浅谈大写意花鸟画创作技巧

□吴冠南

《王者风范》吴冠南

在国画创作过程中，所有技法和材料的运用都要以“得心应手”为原则。只有“得之于心”，才会有“应之于手”的意匠迹化。所以，中国画有“心画”之说。而对大写意花鸟画而言，则有其特有的创作技巧。

一、用笔。画画与书法不同，但画画的笔法由书法而来，尤其是大写意花鸟画，一定要以书法用笔。比如画一个树干，既要照顾到运笔的速度，又要照顾到墨色的枯湿对比和运笔方向。画树干有很多方法，方法越多就越耐看。我们看一幅画好不好，就是要看它有没有矛盾、冲突、互补。“有来有去”是最基本的要求——上去、下来，“来而不往非礼也”，线条才会有力度和节奏的变化，这种要求贯穿于整个创作过程。运笔有来有去，就产生了“势”，如画树枝、花叶、藤萝，一定要有枯湿、浓淡和节奏的变化。

此外，画画要忘记顺序，这一点对写意画十分重要。我们学习画画的时候是有顺序的，但创作是没有顺序的，否则就会画得机械，缺少变化。中国画的最高境界，就是画面的“意外”效果。

二、用墨。从古至今，中国画用墨都追求“墨分五色”，这是符号性、象征性的讲法。其实，墨不只有五色。鲁迅先生有“愿乞画家新意匠，只研朱墨作春山”的妙句。朱是红色，而从一般描绘春山来讲，似乎用绿色更合乎情理与常规。中国画创作，向来以“意”的表达深度为成败标准，所谓“意足不求颜色似”讲的就是这个道理。水墨与宣纸的黑白，在画家眼里就是提纯的绚烂七色。先哲们把纷繁复杂的自然与生命现象，智慧地归纳为简单的一黑一白、一虚一实，是最本质的科学总结。由于掌握了对事物本质认识上的哲理深度，所以用纯黑白表现一切题材并不显得单调和唐突。当作品具有了生命力，颜色及一切要素也就包含其中了。

在墨的表现性方面，枯与湿之间相互冲突、对比、破坏，又达到和谐统一。最常见的就是“湿破枯”，比如画荷叶，先是枯的，然后用墨色来破，但要留一点，不可全“破”；另一种方法是“淡破浓”或“浓破淡”，可以薄一点破，也可以厚一点破；此外，还有泼墨法。

三、用色。用色要“脏”，“脏”即丰富，并非真脏。比如画牡丹，花虽然是红的，但不可绝对发红。颜色尽量不要调好再用，否则变化小且单薄。画时先少蘸水，再把颜色挑到笔尖上来，笔触要有多个方向；花头要缺掉一块，一是可以透气，二是增加变化；要有差别和冲突，但是不能过头，否则就像民间的老虎头鞋——太花。

中国画讲究杂五色，如果花头丰富了，整幅画就不可杂五色，否则显得凌乱。花头复杂，叶子则单纯；花头单纯，叶子就要复杂些；花头用水墨，叶子就不宜用水墨。

《枇杷图》清·吴昌硕

四、构图。构图是有语言的，宋代马远及近现代吴昌硕、潘天寿都把构图做到了极致，成为其作品特有的语言符号。马远的方法是专画一个角，所以被称为“马一角”。潘天寿作画，经常用一块石头占很多画面，突出形式感，这是潘天寿独特的“符号”。他把画画叫作造险、破险，在画出石头后，加些苔点贯气，画面就活了。因此，绘画语言符号的形成很重要，需要画家用一生的努力去做好。