浅析钢琴表演中二度创作的实践

[摘 要] 钢琴表演中的二度创作是指演奏者在表演过程中在保持曲作者基本要求的前提下，准确而完美地揭示音乐作品的内涵与风格，塑造鲜明的音乐形象，形成自己的风格特色，使得钢琴表演成为艺术与技术的完美交融。主要从钢琴表演中二度创作的本质及目的、钢琴表演中二度创作的特性和钢琴表演中二度创作的实践三个方面来探究与分析。

[关 键 词] 钢琴表演；二度创作；实践探索

一、钢琴表演中二度创作的本质及目的

（一）二度创作的本质

二度创作的本质是在一度创作的基础上进行延伸和发展，以一度创作的成果为主进行表演，赋予其独立品格，从而产生新的“音乐作品”。简单来说，二度创作就是演奏者对曲目进行艺术化处理。在一度创作中，作曲者将自己对生活的感悟、对现实世界的领悟或心之所想编成曲谱留存下来；二度创作则是在此基础上，对曲谱进行润色、弹奏，传达一度创作之“美”。不同风格的演奏者在理解作品的基础上，会将自己独特的风格融入演奏中，从而呈现不同程度的个性化演绎。曲作者赋予曲谱生命，“二度创作”者赋予曲谱灵魂。

2000多年前，公孙尼子在《乐记》的《乐本篇》中就谈道：“凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声。”

二度创作的目的是将一成不变的曲谱重新赋予生命，传达其音乐“美”的概念，这一概念既具有开放性又具有局限性。开放性是指每一位演奏者的音乐理解不同，所表达出来的乐感也不一致，同一首乐谱在两位演奏家手里所弹奏出的感觉是截然不同的。以西贝柳斯的《十首钢琴小品》Op.24 No.9为例，利夫·乌弗·安兹涅斯与马丁·琼斯的演奏版本对比如下。

两位演奏家在速度、力度、节奏、表情与大致时长上的对比显著，由此能够看出，在音乐处理上，利夫·乌弗·安兹涅斯偏向于感性化，而马丁·琼斯更偏向于理性化，但这也正是他们对于音乐理解的不同之处。

而局限性是指二度创作表演是以一度创作的曲谱为基础。在不同的历史时期，演奏家在弹奏同一首曲谱时虽然会受到时代背景、演奏技巧和个人诠释的影响，但他们仍需具备清晰的演奏逻辑共性，这种共性包括音乐作品内在的结构规律和演奏传统，是音乐传承和发展的重要体现。

（二）二度创作的目的

二度创作是钢琴作品的无限延伸。二度创作赋予原作品独特的情感和形象。一度创作是在谱面上展现出的一种静态的作品，二度创作则属于锦上添花，是在特定场景下的更好表达。在演奏者的手中，二度创作使音乐作品焕发生机，被赋予灵魂，与演奏者以及听众产生共鸣。

二度创作使音乐流传更广泛、充实[2]。音乐是存在于人们生活中的一门艺术，它不仅是一种信息的流动载体、一种情感表达的方式，更是一种文化的传承以及弘扬方式。在钢琴表演中，经过演奏者的二度创作，使曲子变得易于记忆和流传。例如，赵雷填词作曲并演唱的《阿刁》，在张韶涵精湛的演唱中得以流传，展现出更大的魅力。作品的具体化、形象化使作品能够被聆听者所分享、所喜爱，其根本在于音乐仿佛呈现出具体的形象，让人仿佛看到了一个清晰的画面，真正触动了聆听者的内心。

二、钢琴表演中二度创作的特性

（一）真实性与想象力

二度创作是结合了真实性与想象力的形式。在二度创作时，要以一度创作为基础，掌握该曲目的技巧，深度了解曲作者所表达的内涵，由此进一步阐述自己的理解，融入自己的风格特点，但不可脱离了曲目本身的目的。

（二）历史性与时代性

二度创作是历史性与时代性结合的统一形式。作曲者与演奏者的个人经历不同，所表达出来的情感也不同。所谓历史性，是指不同历史时期的作品具有独特的风格特点，任何作品都是历史产物，例如，巴洛克时期的巴赫所创作的讲究逻辑思维的复调音乐；维也纳古典主义时期海顿、莫扎特、贝多芬的交响乐；浪漫主义时期舒伯特的艺术歌曲等。所谓时代性，即表演者的时代特征风格[3]。二度创作旨在将过去与现在相互融合，也可以与当今的流行趋势相结合，使一度创作焕发出更具现代气息的魅力。

（三）创造性

不论是表现形式还是作品内容，钢琴表演都在随着时间不断发展变化。表演者在弹奏的过程中，既离不开曲作者的想法，又要有新的变化，如何在两者之间达到平衡，表演者需要在日积月累的实践中提升个人音乐审美水平，融入多元化的思维，使每首作品的“意境化”更具有表现力。

三、钢琴表演中二度创作的实践

二度创作最大的表现力源于表演者，在表演的过程中需在还原原作者基本要求的基础上，根据技术的掌握以及曲目创作方法、风格特点的分析，与个人的音乐美学素养融合。

（一）二度创作实践的前提

首先，钢琴表演技能的掌握是二度创作得以实现的基础。德国文学泰斗歌德曾说过：“音乐家必须不断地反身自省，培养自己最内在的东西，以便使它转向外界。”钢琴表演的二度创作是表演者在掌握一度创作的前提下进行的创新，所以要求表演者首先能够完成一度创作。乐谱作为体现曲作者思维、想法的第一手稿，演奏者在拿到乐谱后，要先熟悉谱子，充分了解该曲的创作背景，掌握该曲的弹奏技巧，熟知作曲者的情感内涵、音乐形象以及整体风格的定位。

其次，要重视音乐鉴赏与音乐理解。音乐作为一种表达情感的媒介，具有深厚的情感内涵和艺术价值。其创作不仅需要艺术家掌握技巧，更需要注重对情感的把握和表达。在进行音乐创作时，必须注重对美感的追求，以确保作品能够触动人心，引起人们的共鸣。此外，音乐创作也需要对不同风格特征进行细致的处理，深入感受其独特韵味和风格特点。因此，钢琴演奏者需要具备高超的音乐鉴赏能力，以保证作品在艺术上的完美表达，这也是二度创作的前提条件。例如，巴洛克时期，古钢琴的发明使钢琴进入了快速发展的时代，这一时期的钢琴作品以宗教性质的复调性的古钢琴音乐为主，其中以巴赫和亨德尔的作品最卓越，十分注重钢琴演奏中旋律线条的走向以及结构层次的分化，所以在演奏中要以轻盈、灵敏的手指跑动为主，注意手臂力量的刚柔并济。古典主义时期，分为前古典主义时期和后古典主义时期。前古典主义时期，以海顿、莫扎特为首，对巴洛克时期的风格特点加以变化，转变音乐情境，使音乐摆脱宗教色彩，加入宫廷色彩，运用清新、明朗、乐观的音乐材料以及丰富的和声织体谱写乐谱，所以演奏者在弹奏时需要在音响上有准确的分寸、均匀的旋律线条以及清晰的旋律走向；后古典主义时期，以贝多芬为首，音乐作品逐渐脱离了原有的轨迹，走向了一个具有英雄主义、覆盖着时代性浓厚色彩的音乐体系，演奏者在弹奏该时期的作品时，手臂力量的加持尤为重要，复杂的和声结构、庞大的音响效果、音乐中交替的旋律以及细微的表情对比，都是该时期对于演奏者的要求。浪漫主义时期，后古典主义时期其实已为浪漫主义时期建立了厚实的基础，从舒曼到李斯特，从肖邦到勃拉姆斯，从门德尔松到斯克里亚宾、柴可夫斯基等，无论是多变的和声走向还是两手交叉、跨八度等技巧，在这一时期的作品中都见多不怪，演奏者在练习指尖跑动时需要加入抒情的拖奏，贴着琴键去弹奏，或是坚实地触键，展现出音响效果的宏大，抑或是弧形演奏手法等。这些时期的风格特点，奠定了每个时期作品的不同之处，也正是演奏者要深度领悟渗透之处，不同时期的作品所表达的历史事件、个人感受以及所处时代的变革都是不同的。音乐理解包括：（1）对乐句的处理。乐句如何划分取决于演奏者的音乐理解，在弹奏的过程中，身体随着音乐的起伏而产生律动，呼吸在音乐表达中扮演着重要的角色。缺乏呼吸意味着乐句的缺失，而没有乐句则无法构成完整的音乐。（2）听觉的分辨。和声色彩的共鸣、主部旋律的突出以及伴奏声部的衬托都极其重要，声演奏者在演奏的过程中容易陷入处理技术难点的困扰，使得音乐枯燥寡味。（3）歌唱性。演奏者在演奏的过程中掌握歌唱旋律的技巧对于提升乐句的流畅处理至关重要。

（二）分析作品

在掌握基本技能与熟悉作品背景等一系列工作之后，就要进行作品分析，主要包括：（1）旋律分析。着重于音乐作品中的旋律、节奏以及音高变化，强调曲调的起伏和流畅度。（2）调式调性分析。探究主旋律和声织体的走向发展，深入了解其调性音程结构及主调性和属、下属及次调性的和声共鸣。（3）形式分析。判断其曲目隶属于奏鸣曲、复调还是组曲形式，将曲式结构进行划分，只有将曲目分析透彻，才能更好地把握和诠释作品。

（三）处理作品

在做完前面一系列工作之后，最关键的一步便是作品的处理，多元化、多层次地对作品进行分析，使作品呈现具体完整。

首先是乐句的衔接。不同的乐句开头及结尾都应采用独特的衔接方式，例如：在上一乐句弹奏结尾时针对下一句的开始是强收还是弱收，下一乐句的触键要针对上一乐句的衔接进行轻触键还是强起，应分析各个乐句的艺术特征，安排好乐句之间的衔接。

其次是高潮段落。音乐的表现应该呈波浪状，连绵起伏。在每一首作品中，各种音乐的高潮点所呈现的力度层次不尽相同，有的高潮的处理需要弱出，有的则需要强有力的爆发性效果。

再次是乐句的含义。同样一段旋律在不同情绪中所呈现出的情感效果完全是不同的，在作品中，常常出现极进式结构、同头换尾以及同音反复再现，一成不变的旋律不能打动听众，而在一成不变的曲谱上进行别样的创新才能抓住听众。

最后是突破封闭固化思维，进行别样新意的创新。所谓“别样”并不是离开一度创作的原意，而是在此基础上进行新一番的变化，以原意为基础创作出更具风味的作品。不同的钢琴演奏家，对同一首曲子的处理在细微上一定是不同的。所以，对于钢琴演奏者而言，二度创作是极其重要的。有了二度创作的存在，作品被赋予不同的魅力，足以吸引不同的听众，唯有创新，作品才方能焕发永不衰竭的生命活力。二度创作的范围广泛，包括但不限于节奏、乐感、乐句的划分及音乐的理解等，演奏者需要突破原本固有的封闭思维，敢于大胆创新，能够以新的艺术形象对作品进行阐述，以独特的风格展现给听众，塑造自身独特的风格特点。

四、结束语

匈牙利钢琴家李斯特曾说：“音乐是不假任何外力，直接沁人心脾的最纯的感情的火焰，它是从口吸入的空气，它是生命的心管中流通着的心液。”音乐是以一种流动的形式来传达美，它不同于美术、建筑等艺术形式，能够直面地让人感受、观赏，它更多的是在无形中放大演奏者或听众的情绪，任何一部音乐作品都包含着创作者、演奏者的全部身心体验，听众报以正确的情绪去回应，这也是心理学中的情感同理心。因此，在每部作品中，一度创作者给予作品生命，二度创作者给予作品灵魂，钢琴演奏者在精进钢琴表演技巧的同时，也要认识到音乐美感以及二度创作的重要性。钢琴表演不是一个单一的过程，而是将声与美通过钢琴表达出来。乐谱是一种具象化的实物，也是一成不变的，如何进行二度制作，依靠的便是对乐谱的理解以及自身所特有的风格。二度创作是个烦琐的过程，然而音乐表演的精彩与二次创作密不可分。每一部音乐作品的完美呈现，都离不开表演者对其进行恰到好处的诠释和演绎。二次创作的重要性在于能够发现前人未曾关注的细节，从而激发对作品风格的客观思考，并产生细微而独特的见解，为音乐演奏创造更广阔的诠释空间。触动听众的是流淌着情感的音乐，而非单调的文字符号。

参考文献：

[1]王媛媛.浅谈声乐演唱中二度创作的重要性[J].科技信息，2007（21）：152-153.

[2]郑华玲.声乐演唱中二度创作的重要性分析[J].艺术品鉴，2022（12）：159-161.

[3]李艳杰.论音乐表演中的二度创作实践[J].大舞台，2012（11）：69-70.

[4]张也.钢琴演奏艺术中的二度创作思考与启示[J].明日风尚，2023（12）：85-87.

[5]王庶骞.浅谈钢琴演奏艺术中的二度创作[J].艺术大观，2022（36）：7-9.

作者单位：海南大学