钢琴演奏的张力及其表现方法

熊云菲 覃 勤

张力属于物理学的概念，将之应用于钢琴演奏的过程中，强调的是如何通过演奏技巧让钢琴作品具有更为丰富的情感特征。演奏者需要具备较强的控制能力以及技巧，让演奏的层次更加丰富且具有说服力，进而起到带动听众的作用。钢琴演奏的张力也意味着演奏者要能够把握旋律的抑扬顿挫以及轻重缓急，将曲式结构以及和声表现出来，这些方面都是钢琴演奏张力的体现[1]。钢琴演奏分为内在张力和演奏张力两种类型，两者之间的结合互动，可以让钢琴作品更加有质感。

一、内在张力的构成要素及表现方法

从概念上看，内在张力主要指相邻的音符以及句子之间要有着清晰明确的对比关系以及相互作用，演奏者在进行内在张力塑造时，要把握好乐曲内部的强弱、快慢、节拍，并对这些细节进行思想和情感处理，完成审美输出。

(一)复调音乐中的张力

在进行复调音乐演奏时，演奏者需要仔细剖析声部之间相互依存和制约的关系，对乐句和段落进行整体的分析以及控制，把握好段落的起承转合。在复调音乐作品中，张力所扮演的角色更像是承上启下以及首尾接应的角色，根据演奏的主题不同，在开头和结尾的部分要对乐曲做出音量差异化处理，并且通过不同的触键方式，为音符注入更多的情感属性，与其他音乐元素相比，复调音乐形式所蕴含的能量也是巨大的，鉴于复调音乐的特殊性，演奏者需要了解到复调音乐的基本音在四个八度甚至更小的范围中，紧密的结构使得复调音乐彼此之间的制约也更加明显，需要把握不同声部间的主题以及动机，并将重音有规则的分布其中，形成节奏上的同步。同时，再将乐句间的对比、交叉、重叠等进行缩小和放大，这种乐曲技巧表现方式可以让音乐在横向层面产生连绵不断的审美享受，既有横向，也有纵向之间的交融[2]。从这个角度上看，复调音乐的张力可谓无孔不入，每一个音符都能够将情感传递出去，甚至单个声部都可以作为单独的作品。复调音乐所蕴含的张力也使其作品具备了无限想象空间，演奏者需要把握好作品的松紧以及起落，让作品形成更强的向心力，从而将不和谐的要素变为和谐统一的整体，这也是钢琴演奏者在进行张力塑造时必须掌握的技术。

(二)和声的张力及其特点

和声能够有效勾勒出钢琴作品的性格特征以及色彩特点，在构成音响效果的过程中，和声的张力需要演奏者将音乐中所蕴含的紧张或舒缓情绪传递出来，演奏者可以在演奏时放大声量协和和弦，运用更加柔和的处理方式增强情感渲染力。演奏者要为和声赋予延伸的张力特征，任何和声都要形成完整的演奏走向，从不稳定走向稳定，从紧张走向舒缓[3]。例如，在贝多芬《悲怆奏鸣曲》第一乐章的引子部分，为了凸显音乐中的不安以及动荡因素，钢琴演奏者要将不稳定和弦朝向相对稳定的和弦进行过渡，并把握好情感的力度，将作曲家蕴藏于作品中的痛苦情绪强化出来。

和声的低音线条也是表现张力的重要构成，同样以《悲怆奏鸣曲》为例，左手的功能性和声低音是烘托作品气氛的关键，也可以引导旋律不断投向两端延伸，既完成了对作品旋律的支撑，也赋予了作品深沉且势不可挡的音乐性格。此时，在和声的带动下，作品展现出了更加立体的斗争形象。

除此之外，和声也具有着较强的装饰性以及延伸性，是歌唱旋律的衬托，演奏者需要了解歌唱和旋律之间的关系，并根据乐曲的情感走向，将和声进行绵长或起伏处理，通过不断的变换和声，让作品更加优美、和谐，从而将丰富的张力和魅力展现出来。

(三)节奏和速度的变化产生张力

钢琴作品中的节奏变化繁多，在对张力进行处理时，要和节奏和速度结合在一起，以突显出作品的生命力以及动态。节奏同样也是音乐作品中的骨骼，决定着乐曲的个性特征，钢琴演奏要把握好节奏的特征，一旦出现节奏扭曲以及速度偏离的问题时，则会造成音乐性格的偏差。

把握张力需要从两点出发，首先，演奏者要明确节奏的律动，并将个性化节奏形态展现出来，律动指的是作品要有规律的完成连续运动，从而将作品的脉动展现出来。延续的律动要依靠音乐内在的本质，并且要将这股活力贯穿于演奏始终。例如，在演奏肖邦的练习曲时，要着重分析作品中排山倒海、气势如虹的气质，为了把握好这一作品的精神本质特征，需要先做好气氛的烘托，尤其有控制节奏和律动，使节奏处于平稳状态下，否则会让作品只有气氛而没有主干，使作品显得生硬、单调。

其次，演奏者要掌握好伸缩节奏。伸缩节奏经常被应用于浪漫派的音乐作品中，浪漫派作品强调对情感的宣泄，在挣脱了理智束缚之后，音乐的形态变得更加多样且奔放，然而演奏者也需要了解到伸缩节奏并不意味着在演奏上要过于放纵，实际上虽然说节奏也是一种节奏的类型，表现为可伸可缩、可借可补的节奏形态，但是对于节奏的处理不应该是刻板机械的，仍然要注意作品的整体调性[4]。以《肖邦圆舞曲》为例可以了解到，其节拍基本都是四分音符，如果只是按照节奏器的表达的话，《肖邦圆舞曲》会听起来非常的死板，趣味性不足。在进行此类音乐处理时，可以让第一拍略长一些，然后在第二拍和第三拍的处理上加快速度，使作品具备更加明显的圆舞曲特征。曲子的节奏处理需要演奏者明确节奏形态以及和声特性，避免使用千篇一律的刻板应用方式，只有让音乐作品具备更加灵活机动的伸缩节奏特征，才能够真正将张力动力传递出来。

在一定程度上，节奏往往代表的是客观的时间，而对弹性的处理则标志着主观时间，张力意味着演奏者会如何处理客观和主观时间之间的关系，音乐作品中的速度传递的是音乐的性格，不同的音乐作品有其主题差异以及速度差异，在进行张力表现时，需要将之融入。在运动的过程中，调动音乐的内在推动力以及凝聚力，将音乐作品的恢宏以及气质表达出来，同时演奏者也要捏好尺度，过度的处理容易造成音乐调理性的丧失。

钢琴表达的过程中，演奏者要把握好节奏的特征，既要在声乐的处理上表达上实现精细化，也要注重其颗粒性质，慢速的音乐虽然节奏感较弱，但是演奏者可以增加乐曲的延伸性以及扩展性，让音乐作品更加厚重、有韵味。同时演奏也可以通过采用减轻音量的方法，控制音乐的不同节奏。总而言之，无论是什么性格特征的音乐作品，在演奏时都需要基于作品的情绪特征熟练的驾驭演奏，并寻找作品中速度和力度的变化，让作品快中有慢、慢中有快，增加乐曲的层次感，让音乐能够在有限的空间内无限的扩张以及延展，为听众带来更加丰富的音乐想象力。

(四)利用休止符表现张力

休止符以及延长记号意味着一种音乐节奏以及结构内容的处理方式，尽管休止符并没有发出声音，但是它其中所蕴含的是对前后音乐片段的衔接，代表着蓄势待发，或者是屏息等待。在新旧段落和乐句之间运用休止符处理节奏，往往会产生无声胜有声的效果，演奏者需要了解到休止符存在的意义，从而将乐曲中的能量和力度爆发出来，为听众带来了更为广阔的想象空间以及期待感[5]。例如，在《夜莺》这首曲子的引子部分中，虽然只有五个小节，但是其中就蕴含了五个休止符以及延长符号，这些符号并不是表示相同的节奏处理长度，需要演奏者根据自身对于作品的理解，适当的延展和加工。例如，在对第一个八分休止进行处理时，可以适当延长，以营造一种静谧和辽阔的听觉体验，此时的触键要很轻，模仿夜莺的低叫，接下来则可以加快节奏，让乐曲变得更加紧凑，以凸显出夜莺啼叫的清晰以及密集。到了第四和第五个小节中，此处的延长则无需太久，以便和后面的乐段形成衔接，为听众带来呼吸韵律的感受，带动乐曲从前半部分顺利过渡到后面部分，完成音乐的自然延伸。

(五)色彩和音色的张力

在钢琴演奏的过程中，演奏者需要明确音乐色彩的概念，虽然色彩并不是客观存在于音乐的节奏、音色以及旋律中，但却是最考验钢琴演奏者功力的部分。所谓的色彩主要指的是演奏者要将声音幻化为一种主观表现，让听众形成对于乐曲的听觉想象，从而在脑海中形成相应的画面。音乐色彩能够给听众带来主观客观听觉的共同影响，也需要演奏者通过多种触键方式进行音乐色彩的演绎，为了更好的将音乐色彩传递出来，演奏者需要明确所弹奏乐曲的实际风格以及音色差异，通过对音乐色彩张力的传递，将音乐中所蕴含的明暗对比以及轻重落差等表现出来，无论是激情还是静谧，演奏者对于每一个音符的处理都会为听众带来不同的音乐色彩想象。

一般作曲家在谱曲时，都会在脑海中形成对应的音乐色彩的想象，在乐曲中融入两极化对比，既有和声的色彩，也有对力量的强调，所以无论是巴赫还是其他作曲家，都会在创作的过程中将大小调应用其中，以完成对音乐色彩的自由变换，通过音乐色彩的强调，将作品的内在情绪进一步强化出来。德彪西和斯克里亚宾都是对音乐演奏色彩运筹帷幄的大师，巴赫尤其喜欢在乐曲的结尾部分，通过使用一些相反的调性和弦来让整个曲目起到强烈的对比和反差，从而实现意外的色彩效果。在乐曲的其他部分，巴赫则会应用较为协调的和弦进行主要旋律的演绎，只在结尾部分进行此类对比化的处理，巴赫对于乐曲色彩的掌握，主要是通过不同和弦所带来的明暗度实现的，也正是这些对明暗度的处理，让音乐作品有了更大的张力。

在进行钢琴演奏的过程中，演奏者需要尤其留意乐曲中和声色彩的变化，为和声赋予不同的色彩，并将这种细腻的变化运用演奏中，通过轻重缓急的节奏传递出来。一首乐曲其色彩层次越是丰富，其张力效果也就会更加明显，音色和色彩的变化一般都会通过不同的轻重节奏处理实现，可以说，演奏者对同一个音符的不同触键表达方式，都会让音色产生较大的差异。钢琴的基本音色是较为单调的，但是通过轻重以及节奏的变化，钢琴音色的可能性也会更多，钢琴既可以表达粗犷浑厚的颜色，也可以将细腻、轻薄、尖锐、圆润等音色传递出来，这就需要演奏者具备娴熟的表达技巧，通过复杂多变的触键手法，将这种细腻的变化表现出来[6]。除了对单个的音色进行处理之外，也可以通过高低掺杂、快慢平直等错综复杂的组合变化，让钢琴的音色得到无限的延伸，这些变化都是演奏者传递音乐色彩与音色的方式。

二、通过技巧和动作表现传递钢琴作品的张力

作品的内在张力需要作曲家通过音乐符号的形式表现出来，而所谓演奏的张力则是演奏者通过演奏技巧将音色以及节奏表现出来，钢琴演奏需要演奏者不断提升自己的演奏技巧，并形成自身风格，对钢琴作品进行二度创作，通过演奏，听众不仅可以获得音乐作品的审美，更能够感受到演奏者自身对于作品的理解以及情感认知。具体来看，在演奏技法上主要通过肢体的动作和力量的控制实现对张力的传递。

整个钢琴演奏过程中，肌肉的控制可以帮助演奏效果实现更好的输出，同时张力也意味着了解作品的内部结构关系，将之进行反复的对比以及强化，实现乐曲内在关系的相互作用。力量控制和释放需要演奏者掌握适当的肢体语言以及弹奏技术，通过肌肉的张合、起落、收缩、扩展等等，对曲子进行细腻处理。很多演奏者认为在表达张力过程中，需要肌肉处于收缩和紧绷的状态，实际上这只是弹奏时的一种准备，手指和手腕的肌肉部分需要控制好发力瞬间，以满足弹奏过程中的颗粒性以及弹性，如果过于僵硬，失去柔韧性的话，反而会为作品带来负面的影响[7]。除了手腕之外，也要配合手臂的起落动作，让声音的颗粒感更加连贯，符合音乐形象的塑造，肌肉也要配合乐曲的节奏形态，完成伸展以及跨越。在弹奏情绪饱满的作品时，指尖在触键之后，要运用手腕的弹性，减少触键后的反作用力，增加乐曲的跳跃感，此时指关节之间要形成密切的配合，大臂和肩膀也要有较大幅度的挥动作用。通俗来说，这种动作更类似于甩通过此类抛物线式的按键，将作品内蕴藏的张力运用肌肉的收缩与释放达成传递，演奏者需要不断揣摩用力的空间以及力度，避免情绪的过度释放或者不够到位。演奏者需要持续结合作品的上下乐段，将该段乐曲的情绪特征把握好，在动作上除了要考虑到张力的最终呈现效果之外，也要考量到审美层面的特征，尤其要从听众审美的角度出发，避免曲高和寡，才能够达到理想的表演效果。

结 语

综上所述，在钢琴演奏的过程中，将音乐内在的张力传递出来，需要演奏者积极的运用娴熟的演奏技巧，对音乐作品进行肢体以及多声部结构的分析。张力同样是一种哲学性的辩证关系分析，演奏者要了解张力的内在思维方式，在音乐处理上将自己的理解与演奏结合在一起，形成更加独特的效果以及音乐色彩，通过对张力的处理，也能够提高演奏者的演奏水平，不断攻克技术上的难题，让演奏变得更加愉悦，同时将音乐作品中的积极性和灵动性带到更多的听众面前，对音乐作品审美内涵进行升华。

注释:

[1]高 雅.浅谈钢琴演奏的节奏与力度[J].新丝路:中旬,2021(02):188.

[2]贾 芸.钢琴表演艺术中审美素养能力提升[J].黄河之声,2019(13):35.

[3]周 民.关于钢琴演奏中的张力与技巧表现问题分析[J].音乐时空,2015(21):160—162.

[4]张 佳.钢琴演奏中演奏技巧对音乐表现力的影响研究[J].艺术评鉴,2021(15):35—37.

[5]陈景昕.钢琴伴奏在合唱艺术表演中的作用[J].当代音乐,2019(07):127—128.

[6]同[3].

[7]范巧洁.肢体语言在钢琴演奏中的表现功能及其运用原则[J].艺术研究,2019(02):153.