体裁中最主要也是篇幅最大的一种形式。学会欣赏交响曲，对于交响曲的形成、交响曲的一般范式和现代交响曲的一些特征有一个基本的了解，是十分必要的。以下就这些方面作一个简单的概述。

交响曲的形成

作为一种大型的套曲形式，交响曲由几个相对独立的、同时又互有内在联系的乐章组合而成，是交响音乐中最重要的一种体裁。

交响曲（Symphony）一词源自希腊文Symphonia，意指不同的声音谐和地同时发声。十八世纪初的所谓“交响曲”，也就是意大利歌剧启幕前的一整套器乐前奏，大致相当于后来的歌剧序曲。随后，交响曲在舞蹈组曲、室内乐奏鸣曲和大协奏曲的影响之下，逐渐发展成为一种独立的音乐会作品。

一般认为，交响曲的鼻祖是意大利作曲家、风琴家乔瓦尼·巴蒂斯塔·萨玛丁尼（1698—1775），他一生创作了约二千首音乐作品，其中有不少著名的交响曲和协奏曲。萨玛丁尼在1737—1741年间提倡在交响曲中采用奏鸣曲形式。到十八世纪下半叶，各种不同的民族音乐流派都对交响曲的发展作出了贡献。其中曼海姆乐派的捷克作曲家约翰·文兹尔·施塔米茨（1717—1757）首次把当时最通俗的生活舞曲——小步舞曲引入交响曲中，插在慢乐章和终曲乐章之间，从而将交响套曲的结构扩展到了四个乐章。

然而，一直到了海顿的手中，交响曲才最后定型。其特点为：在一部古典交响曲的诸乐章中，至少有一个乐章，而且往往是第一乐章，必须采用奏鸣曲形式，同时规定了各乐章的排列次序。正因为这样，海顿常常被人们称为“交响曲之父”。

交响曲的一般范式

交响曲具有较长的篇幅和较多的内容，可以表现重大的题材，反映出人的崇高精神境界、深刻的哲理思考以及尖锐的矛盾冲突。

古典交响曲一般采用四个乐章，第一乐章通常是整部交响曲中最重要的组成部分，大多采用奏鸣曲形式。第一乐章的音乐内容，一般由两个调性各不相同但互有联系的主题（第一主题和第二主题，也称主部主题和副部主题）来体现。这两种相互对立的力量在这一乐章里初步展开，但作曲家在这里只是提出论题，并不要求作出结论。在古典乐派的后期，第一乐章的前面往往有一个柔板的引子。第一乐章的结构较为复杂，它奠定了全曲的基调。

第二乐章比较单纯、亲切，它的速度缓慢，多采用行板（Andante）、柔板（Adagio）、广板（Largo）等，乐章结构多采用简单的二部曲（AB）或者三部曲（ABA）形式。但也有例外，如海顿的《惊愕交响曲》和贝多芬的《第五交响曲》，采用的是主题与变奏形式；贝多芬的《第三交响曲》和《第七交响曲》，采用的是葬礼进行曲形式。也有采用奏鸣曲形式的，但为了避免结构繁复，一般删去其中的发展部。第二乐章的情调，多半是抒情如歌的。

第三乐章是舞曲性的乐章，经常采用小快板或更快的舞曲。小步舞曲用得较多，但到十九世纪，贝多芬用谐谑曲使第三乐章摆脱了小步舞曲那种程式化的风雅。此后，圆舞曲也被运用于第三乐章。大多数的小步舞曲或谐谑曲都采用三部曲（ABA）形式，包括一个对比性的中段。“中段”源自意大利文trio，意为“三”，现指小步舞曲、谐谑曲或进行曲的中间段（三声中段）。这段音乐通常优美柔和，与第一和第三段音乐形成对比。之所以称之为“三声中段”，是因为原先的中段像三重奏一样，采用三部和声写成，中段以后是小步舞曲或谐谑曲的原样反复。有时根据作品内容的需要，也有把谐谑曲乐章移到慢板乐章之前的，如贝多芬的《第九交响曲》等。

一般来说，一部交响曲的终曲乐章具有较大的容量（到浪漫主义后期甚至超过了第一乐章），速度也较第一乐章更快。音乐气氛乐观明朗，情绪高涨，通常是民间节庆的场面或胜利的颂歌。终曲乐章主要采用回旋曲形式，乐章的基本主题不断重复，可以加深印象。但也有采用奏鸣曲形式的，这样可以加强戏剧性的紧张度，也可以与第一乐章的音乐素材和形式作首尾呼应。

四乐章交响曲是一种标准范式，但也时有超越这一规则的，如柴科夫斯基《第三交响曲》有五个乐章，西贝柳斯《第七交响曲》仅有一个乐章等。

现代交响曲概观

进入二十世纪，交响曲仍然是一种非常重要的音乐体裁，但在交响曲的创作中，较少受到以上所述的种种规矩的牵绊，现代作曲家的作曲手法几乎可以说有点“随心所欲”。

对于一般没有经验的音乐爱好者来说，欣赏现代交响曲比欣赏古典交响曲困难得多。这是因为音乐语汇的不同。时代的进步和发展，要求现代的作曲家运用全新的音乐语言来表达全新的音乐内容，这是毋庸置疑的，而新时代也要求作曲家将传统的作曲手法进行修改和扩展。

听现代交响曲的另一大困惑是难以捕捉旋律，这时就会怀念那些琅琅上口的古典交响曲。现代交响曲中的“曲调”，往往超出了人声的范畴，如果反复聆听，就能逐步领悟作品所具有的魅力。斯特拉文斯基请教他的老师里姆斯基-科萨科夫对德彪西的一首乐曲有什么看法，后者回答说：“最好别去听它。一个人要是试图习惯于它，最终将喜欢它！”可见，只要多听，现代交响曲将不再是莫测高深的了。

现代交响曲的创作手法多种多样，勋伯格在他的作品中采用十二音体系；斯特拉文斯基采用“序列音乐”；艾夫斯运用多调性；辛德米特写“实用音乐”，主张听众不仅要“听”，而且要积极“参与其事”……现代作曲家就连和声的运用也与古典作曲家有着极大的差异，一般的不协和和弦对于他们已不能满足，艾夫斯在他的《第二交响曲》中的一个和弦，就包括了全部半音阶十二个音符中的十个音符，听来酸涩刺耳，但又别有味道，仿佛是作曲家对传统创作手法的一种轻蔑的表示。

欣赏现代交响曲的“难度”也有很大差异，循序渐进看来还是必须的。将作曲家分门别类，根据作曲家所希望表达的内容反复聆听，现代交响曲将给我们带来与古典交响曲截然不同的乐趣。

美国作曲家艾伦·科普兰考虑到现代音乐作品因风格不同而形成的不同理解难度，对一些主要的代表作进行了分类，这将有助于听众由易到难地欣赏现代交响曲：

非常容易的

肖斯塔科维奇、哈恰图良、弗朗西斯·普朗克、萨蒂、维吉尔·汤姆森（Virgil Thomson），以及斯特拉文斯基的早期作品；

较容易的

普罗科菲耶夫、维拉·罗勃斯（Heitor Villa-Lobos）、厄内斯特·布洛赫（Ernest Bloch）、罗伊·哈里斯（Roy Harris）、威廉·沃尔顿、布里顿的作品；

较难的

斯特拉文斯基的晚期作品、贝拉·巴托克、达律斯·米约（Darius Milhaud）、威廉·舒曼（William Howard Schuman）、阿图尔·奥涅格（Arthur Honegger）、辛德米特的作品；

非常难的

勋伯格的中晚期作品、安东·韦伯恩、查尔斯·艾夫斯的作品等。