线在绘画作品中的呈现方式

李晓静

线作为绘画语言，是作品的外在结构形式。原始艺术中描绘形象的方式，大多是使用线条。线条同样也用在中国国画的线描和西方绘画的素描里面。从造型的角度来看：原始艺术里的线，是依附具体形象的；写生素描里的线，多具有辅助再现对象的功能。很显然，线头在各种绘画中的运用，其呈现方式各有不同。

宋代画家马远的《秋水廻波》，虽然有具体的描绘对象——水流，但水流的造型和排列是艺术家主观意图的表达，也就是说，它并不是以写实作为第一目的。水流的波纹是弧形的，却也是非常硬的，由排列的节奏产生流动感，线条有远近、长短和虚实的变化，呈现一种平面上的空间感。作品产生的背后，应该是中国古代画家对待艺术的态度，中国绘画不提倡以写实为最高标准，而是与创作者的人格联系在一起，艺术作品里表达出一种对人格尽善尽美的追求，有“画如其人”的观点。

欧洲文艺复兴时期的画家达芬奇的铅笔手稿中，有一些是描绘类似风景和天气变化的。这些绘画手稿里面的线条是有虚实的，类似于写实素描里用的线条，但却相对地脱离了具体的形象。单从手稿呈现出来的直观感受来看，同样的，线条的虚实呈现出一种空间感，此外，线的硬度、形状和气质，传达出来的感受是指向人的心理空间的。也许这是作者无意识的表达，正如史前岩画上有许多动物的形象，造型使用的是一种质朴的线，传达出一种古朴、单纯和气韵。

20世纪的画家马蒂斯和蒙克也极其偏爱使用线条。其中，马蒂斯的线条是自由，不受具体形象的限制，更多的是呈现出一种自然的流畅，舒适和安逸，宁静的流淌。他的线条同样也是简练和单纯的，正如他在笔记里所说：我希望有一种均衡、纯粹的艺术，这种艺术不烦扰人，也不使人不安；我希望一个疲惫的、伤心的、困惫的人，在我的画面前享受到安宁和休息。而蒙克的线条，更多的是表现出一种不安的情绪和心灵。蒙克的作品《呐喊》里，线条是充满涌动的，对具体的形象虽然有依附，但更多的是脱离了具体形象，直指艺术家内心的变化和情境，传达出来的感受正如作品的题目，表现出人物内心的狂乱、恐惧和焦躁。其中，线条在作品里同样有着层次上的变化，也就是说，每一处线条所承担的都是艺术家的情绪。在画面里，这样的情绪所在之处，都有一个时间和空间上的布局。所以，整个作品看起来是丰富和富有变化的，是浑厚和完整的。在某种程度上，它所呈现的刚好是人的尽量完整的状态。

20世纪五六十年代，美国画家波洛克的作品中所呈现出的错综杂乱与有秩的线，更多的是源自他对待绘画的理念，即线没有任何具体的形，是属于单纯意义上的线。波洛克认为画不是画出来的，是自己产生的。画是有生命之物，画家只是让它呈现出来。波洛克创作时，大多是把颜料直接滴洒在平放的画布上。他说，现代艺术家生活在一个机器时代，我们有机器手段来逼真地描绘客观对象，如相机、照片。在他看来，艺术家的工作是表现内在世界——换句话说——是表现活力、运动以及其它的内在力量。现代主义艺术家的着眼点是时间和空间，他表现情感，而不是图解社会。波洛克曾经详细介绍了其“滴画”的创作方法，他的画不是来自画架，在作画时他几乎从不平展画布，更喜欢把没有绷紧的画布挂在粗糙的墙上，或放在地板上，以利用粗糙的表面所产生的摩擦力。在地板上他反而觉得更自然些、更接近，更能成为画的一部分，因为用这种方法作画时可以绕着走，从四周工作，直接进入绘画之中。这和西部印第安人创作沙画的方法相似。进而，波洛克放弃画家们通常用的工具，如画架、调色板、画笔等等。波洛克喜欢用短棒、修平刀、小刀、以及滴淌的颜料或搅和着沙子的厚重涂料、碎玻璃和其它与绘画无关的东西。“一旦我进人绘画，我意识不到我在画什么。只有在完成以后，我才明白我做了什么。我不担心产生变化、毁坏形象等等。因为绘画有其自身的生命。我试图让它自然呈现。只有当我和绘画分离时，结果才会很混乱。相反，一切都会变得很协调，轻松地涂抹、刮掉，绘画就这样自然地诞生了。”(埃伦·H·约翰逊编，姚宏翔等译：《当代美国艺术家论艺术》)

塞·特沃布利的绘画作品同样也是把线作为单独的线来运用的，虽然他作品中的线也是杂乱无章的，但是他不同于波洛克对待绘画的方式。他的绘画材料一般是蜡笔、铅笔、油画颜料，作品里出现的线条有时候像是笔迹，有时候像是数字、标记的符号，有时候像是草图，反映出了艺术家在对线条使用的可能性和表达方式上的尝试，同时也体现出了艺术家本人的气质。他的作品《尼尼绘画》（Ninis Painting），在浅蓝色的背景上呈现出一些看起来杂乱，但却很有层次的线条，有力度的舒缓的控制，像是要描述出某种状态。有传记作者认为，这些作品唤起了白天与黑夜之间的一种淡淡的海蓝色，它漫漫地翻腾有如四季的变化，它们成就了一种罕见的永恒，表示了对艺术与生活矛盾的缓解与协调，如果没有缓解与协调，艺术与生命也许将永久分离。

朱莉·梅雷图的作品，从直观上来看，呈现在眼前的是层层叠加的线，里面有直线、曲线，线的分布很明显是按照某种思路来布局，像是传达了某种信息或勾勒某个空间。她的作品《叛逆者的发现》，正如作品的名字，呈现出来的是某种可以辨认的空间。在画面的最底层，所勾画出来的线条是淡淡的，细线条和曲线比较多，看起来像是在描画一些东西，并且由线组成一个个区域，有着精心的布局。前面几层的线条，相对第一层多了很多的直线，这样的直线类似于电脑制图中矢量图的线，逐层地变粗变实。在作品背后似乎有复杂的认识，而线在这里的使用，是一种被选择的语言方式，也就是说，线是表达这种复杂心理认识的工具，同时也是承担认识的载体。尽管这样的叙述更多的是朝向艺术家本人，但是对于观众来说，仍然可以从里面体会出某种强烈的感受和信息。 罗伯特·威廉姆斯的帆布油画作品里面的具体形象，主要是用线来勾画的，但这样的用线，不同于前面所说的依附于具体形象的线。他的形象勾画更像是常见的城市连环画，即作品里面出现的是城市、教会、异域，这与艺术家本人关心的问题有关系，也就是说，这是相对外化的普遍问题，所以他的作品中线所组成的形象并不十分带有个人的特点和气质，更多的像是某个连环画画报、电影插画，或者广告里的图像，这在一定程度上或许也呼应了自杜尚以来艺术家对待现成品的态度。

上述几位处于不同地域、不同历史时期的艺术家的作品中，线的使用和呈现方式是不同的。他们使得线条这种简单的绘画语言变得复杂、深刻，这在一定程度上取决于艺术家本人的认识、认知、情感，以及其对待艺术的态度；另一方面，也展现了不同历史时期、不同地域的艺术家的创作特点，以及他们创作中的某些相似性。

（作者单位：四川美术学院）

责任编辑：尹雨