浅谈近现代欧美艺术陶瓷创新发展

孟庆娟，王静

（山东理工大学外国语学院, 淄博255049)

1 前言

艺术和陶瓷融合的艺术陶瓷是我们了解人类美学变迁不可缺少的一部分。近现代欧美艺术陶瓷由简单朴素到精致多元，观察其突破性的材质创新，器型创新及色彩创新点，可以使我们理解欧美艺术陶瓷的生活属性，美学属性及自然属性。了解观察这些创新点，还可以开阔我们的想象力，增加思想的厚度，使我们对自己传统的艺术陶瓷更有自信。欧美艺术陶瓷源于早期的陶瓷简单装饰，发展到近现代，其创新点体现出更多的异想之趣，代表着比实用层面更高的审美韵致。由于物质条件的限制，早期的陶器装饰，无论色彩、器型还是图画都较为单一和朴素，留给后人可考察到的创新点较少。随着陶瓷技术的发展，艺术陶瓷的色彩、造型、配饰和质感都展现出更生动的艺术活力，出现了更具特色的创作创新。

2 对早期欧美艺术陶瓷的突破性成果观察

欧美文化中，艺术陶瓷指的是在传统陶瓷基础上有独特设计的陶瓷作品。例如，我们经常看到的花瓶、碗碟之类的陶瓷艺术品，在设计和装饰上超出了传统陶瓷的简单使用价值，我们把它们称为艺术陶瓷。欧洲大陆的艺术陶瓷是在陶器装饰的基础上发展而来的，英语“ceramic（陶瓷）”一词就来自希腊语“ceramos”，意思是粘土。最初的艺术陶瓷就是先将矿物粘土混合物加工成坯体，然后用刀具在已干的坯体上刻画出花纹后烧制而成[1]。早期的艺术陶瓷虽然已有图案，体现出人们在生活领域开始追求艺术之美，但其器型局限于碗、碟、罐等倾向于满足生活需求的器皿。同时期的艺术陶瓷还有源自意大利赤陶土（Terracotta）的陶瓷制品。赤陶土，意大利语“terra cotta”，意思是烧成的土。工匠用各种深浅不一的红色赤陶土制成坯体进行烧制，制作出带有多孔结构但并未上釉的陶瓷制品[2]。由于烧成后的陶瓷制品呈现出从暗赭石色到红色不等的颜色，也就成为最初的有不同色彩的艺术陶瓷制品，这算是在艺术陶瓷色彩上的突破创新。

艺术陶瓷在新石器时代首次传入爱琴海。受制于当时通讯的阻断，该区域的各种陶瓷制品几乎没有共同点。当时陶瓷生产的中心主要在塞萨利（Thessaly）和克里特岛(Crete)。塞萨利陶工喜欢红色的单色陶瓷，但偶尔也会尝试简单的绘画装饰，绘画图案一般由直线图案组成，以垂直或对角线为重点。克里特岛新石器时代的陶瓷以其精细抛光的表面而闻名，装饰图案通常有创意且抽象[3]。

早期的艺术陶瓷虽然其器型局限于碗、碟、罐等倾向于满足生活需求的器皿，几乎没有使用抛光技术，但开始使用图案，色彩进行装饰，这应被视为艺术陶瓷有了初步创新发展。但在此后的几千年中创新发展的证据较少，直到近现代，艺术陶瓷的创新发展有了欣欣向荣的景象。

3 近代欧美艺术陶瓷重要创新观察

3.1 欧洲大陆近代艺术陶瓷创新点观察

艺术陶瓷在中国和日本批量生产已有超过千年的历史，但是在欧洲仅可追溯到16 世纪。当时一个名叫伯纳德.帕里西（Bernard Palissy）的法国人生产了色彩鲜艳的高浮雕釉陶瓷，这种风格被称为马约里卡（Majolica）陶瓷[4]。马约里卡陶瓷的重要创新点在于有浮雕，而且釉面色彩明亮，纹饰繁复，但其创新的绘制和装饰不需要太复杂的技术，浮雕通常描绘动物和植物。例如，一些陶艺工把水壶制作成了花椰菜的形状，虽造型出色，但技术并不难掌握。马约里卡陶瓷的釉色品质、器型的变化以及风格的丰富度都随着制釉水平的提升而不断进步发展，越是复杂的图案越受欢迎，这种创新使马约里卡陶瓷在欧洲大陆几个世纪以来成为主要艺术陶瓷品。

3.2 马约里卡在美国的创新发展

自18 世纪以来，人们对于马约里卡陶瓷的迷恋不断增强，并且把马约里卡陶瓷带到了美国。美国宾夕法尼亚州（Pennsylvania）一著名的制造商格里芬·史密斯·希尔（Griffen,Smith&Hill）公司于1870 年开始在美国生产马约里卡陶瓷，有时会在他们的产品上打上“GSH”的符号，称其制作的马约里卡陶瓷为“伊特鲁里亚（Etruscan）”陶瓷。他们把盛冰激凌的碗碟做成用丝带装饰的草帽的样式，把放甜点的浅盘做成上面有烤肉串的卷心菜式样，还创新了马约里卡陶瓷水罐器型。水罐模仿野生竹茎，水罐的把手模仿竹子的细枝。还有的罐子被一束束麦穗围在中间，有的装饰着巨大的向日葵或者一捆捆的花叶。在美国，带有树叶形象的艺术陶瓷制品非常多见，尤其是秋海棠的叶子在陶瓷装饰上更为常见[5]。马约里卡陶瓷在美国蓬勃发展，无论在色彩、器型，还是在装饰上都创造了比欧洲大陆马约里卡陶瓷更上一层的视觉体验，成为欧美艺术陶瓷史上浓墨重彩的一笔。

4 现代主义时期下艺术陶瓷的新艺术风格创新观察

4.1 欧洲新艺术风格汇入带来的创新亮点

在欧洲历史上,19 世纪末20 世纪初, 面对旧世纪的结束、新世纪的到来,艺术家们打破了旧传统的束缚,创造出了时代需要的新形式。这种新形式被称之为新艺术风格，这一时期被称为现代主义时期。新艺术风格形式上带有欧洲中世纪艺术造型痕迹和手工艺文化的装饰特色, 但兼备了对新型设计材料的运用和东方艺术的审美特点。新艺术风格本质上是一场装饰运动,其装饰风格以崇尚自然为主,常运用灵活的曲线和非对称的线条,并加以大胆的想象而创作。新艺术风格强调人类的一切生活环境都应该被精心创造设计, 主张设计应与周围环境相结合,达到和谐与统一[6]。

在造型及釉面装饰方面，陶艺家们受日本陶瓷启发，制作出非常轻盈的花瓶。造型风格从自然中汲取元素,有的形状像鸟或花蕾，陶艺家们再根据自己的审美加以改造,释放出清新、自由、洒脱的寓意内涵，流露出自己的感受与情怀。在釉面装饰上，由大型工厂生产的新艺术风格的陶瓷中，以试验釉料为主进行表面装饰。这些产品的装饰图案灵感来自于维也纳分离主义风格及中国艺术风格，其图案包括开花植物、孔雀等鸟类，还有当时非常受欢迎的卖花女[6]。

在新艺术风格的影响下，欧洲艺术陶瓷有了长足的发展。但由于欧洲各个国家地域和文化的差异，各个国家在此基础上又发展了自己独具特色的新艺术风格，涌现出诸多著名艺术陶瓷工厂和艺术陶瓷大师，欧洲艺术陶瓷领域呈现出百花齐放百家争鸣的繁荣景象。例如，设计师西奥多·科伦布兰德（Theodore Korenbrand）是当时有名的建筑师、陶艺师和纺织品设计师。他在艺术陶瓷领域创作的灵感来自爪哇蜡染产品。他喜欢大胆的颜色和形状，发现新艺术风格特别适合他的审美，后来成立了自己的豪达（Gouda）陶瓷厂来实践自己的艺术陶瓷风格[7]。

英国陶艺家威廉·摩尔克罗夫特(William Moorcroft)在其深受欢迎的新艺术风格陶瓷中广泛使用了等高线绘画技术，他的陶瓷制品被称之为弗洛里安（Florian）陶瓷，其图像灵感来自伊特鲁里亚（Etruria）、古典罗马和亚洲东部地区带有细线的彩色图案的陶瓷。捷克斯洛伐克的里斯纳（Reissner）、施特尔马赫（Stellmacher）和科舍尔（Kessel）成立了双耳座（Amphor）工作室。他们制作的异形陶瓷风格造型奇特。例如，他们把杯子手柄做成奇形怪状的树枝的样子，在花瓶的浮雕装饰上涂上明亮的珐琅。其彩绘装饰代表图案是一个女子梦幻苍白的脸，脸周围环绕着长长的卷发和金色的光环[7]。

这个时期艺术陶瓷在欧洲大陆随着新艺术风格的汇入，无论在技术、色彩还是造型上都有着蓬勃的发展。大量涌现出的艺术陶瓷工厂和陶艺大师表现出人们对艺术陶瓷的渴望和追求，为艺术陶瓷的进一步发展奠定了坚实的基础。

4.2 美国艺术陶瓷的风格创新观察

现代主义时期下，浪漫风情在美国艺术陶瓷领域流行开来。例如，美国最大的陶瓷生产商之一，卢克伍德（Rookwood）公司的艺术陶瓷创作理念是：通过独一无二、永恒的艺术陶瓷设计，以最美丽、最艺术的方式来纪念所爱的人。

美国装饰艺术家和设计师路易·蒂凡尼（Louis Tiffany），是与新艺术风格和美学运动联系最紧密的美国艺术家。蒂凡尼在艺术陶瓷领域设计制作了花瓶、盒子和碗。他从不在他的陶瓷上装饰美丽的图案，他希望作品的造型和釉色能代表自己，并且在他后期的作品中出现浮雕形象，比如香蒲、花座或小溪中漂浮的鱼，来表达浪漫主义中自我、个性、爱、美、自然[8]。

这种源自自然，仿佛具有生命形式和生命力的艺术陶瓷情态，被称为艺术陶瓷的有机形态[9]。陶瓷艺术大师乔治·奥尔（George Ohr）更是创作了令人惊叹的有机形态的艺术陶瓷。他自己提取粘土，制作釉料，甚至建造了自己的陶瓷炉。他创作出的艺术陶瓷色彩鲜艳，陶壁像纸一样薄，因此其陶瓷艺术品的造型可以是扭曲、褶皱和折叠的，并同时表达出象形与模拟、提炼与抽象、综合与再造等陶瓷艺术中常用的有机形态。

欧美现代主义时期的新风格艺术陶瓷在形态表达与空间处理上拥有了更加宽广的表达方式。陶艺家对有机形态的象形与模拟、提取、抽象乃至再造，既有个人情感的真诚融入，更离不开对形态生命意蕴的真切体悟，这才使得艺术陶瓷有生生不息的艺术生命力和感染力。

5 后现代主义时期下艺术陶瓷创新观察

从20 世纪中期开始，在欧洲和美国，在后现代主义的影响下，艺术陶瓷的发展几乎处于疯狂的边缘。这个时期由于通讯交通已经很发达，虽然欧洲和美国在地理位置上各属一方，但在艺术陶瓷领域交流密切，有一体化的表现，都是处于极具后现代主义风格化的时期阶段，因此不再分开阐述说明。后现代主义源自现代主义但又反叛现代主义，是对现代化过程中出现的主体性和感觉丰富性、整体性、中心性、同一性等思维方式的批判与解构。在此影响下，艺术陶瓷创作主题和创作形式都有颠覆性的新思维。这一时期的艺术陶瓷风格多变，很难给出统一的概括，但基本上都要表述一种不再从完美的形式获得安慰的形式，在寻找全新的表现方式的同时不再以相同的品位来集体分享艺术作品。后现代主义想传达一种“不可言说的认识”[10]。例如，瑞典设计师约瑟夫·埃克伯格（Josef Ekberg）的早期作品中的花瓶以手绘花卉图案而闻名。在最后上釉之前，将花瓶放入腐蚀性的酸中，这使花卉图案颜色看起来暗淡，产生的效果贴切的表达了“不可言说的认识”。另一艺术领袖是威廉·凯奇(Wilhelm Kage)，他是将艺术陶瓷同功能性陶瓷制品结合的创始人。他的典型代表作是“莉莉布拉”(Liljebla)系列作品，是陶瓷艺术家第一次把工业中的功能元素糅合在艺术作品中而创造出的美丽而实用的艺术陶瓷。

丹麦艺术陶瓷在第二次世界大战前已具备了现代主义美学特点，丹麦的艺术陶瓷传统十分深厚。在后现代主义的影响下，皇家哥本哈根（Royal Copenhagen）工厂聘用了阿克塞尔·萨尔托(Axel Salto)当设计师。他是“萌芽（Budding forms）”形式的艺术陶瓷创始人。萌芽形式是指在未烧制的陶体上雕刻线条图案，形成浮雕图案的骨架，在浮雕骨架上不断上釉，直到陶瓷体更具有雕塑感时才进行下一步操作的形式[11]。他最著名的作品是折叠的花瓶。

战后的德国在20 世纪60 年代和70 年代出现了一种被称为“脂肪熔岩（Fat lava）”风格的艺术陶瓷。这种风格得名于这种陶瓷的典型厚彩釉，产品的表面看起来像是由冰冻的熔岩流组成，颜色从火红色到钴蓝色。虽然这些釉被称为釉面釉，但它让人感觉“肥厚”——釉面特别厚而有质感。在这种技术下，大型地板花瓶、单面壶(一些有环柄) 和结合了纹理表面的艺术陶瓷雕塑作品被制作出来。一些“脂肪熔岩”风格的陶瓷作品似乎与20 世纪60 年代的流苏美学和嬉皮文化相呼应，而另一些艺术作品的创作则像跟随一条后现代的、流行文化的轨迹。

向往自由的后现代主义融入到艺术陶瓷时，艺术陶瓷的内涵被重新解构并呈现在观众眼前。这一时期，艺术陶瓷对于人们而言不仅是对美的感受，而是一种深刻的思想风暴，让观者在艺术中追求其本身的意义，让人们对审美产生新的思考。

6 结语

欧美艺术陶瓷发展至今，陶艺家们从大自然中汲取各种元素，结合自己的艺术经验通过各种手法对艺术陶瓷的发展做出卓越贡献。欧美陶艺家在艺术陶瓷的表达上，从最初于对具体形象的模拟到现代的抽象表现，从追求形式或结构上与有机体的近似性或同构性，到形态呈现出杂糅混合的特点，在美学特征上逐渐兼具了生物的形态之姿与作者的异想之趣。艺术陶瓷作品的色彩，造型和质感同陶艺家个人经验、潜意识、想象和直觉达到了某种契合，艺术家按照一定的意图对各种元素进行再创作，使艺术陶瓷升华为具有审美价值的艺术意象，把零散的审美感受凝聚为体现情感趣味的审美理想，创造了艺术陶瓷的多元化和开放的品格，为每一位爱生活的人士提供了一个施展才能、展示个性和情感的平台。欧美艺术陶瓷通过这种发挥与融合，在具象形态中又有种依稀可辨的抽象韵致，异想天开却又洋溢勃勃生机，纷繁复杂却又有秩序之美，婉转的曲面结构呈现诗意的繁衍与生长，诗性隐喻，却也极富阳刚之气，生机勃勃又极富扩张之感，象征自然的富饶与温暖，彰显形与色的纯粹之美。因此，欧美艺术陶瓷在后工业社会中人与自然对立的整体语境下更具非凡意义，值得我们好好体味。