雕塑中的色彩运用研究

摘 要：色彩是雕塑艺术的重要组成部分。色彩运用是雕塑创作的关键步骤，对于作品的形体塑造和情感表达具有不可替代的作用。在创作过程中，雕塑家必须摆脱只关注结构、空间、材料、肌理等的惯性思维，将色彩放到突出位置。理解色彩的唯一性，重视色彩运用并积极探索其丰富多样的表现方法，发挥色彩的塑形表情功能，能够有效提升雕塑作品的视觉感染力。

关键词：色彩；雕塑；艺术作品；创作

色彩是形成雕塑作品的语言要素之一，能够有效反映雕塑家的思想观念、提升雕塑作品的视觉效果，使作品更具完整性。需要注意的是，一些雕塑家对色彩不够重视，容易忽略色彩不可替代的特殊作用。当代雕塑家常将色彩看作对雕塑的补充，没有将其纳入最初的整体构思中，色彩往往到创作的最后一步才被考虑到，并且还仅仅是为了作品的“完整性”而存在[1]。雕塑创作不能只关注“形”与“象”的完整性，而应当将色彩运用融入作品的主题表现与情感表达，努力使色彩成为雕塑作品不可分割的组成部分。

一、雕塑作品的色彩

色彩具有特殊的语言功能，色彩运用是雕塑创作必不可少的表现手法，既能丰富雕塑作品的形体结构与空间层次，拓展作品的表现力，又能强化雕塑作品的情感表达，使观众在欣赏过程中更易产生情感共鸣。利用色彩的冷暖及纯度、明度的高低强弱等对比关系，对作品表面进行处理，可以提升作品的细节感和立体感。例如，在刘政的作品《仲夏夜之梦》（图1）中，雕塑家尝试将绘画语言和雕塑语言有机融合在一起，消解雕塑与绘画两种美术类型的既有边界。在形体塑造完成之后，运用色彩对人物形象进行再塑造。充分介入的色彩，丰富了雕塑的形体细节，进一步丰满了人物形象，充分渲染了夏夜小憩的甜美氛围。

色彩具有表情达意的特殊功能，能触动观众的内心世界。伊顿在《色彩艺术》中强调：“色彩效果不仅应该在视觉上，而且应该在心理上和象征上得到体会和理解。”[2]研究表明，作为一种无须付诸语言的交流形式，色彩具有特殊的视觉张力，能够迅速而有效地传递信息。合理利用色彩的心理效应，可以提升雕塑作品的视觉感染力。《罗丹艺术论》中谈道：“一幅素描或色彩的总体，要表明一种意义，没有这种意义，便一无美处。”[3]在形态不变的情况下，不同的色相及明度、纯度关系能给观众带去不同的情绪影响，形成不同的审美感受。在创作过程中，雕塑家可以根据自己的创作意图，思考目标观众的审美需求，通过特定的色彩处理方法，使作品呈现特定的色彩关系。此过程即色彩运用，涉及对色彩属性的把握、利用以及与展陈环境的相互适应等多种问题。深入研究色彩运用的方式、方法，探索色彩运用与情感表达之间的复杂关联，对提升雕塑作品的视觉感染力具有重要作用。

二、雕塑创作与色彩运用

在雕塑创作中，色彩运用方法主要有两种。一是利用材料原色，即保持雕塑作品所用材料的固有色。通过巧妙利用材料及其肌理的固有色，强化形体结构，表现思想主题，有效凸显作品的材质美，彰显技能、技巧的纯粹性。二是后期表面着色，通过绘、描、喷、洒等手段，在雕塑作品表面赋予特定色彩。这种方法可以使雕塑家最大程度地掌控色彩变化，将表现的主题和传达的情感隐藏其中。

（一）利用材料原色

材料的固有色及其可能显现出的特定涵义，对塑造形象、表现主题、营造意象具有极为特殊的作用。材料选择是雕塑创作的首要环节。尚荣的《母爱——呵护》（图2）以简约的造型，塑造出一位正在抚慰孩子的母亲形象。作品中心为镂空形态，化虚为实，其轮廓显现为孩子的形象，造型手法不乏对亨利·摩尔的模仿。巧妙的“留空”手法赋予作品深邃的空间感，激发出观众对母爱无尽的想象。汉白玉单纯的色彩、洁净的质感，无须任何添加，就能契合“母爱”这个纯粹而伟大主题。因为“自然材料都有自己独特质地的美，给人悠远古老的感受”[4]。单纯的白色使作品的主题寓意和情感寄托得到强烈的升华。可以确信，合理运用固有色不会使作品显得单调，反而能使作品在简约中体现出特有的审美品格。因此，在选择材料时，雕塑家应首先考虑怎样利用材料不可替代的自然或天然色彩，思考它们怎样顺应、契合作品需要传达的意义。

再如刘涛的《失乐园》（图3）表现了一群无家可归的鸟儿在伐木工具上略作停歇的景象。雕塑家巧妙利用木材在生长时自然形成的肌理，把未经加工的原木和精细雕刻的伐木工具组合起来。他没有一味地追求视觉真实，刻意选用色彩进行装饰，而采用保留木材原色的方法阐释“保护森林”的主题。色彩处理浑然天成，既保留了木材原始本真的生命美感，又与精雕细刻的伐木工具形成强烈对比，凸显其冰冷无情，以此引发观众对生态保护问题的深思。

就创作而言，雕塑家具有相对自由的选择权。是否利用材料固有的色彩及肌理，是否选择色彩对雕塑作品进行表面装饰，都由雕塑家决定。利用材料的固有色可以最大限度地传达材料本身的美感，既能凸显作品的唯一性，又能彰显雕塑家对材料的创造力。传统玉石类雕塑的“俏色巧雕”原理即是如此。

（二）后期表面着色

所谓表面着色是指雕塑家运用特定技法，将特定色彩附着在作品原有材料的固有色之上，形成表面层。这种处理方法使作品具有强烈的主观用色特征。大量存留至今的中国传统雕塑，尤其是泥塑、木雕类作品即采用后期着色方法。表面着色可以提升作品的表现力，客观上具有保护内部坯体的作用。色彩运用不仅体现为对视觉真实性的刻意模仿，还反映出一个时代对艺术美的普遍追求，承载着雕塑家不可复制的独特情感。

色彩作为雕塑作品情感外化的媒介之一，具有传情达意的显著功能。合理运用色彩，“可以将雕塑艺术提升到新的精神高度上，促使现代雕塑艺术产生无限张力，获得广阔的发展空间”[5]。例如马天羽的《罡》（图4），作品以铜铸法制作，以高温着色方法对表面进行后期改造。就色彩选择而言，不追求鲜艳夺目的强烈对比，转而采用单一的黑、灰色。如此色彩为作品赋予了一种庄重、威严的视觉感受，充分地表现了包拯在小说、戏剧等艺术门类中铁面无私、公正严明的人格性格，彰显了反腐倡廉的创作主题。色彩运用提升了材质的厚重质感，强化了作品的严肃性。

再如马立民、宣晓燕的作品《笑的色彩1号》（图5）塑造了一高一矮、一胖一瘦两个面带笑容的人物形象，主观加入的色彩暗示人物身处舞台，凸显幽默主题。通过将白色色块与红色、蓝色、黑色色块并置，夸张人物造型，强调所塑造的人物在舞台上的角色区分。因为人物的形体特征不同，笑的特点随之得到强化。生活中的笑犹如面具，掩盖着真实的内心。不同的色彩可以暗示不同的笑及其不同含义。此处，雕塑家用色彩衬托笑的特点，以此彰显人物角色性格，引发观众产生联想。

为使艺术表现更具丰富性，雕塑家可以根据作品所承载的主题和所表达的情感，对作品进行色彩再处理。这种充满主观性的色彩处理方法，使雕塑作品可以获得新的视觉张力，使作品的情感表达更自由，能为观众带来更为复杂、新鲜的视觉感受。

三、结语

作为艺术语言之一，色彩如同魔术师的魔法棒，能够为雕塑赋予灵魂。尽管色彩运用常常是雕塑创作过程的后期环节，但其影响力却在着手创作之初即已开始凝结、闪现。色彩运用总是围绕着雕塑创作过程展开，从总体上看，其作用虽然不是决定性的，但却能为雕塑作品的视觉形态呈现提供不可替代的支撑作用。通过合理运用色彩，雕塑家能够直接、精准地传达自己的思想观念和个性情感。就雕塑艺术的语言拓展而言，雕塑家应该重视对色彩运用的探索，力求在揭示主题和传递情感上实现双重突破。

参考文献：

[1]彭博.当代雕塑创作中的色彩[J].文艺研究，2011（6）：159-160.

[2]伊顿.色彩艺术[M].杜定宇，译.上海：上海人民美术出版社，1985：8.

[3]罗丹，葛赛尔.罗丹艺术论[M].傅雷，译.北京：中国社会科学出版社，2001：52.

[4]王珊珊.中国当代雕塑中色彩的运用与探究[J].艺海，2018（7）：152-153.

[5]霍健.浅析色彩在现代雕塑作品中的作用[J].美术教育研究，2016（13）：22-23.

作者简介：

邓新崧，四川轻化工大学美术学院硕士研究生，研究方向为雕塑创作。

梁川，四川轻化工大学美术学院教授，研究方向为美术理论。