丹青绘春秋妙笔颂吉祥——国画写意花鸟作品赏析

郭爱霞（山西省长治市潞城区文物博物馆，山西 长治 046000）

花鸟画在我国国画中占比非常之高，作为国画的重要表现形式，创作花鸟画要求画家具备极高的笔墨素养。写意花鸟是花鸟画创作中所占比例最高的。对于写意花鸟画作品的赏析具有较大的意义。从另一个视角上解读，可以认为写意花鸟画展现了古人对于传统文化的自我理解。古人根据笔墨结构，形成属于自己独特的写意花鸟画绘画风格，写意花鸟画中蕴含丰富的意蕴，可以展现古人崇高的艺术素养与文化情趣。

一、写意花鸟画的起源与发展

春秋战国时期，匠人已经将装饰意义和写实手法进行有机融合，在一定基础上奠定了我国写意花鸟画的艺术基础。出土的汉画像砖展现了大量的花鸟意象，这些意象活灵活现，展现了我国花鸟的艺术美感。在秦汉之前，花鸟画一直在不断完善，人们很早就学会了利用花鸟装饰屋子、制作标志等。进入隋唐时期，画家逐步利用浅淡的笔触和鲜艳的色彩绘制花鸟，形成了当时花鸟画的创作特点。五代十国时期，徐熙和黄荃的出现，将花鸟画的创作推向了一个小高峰，徐熙所用色彩比较淡雅，注重墨色的勾勒。黄荃的画则给人以华丽之感，注重色彩的运用，他们推动了花鸟画的改革。明代后期，花鸟画整体呈现出水墨大写意之风，这一时期的花鸟画十分注重笔墨的着色，对于形似要求不高，重点在于笔墨发挥和展现独树一帜的风格。我国的写意花鸟画可以直接表达古人的心情，也承载了表情达意的作用。

二、国画写意花鸟画作品赏析

（一）关注神似，随心所欲抒发情感

中国画更加关注神韵，写意是画家利用绘画表达自我情感的形式，以绘画为载体，抒发自己的情感。写意中国画都展现在手绘作品中，无论是简单的笔墨写意，还是淡雅有层次的笔墨写意，都有各自的风格。中国画写意形式更加注重随心，对于技巧性的绘画技巧却关注不多。用自由的笔触舞动出自由的灵魂，而不是拘泥于形式，故步自封。中国画自从元代开始，画家对于自我心性的追求更加明显，从大山大水到几笔线条勾勒，一片叶子、一丛枯木，都包含了画家的情感。在画家眼中，山川草木不仅是眼前的自然景色，更多的是他们自由的精神世界。写意花鸟画中往往寄托着作者独特的情感，类似于诗歌“赋比兴”手段，托物言志，寄情于景。在绘画立意上，往往是为了展现自我情感，并不是为了单纯描画花鸟而绘制花鸟，不是单纯照抄自然，而是善于抓住花鸟与人们生活遭遇以及思想情感中的某些联系，并进一步加以强化。不仅注重真实，要求展现花鸟的客观造型，还会注重花鸟所表现的情感，强调其“夺造化而移精神遐想”的移情作用，主张通过写意花鸟画的创作与欣赏影响人们的情感与精神生活，升华人们内在的精神追求。在造型上，更关注形似却不拘泥于原有形状，偏好利用现实对象实现作者的情感表达。构图突出主体，善于裁剪，讲究布局中的虚实对比与顾盼呼应，因此古人的写意花鸟画作品将诗歌的意境描写到了极致，在写意花鸟画作品中留下诗歌的位置，辅之以印章，成为一种以画为主的综合性艺术形式。在绘画技法上，花鸟画由于对象是花鸟，因此相对于山水更为具体，相对于人物而言更加灵动丰富，因此其工笔色彩往往带有装饰的意识。写意花鸟画则更加注重笔墨的凝练性，更加有其程序性和不可模仿复制性。

北宋僧人惠崇代表作《秋浦双鸳》充满了诗情画意，整体作品注重主体与环境搭配，作品中的鸳鸯墨色浓郁，创作者对树枝的墨色进行了淡化处理，也就是将鸳鸯周围的环境进行了“虚化”处理。这幅《秋浦双鸳》描绘的是初秋时分的景色，画面中绘制了河岸，闲情野趣溢出画面，一对鸳鸯来到河岸边，停下来，梳理自己的羽毛，气氛安静祥和。画家用枯萎的荷叶和芦苇点明了秋季的到来，淡雅的颜色为这幅画增添了几分秋意。鸳鸯的羽毛受到画家格外关注，用细细的笔触精心描绘，将羽毛的蓬松展露无遗。其用笔墨简单勾勒的芦苇和草叶的轮廓，与没骨法细腻点缀的荷叶形成了劲拔的对比。整幅画虚实结合，画风清新，带有几分诗意。

项圣谟的《大树风号图》中的主题是大树和老人，荆棘中杂草丛生，画家用浓重的笔墨刻画大树，绘画中的大树参天而立，主干粗壮，有着刚强不屈之气势，枝条繁密，虽然树叶已经脱落，却依然彰显出非凡气势，整幅画构图别致，在视觉上给人营造出一种苍劲又不失独立的稳定感。

唐寅是一位放荡不羁的旷世才子，在琴棋书画上有着很深的造诣，尤其是在山水画上。才思敏捷、自由飘逸的思维方式，构成了唐寅洒脱的笔法墨法以及独特的风格。《秋菊图》中画家自题：“彭泽先生懒折腰，葛巾归去意萧萧，东篱多少南山影，挹取荷花入酒瓢。唐寅。”

（二）线条展形，墨色传达情意

中国画主要是利用线条的形式展现外形，作为写意花鸟画的基础，线条有着独特的魅力。写意花鸟画中给人的感觉是立体化的，主要是因为画家赋予了花鸟生命力，在绘画过程中倾注了心血。线条灵活多样，粗细长短不一，在灵动中赋予每个作品生命力，呈现画家情感。画家用笔的力度以及情绪都会对线条的呈现有微妙的影响，不同线条展现了画家不一样的情绪，呈现了属于画家自己的绘画风格。绘画作品中线条的概念与自然形态是不同的，是超越自然形态的“人为”“文化”形象，需要经过概括、归纳、简化、夸张等艺术化处理，才能完成形象的“艺术升华”，赋予其特定形式的意味，承载一定精神意志，并不是单纯照搬照抄，一味描摹自然现象。

《秋浦双鸳》27.4 cm×26.4 cm 台北故宫博物院藏

《银杏翠鸟图》27 cm×25.7 cm 台北故宫博物院藏

马世昌用斗方格局绘制了《银杏翠鸟图》，图中一对叉尾太阳鸟，驻足于银杏树的树梢，姿态一俯一仰，形成回旋律动曲线，银杏果实与枝叶，则以石绿搭配汁绿填染，益发衬托出翎毛鲜艳华丽的身形。叶片的钩筋与转折，用笔极见细腻生动，反映了宋代画家审慎观物的创作态度。

张中的《枯荷㶉鶒图》中，以墨为主，鸳鸯略加颜色点染，鲜妍可爱，颇具淡雅之趣。枯荷断茎，画有倒影，为古画中少见。

《花卉图册》32.5 cm×57.3 cm 美国波士顿博物馆藏

《斗鸡图》笔墨浓厚，朴茂多姿，端庄工丽，是文徵明的经意之作。在这幅作品中，他精心安排了竹子、菊花和石头与两只生机勃发的斗鸡，两只斗鸡是画中最为精彩之物，一大一小，剑拔弩张，似乎正要进行一场生死搏斗。图中的斗鸡造型准确生动，浓淡相间的墨色塑造出斗鸡的整体形态。描边点线结合，用笔虚实结合，构图空灵潇洒。这幅图除了展现画家的绘画功底之外，更呈现了画家的精神及其在遭遇种种挫折和困难时不甘示弱、奋起前行的勇气与壮志。文徵明在描绘日常生活中常见事物时，往往会将自己的人生态度与绘画境界融入其中。从美学意义上而言，文徵明这样的审美趣味，恰好是西方美学家所说的“有意味的形式”。

（三）外师造化，内悟于心

每一幅写意花鸟画作品不同，有着独特的艺术风格，是因为不同作家对于自己喜欢的花鸟有着属于自己的解读，形成了独特的自然艺术感，如同郑板桥所说，天然的竹子在他的眼中是竹子，眼中的竹子并不是胸前的竹子。鉴赏古人的花鸟写意画，则从古人的情感视角出发，理解他们的个性品质，自然就理解写意花鸟画背后的深刻内涵，这也恰恰是古人不同个性和不同艺术品位的追求。点线面、黑白灰、重复变异、聚散疏密、虚实浓淡、干湿枯润、分割比例、统一变化都是在艺术实践过程中抽象、提纯、概括出来的形式要素和表现方式，都承载着一定的文化精神和观念。

陈淳是文徵明的得意弟子，也是推动大写意花鸟画走向高峰的重要人物。陈淳在晚年期间，意识到“以貌似之”会导致“类狗之诮”，由此他抛弃了外在形似的束缚，更加追求内在的含义表现，尤其是“数年来所作，皆游戏水墨，不复以设色为事”，将状写自然造化上升到描写物象之精神以及书法自我的精神高度。

《明画录》中介绍陈淳：“一花半叶，淡墨欹毫，疏斜历乱之致，咄咄逼真。”在五十岁之后，陈淳已经能够完全贯彻其“漫兴墨戏”的创作理念，水墨大写意艺术逐渐成熟。仔细观察《花卉图册》中的荔枝形象，你会发现荔枝的形象并不是完全杜撰的，反而是符合其正常形象的。可以确定的是，在没有对景写生的情况下，陈淳依然可以描绘物象的基本状态和内在意蕴，并表达绘画作品的独特内涵。笔者也深刻了解到在陈淳的写生观中，他并不是单纯追求花卉的形象神似，而是重在表现物象的神韵，从而刻画出自己的精神世界。花鸟画创作不能局限在状物之形，而是要表现物象的自然和神韵，既不要拘泥于传统固有的创作模式，也不能全然依赖对景写生，以致写生与创作完全割离。

三、结语

综上所述，对于写意花鸟画作品的鉴赏可以让人们深入了解画家的内心世界，并获得心灵启迪。研究写意花鸟画作品，必然离不开对写意花鸟画的内涵以及意蕴的解读，写意花鸟画作品各有千秋，而且每件作品所传递的情感与意蕴大不相同。由此可见，写意花鸟画作品鉴赏存在很大研究空间，需要进一步分析写意花鸟画作品本身，把握意象，解读情感，为推动我国传统文化的继承和发扬作出贡献。