试论中国文人画与西方表现主义之异同

摘要：文人画是中国传统绘画中独有的一种艺术形式，有着悠久的发展历史，在北宋时期形成艺术潮流，到元代发展繁荣，历经明清，至今经久不衰。表现主义绘画是20世纪西方现代主义的绘画流派之一，在现代主义流派中有重要的地位。虽然这两种艺术分属于东西两个国度，在不同的历史背景和社会文化环境中产生，看似关联性不强，但是经过研究对比，发现这两种艺术在精神内核上殊途同归，具备各自的艺术特征。

关键词：文人画；表现主义；比较；主观

一、两种艺术的相似之处

（一）强调主观情感的抒发

重情感、重表现是中国艺术的主要特征之一。原始艺术带有强烈的目的性，是人类为了达到某种实用性目的，无意识创作出来的艺术品，蕴含人类对生命真挚单纯的情感追求。秦汉时期，艺术着重于对来世的铺垫，人们“事死如事生”，墓葬艺术发展繁荣。魏晋以来，宫廷艺术兴盛，维护封建政权、教化子民、供贵族上层享乐是这一时期艺术的主要功能。与宫廷艺术不同的是，文人士大夫画家服务于自己，尤其是宋元以来，士大夫群体逐渐壮大。元代是文人画发展的兴盛时期，在异族政权的统治下，文人士大夫们齐家治国平天下的理想抱负破灭，只能将情感寄托于书画之中，表达自己的悲愤孤寂之情。例如倪瓒的《六君子图》，六棵古树伫立在土坡之上，象征自己不与世俗同流合污的孤高之情。吴镇最喜爱渔父题材，通过在江湖之中荡舟遨游的潇洒渔父形象来表达自己对自由生活的向往。

20世纪初，在工业革命和产业革命的强力冲击下，西方社会发生了巨大的变化，轰鸣的机器代替了人工劳作，人们的生活节奏被高速的都市生活所打乱。艺术也在这种社会背景下发生了翻天覆地的转变，艺术家们厌倦了社会的黑暗与压力，不满于以往对客观世界的准确描摹，而是注重对自己内心情感的发掘。在绘画创作中，画家多表现自己在工业文明压迫下，人类紧张焦虑的心情和社会之间无法调节的尖锐矛盾。从文艺复兴延续到19世纪的再现性古典绘画法则被打破，古典平静的色调在强烈炙热的色彩的影响下，平衡的构图被动感杂乱的笔触所覆盖，端庄典雅的形象被主观加工的形体所扭曲。总之，艺术家们不再一味关注客观和理性，而是着重表达自己真实的内心情感。

（二）突破客观“形”的束缚

绘画作为一种造型艺术，它的特征是准确客观地描绘和表现事物的外形。中国绘画从原始时期的稚拙粗犷，到秦汉时期的古朴庄重，发展到魏晋时期注重传神，注重表现描绘对象独特的精神气质，出现了以形写神的艺术观念。可以发现，在这段漫长的艺术发展时期，人们对客观事物外形的描绘十分注重。宋代文人画正式形成潮流，文人画家相对于形的追求，更注重对神的把握。虽然当时的绘画没有完全脱离形的束缚，但是已经出现了写意的特点。比如同样是山水，米氏云山相对于郭熙真山真水的细致逼真描绘，更多追求江南山水的朦胧意境，点点烟云，草草而成。到明清时期，文人墨客的大写意作品更是进一步突破了客观形体的束缚，达到了肆意挥洒笔墨、放浪形骸的境界。

相对于中国艺术，西方艺术一直以来更注重客观和理性。所以，真实地再现客观对象，是艺术家一直以来追求的最高目标。19世纪以来，虽然出现了浪漫主义、印象主义、新印象主义等具有创新风格的艺术流派，但是万变不离其宗，追求再现客观物象是本质，没有突破客观“形”的束缚。直到后印象主义的出现，西方艺术才从客观走向了主观，从再现走向了表现。凡·高开启了运用主观色彩表现情感的艺术道路，所以，他被誉为表现主义的先驱。表现主义这一艺术流派在20世纪影响广泛，德国的表现主义最为突出。表现主义画家常运用夸张扭曲的手法对艺术形象进行主观处理。在蒙克的作品《青春期》中，少女的形体不像古典主义绘画中的女性形象那么端庄秀美，她的身体曲线被处理得非常概括，双手交叉拘谨地放在双腿上，大大的眼睛惊恐地望着观众，反映了青春期少女的不安和恐惧。

（三）运用象征的艺术手法

绘画语言是多种多样的，它们的表现方法归纳起来基本有三种：写实的绘画语言、夸张的绘画语言和象征的（即曲折隐喻的）绘画语言。这三种绘画语言各有特色。在文人画家的作品中，常见的是象征的绘画语言，因为象征的手法更易于情感的表达。古代文人士大夫画家一般具有较高的文化修养，崇尚诗、书、画一体的形式，注重画面的诗意表达。他们把自己的理想人格投射到所描绘的景物上，文人画家认为通过一个人的画作，可以体现这位艺术家的人格。所以在绘画创作中，经常采用托物言志的艺术手法，运用自然界中梅、兰、竹、菊这些生性坚韧、品性高洁的植物形象，象征君子不与世俗同流合污的高洁品行。元代王冕以画梅著称，他以梅花不畏严寒的高洁品格自喻，在《墨梅图》上题诗：“吾家洗砚池头树，朵朵花开淡墨痕。不要人夸好颜色，只留清气满乾坤。”

象征、暗喻也是表现主义绘画常用的艺术手法。作为表现主义先驱的荷兰画家凡·高，他的绘画作品具有很强烈的象征意味。他的11幅《向日葵》（图1）作品中，金黄的向日葵象征他对生活的热爱和对生命力的尊崇，他的绘画笔触也具有鲜明的象征意味和个人特色，旋转跳跃的笔触象征他对现实的苦闷之情，流畅的笔触象征他的平静喜悦。在蒙克的作品《呐喊》（图2）中，人物的形象具有象征意义。《呐喊》中的人物形象十分概括，眼睛和嘴巴构成一个抽象人脸，人物双手紧紧捂住耳朵，仿佛在痛苦地失声尖叫。这个人物不是单指社会中某一个特殊的人，而是象征一群痛苦压抑的人。天空中大块的红色和粗犷的线条也具有象征性，带给人一种末日的恐慌和绝望。

二、两种艺术的相异之处

（一）社会背景不同

文人画的发展具有悠久的历史，它是在中国古代封建社会制度下产生的一种艺术形式。魏晋时期就有文人士大夫从事绘画活动，但是直到两宋时期，文人画才逐渐形成潮流。北宋苏轼最早提出士人画这一概念。宋代文人的社会地位提高，且大量文人投入艺术创造活动之中，由于艺术家群体的特殊性，使得文人画这一画种有它独特的艺术特色。不同于宫廷画家，绘画对于文人画家来说只是一种闲暇时聊以自娱的方式，而不是他们赖以生存的手段，所以在艺术创作过程中，文人画更接近纯艺术的范畴，对中国传统绘画的笔墨形式和艺术语言都有创新和推动作用。但是，也正是因为文人画家身份的局限性，他们的绘画题材和描绘对象局限于山水花木，很少关注社会现实生活和底层人民。

表现主义绘画产生于社会剧烈变革中的西方社会，它具有强烈的反叛精神，对以前的传统艺术持否定的态度。与文人绘画发展处于平稳的封建社会更迭不同，表现主义绘画在工业革命的冲击下产生，大机器取代人工劳动的时代已经来临，资本主义追逐金钱导致社会黑暗和混乱。这时的表现主义绘画，所反映的是人与社会之间的矛盾。受当时唯心主义哲学、悲观主义、虚无主义等现代主义思潮的影响，表现主义画家多反映的是当时社会底层人民的真实情况，引发人们在快速发展社会下对生命和生存意义的本质思考。

（二）含蓄与外放

中国文人多受儒、释、道三家哲学思想的影响，崇尚中庸之道，追求“清水出芙蓉，天然去雕饰”的平淡天真之美，在艺术表达和笔墨运用上追求一种含蓄内敛的美。首先，在笔墨技法上，文人画家重水墨而轻色彩，追求用有限的黑白色彩产生无限的意境之美。其次，从精神思想层面来讲，古代文人画家自身情感的表达也是含蓄的。如果对中国文化了解不深，很难一眼看出画面的深层内涵。这种含蓄也导致画家在绘画时很难直白地将自己的苦闷不满表现出来，而是借笔墨隐喻表现，很难对当时的社会造成直观而强烈的抨击。

在艺术表达上，西方的表现主义相对于中国文人画更加直接，这与当时艺术家群体所处的不同时代背景也有很大的关系。文人画家身居高位，处于严苛的政治环境之中，所以在艺术表达上含蓄内敛。表现主义画家身处20世纪的西方现代社会。从画家身份上看，他们大多是一些自由的青年艺术家，具有强烈的艺术创新和反叛精神艺术语言夸张直白。高纯度、富有冲击力的色彩，夸张扭曲变形的形体，直接表现社会中的丑恶现象，对死亡、生命、性等敏感题材大胆地进行描绘。如果说文人画家是在纷乱世俗中用绘画寄托心灵情感的隐士，表现主义画家则是用艺术当作尖锐武器，表达对社会不满的斗士。

（三）形式美感不同

文人画十分注重形式美感，这种形式美感通常是由画面构图完成的，文人画家前期追求诗书画一体的艺术形式，后期由于金石学的进一步发展，形成了诗书画印一体独特形式，画面中的题诗内容相呼应，诗词通常会体现画者所创作这幅作品的心境，或者是他人对画家这幅作品的评价，是文化美和视觉美的统一。如元代画家黄公望为倪瓒《六君子图》（图3）题的诗“远望云山隔秋水，近看古木拥陂陀。居然相对六君子，正直特立无偏颇”，表现了黄公望对画者画作和人格的高度赞赏。中国传统文人画还非常注重画面中的留白，认为言有尽而意无穷。白，可以当作云，可以当作流水，也可以当成画面的一部分，给画面以无限的想象。

与文人画不同，表现主义所追求的形式美感通常是艺术语言所构成的，它通常强调艺术语言本身的形式魅力，例如笔触、线条、色彩等。凡·高画面中高纯度、对比强烈的色块就是他画面形式的主要元素之一；蒙克绘画中粗犷扭曲的线条，也是构成画面艺术语言的独特要素。在表现主义绘画中，尤其是西方现代主义绘画中，艺术语言作为构成画面中的要素，有时候可以脱离绘画内容成为观众欣赏的独特主角。所以说，文人画与表现主义绘画在艺术形式上有明显区别，前者强调内容与形式的完美统一，后者侧重艺术语言本身独特的魅力。

三、结语

综上所述，文人画与表现主义绘画虽然在艺术形式和审美标准上有着明显的区别，但是在艺术精神内核中也有不谋而合的理念。在当今社会，艺术走向国际化，各国艺术不断融合，并在碰撞之中推陈出新。对于相似的艺术，我们可以借鉴并融入本民族特色。文人画作为中国传统绘画的独特形式之一，可以大胆地吸收新兴的艺术语言，不断地丰富其内容和形式。

作者简介

张悦，女，汉族，河南信阳人，硕士研究生，研究方向为油画创作与研究。

参考文献

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