浅谈设计专业中的审美教育

吴小非

摘要：审美能力就是对于美的发现能力，这种能力不是天生的，和知识、技能一样是需要通过后天的不断训练来提高的，笔者结合自身在环境艺术设计专业的任教经历，浅谈对于审美教育的一些思考。本文由三个部分组成，第一个部分对审美的定义做一个分析，分析审美的三种境界;第二部分列举审美训练的方法，以及在教学中应该从哪三个方面提高学生的审美能力;第三个部分阐述审美教育在当下的意义，分析审美教育在设计专业中的重要性。综合而言，审美教育对于大专院校的学生培养是十分重要的，作为设计专业的教师应该尤其注重学生的审美教育，使学生全面健康的发展。

关键词：审美;教育;设计

一、审美的定义

不论对于艺术从业者还是设计专业学生来说，审美都是一个绕不开的重要议题。正如字面意思，审美就是发现美，从生活杂乱的物象中、从互联网纷繁的图像中、从鱼龙混杂的艺术品工艺品设计品中，沙里淘金，挑拣出具有美学价值的部分，进而对我们自己的艺术设计有所启发。这听上去似乎很容易，但只有很少一部分人能训练出那“发现美的眼睛”，或者说大部分人发现的美都不具有足够的美学价值，无法反哺艺术设计，大部分人所发现的只是“自然美”。

（一）自然美

自然美即是日常生活中最普遍的审美体验，这种体验源自人类本能中的，最朴素的审美追求，鲜花、闪光的宝石、美丽的异性等，这些天然能够引发人类关注和愉悦感的事物。鲜艳的颜色、明媚的光线、柔软舒适的材质等，这些能使人产生稳定平和感受，具有安全感和庇护感的场景。这种对于自然美的描绘，在印象派绘画中有集中体现，印象派画家们扛着颜料和画板到自然中，直观地描绘他们眼睛所见的自然风景和光影变化，乐此不疲。但很快人们就不满足与印象派甜美的风景画了。塞尚评价印象派的绘画“杂乱无章”，随着现代主义运动的兴起，艺术家开始追求更高一级的审美体验。

（二）形式美

从现代主义开始，出现了现代设计学的萌芽，现代主义艺术家认为透过自然界事物的表象，存在着一套内在的美学规律，古希腊艺术家或是文艺复兴艺术家所追求的“和谐”也即是这种规律，当物象以一定的比例、疏密、排列方式构成在一起，就能达到这种美学规律，使人感到和谐，这就是形式美。现代主义认为这种审美的内生规律是不依赖于物象而存在的，当脱离了具体的物象，从具象到抽象，这种美学的内在规律反而更加纯粹。形式美被广泛地运用在平面设计、工业设计、产品设计等领域，也是设计专业美术教育中很重要的一块内容。

（三）艺术美

进入当代语境之后，艺术和设计形式都趋于多元化，审美的标准也不像原先那样單一扁平。在当代艺术、当代设计中，审美的评判往往会同时存在几种方式，从不同的角度去判断作品的美学价值，除去直观感受和形式构成，人们更会从文化、历史、哲学、科技等方面去探究作品背后的观念和思想。一些优秀的当代艺术作品，比如说博伊斯的作品，将蜂蜜涂面头部引来蜜蜂，或是用油脂堆满椅子，第一眼给人的感受甚至反而是不适的，但当观众了解了作品背后的用意，结合艺术家的人生经历，揣度艺术家的观念，就会觉得非常有趣。艺术美是最高级别的审美形式。

设计专业的人才培养目标是使学生能够熟练地运用形式美法则进行设计创作，能够尝试从艺术美角度去欣赏优秀的当代设计，但在实际教学过程中，发现学生对于专业知识和技能的学习比较重视，而对于审美能力的提升却往往疏于训练，导致毕业之时有些学生虽然能熟练地运用各种计算机软件，但审美能力还停留在自然美的程度，所设计出的作品不具有美学价值。这就更要求我们老师强化对于审美的教育工作。

二、审美的方法

马克思曾经说过：“如果你想得到艺术的享受，那你就必须是一个有艺术修养的人”，这表明对于艺术的欣赏能力，是需要经过训练的。在我们平时的教学过程中，对于学生的审美能力往往会通过以下几个方面来培养。

（一）色感

色感是指对色彩的感受力，是一种相对独立的审美能力，与需要长期训练的造型能力不同，色感的提升，更像是一种观念，一种感悟，在正确的引导下，学生对于颜色的感受能力是可以很快提升的。首先要全面完整地讲解现代色彩理论体系，使学生对于色彩构成知识有一定的了解。同时结合大师的作品进行名作赏析，尤其是擅长运用颜色的大师如马蒂斯、维亚尔、博纳尔等人，从大师的绘画中吸取养分。另外还要因材施教，有的学生天生就有较好的色感，而有的学生则很难改变固有的用色习惯，用色脏、灰、土，针对这样的学生，就需要增加小色稿训练，来拓宽学生的色域，适当的限制其对于赭石、熟褐等“泥土色”的使用。而有的学生则相反，用色太纯、太火、太乱，对于颜色之间的联系缺乏理解，对于这种学生则应该针对性地进行调色训练，强调高级灰以及邻近色的搭配训练。

（二）抽象

抽象是指从事物中抽取出共同的、本质的特征，抽象就是对于形体的组织概括，这在设计专业中尤其重要。作为高校设计专业的老师，很重要的一点就是更正学生考前美术培训遗留下来的一些陋习，比如生搬硬套静物结构，过于熟练地默写而不看对象，以及孤立地表现对象，要改变这种“看山是山”的简单观察方式，训练学生整体联系地去观察对象，形体、轮廓、正形负形、空间关系等因素，这是第一步。接下来一步就是要训练学生对于形状的敏感性，通过明度构成训练、点线面训练、基本形训练等方法，使学生突破固有的具象思维，以概括归纳的方式去观察对象。最后一步是引导学生发现图形中的内在联系，以几何化的，抽象的手法进行设计创作。

（三）引导

审美的训练本质上是对于眼睛的训练，因此除了课堂里的教学，更重要的是课下对于学生的引导，在当代语境中，不论生活中还是互联网上，都充斥着大量的图像信息，这些图像良莠不齐，有着大量的低俗的、媚丑的、没有营养的图像信息，因此要提高学生审美，更需要教会学生如何从中筛选出具有审美价值的图像，运用到自己的设计中去，这是一个日积月累的过程，通过给学生展示优秀的设计师案例、好的艺术作品，开拓学生的眼界，激发学生的想象力和创造力，除此之外，更需要把课堂搬到美术馆、展览馆中，带领学生参观好的艺术展览，使学生真真切切地感受艺术的魅力。国内许多地方博物馆都有着一流的中国文物展品，通过参观这些我们自己文化的精华，可以培养学生的爱国情怀，加深学生对于中国传统美学的认识。

三、审美的意义

中国近现代以来，许多有识之士对于审美教育都很重视，辛亥革命胜利之后，蔡元培先生首先提出了“美育”的思想，认为教育者应该结合美学理论“以陶冶感情为目的”，培养学生感知能力和想象能力。大学者王国维也认为，好的教育应该包含了“知育、德育、美育”三个部分，即德智美共同发展，在他看来美育甚至比其他二育更为重要，是培养人的感情的重要手段。鲁迅先生则认为美术更是一种很好的教化手段，能够比文字更容易地使民众理解新文化运动，他还大力倡导“新兴木刻运动”，对中国近代的版画发展有着很重要的推进作用。

宏观上说，审美性是一个民族个性的体现，历史上但凡文化盛世，如李唐赵宋，其民族的整體审美修养都是很高的，这可以从当时的建筑装饰、桌椅器具等等细节看出来，更不用说唐彩宋画的艺术高度，是后人无法企及的。反之到了外族入侵或是刀兵动乱之时，其民族的审美就会下降，正如后来的元明清，艺术品和工艺品普遍受到游牧民族影响，繁杂琐碎，纷乱且拘谨。当然这种民族的审美性是一种集体意识，非是靠一人两人能够改变的。而到了近代，中华民族历经苦难，优秀的审美传统有许多都失传了，如今经济水平和综合国力都大幅增长，对于审美这一块的培养就更应该为我等教育工作者所重视。

往小的方面说，审美教育对于个体的人格塑造有着重要的意义，在满足个人认知需求的同时，也要注重他们的情感需求，随着物质水平的飞速发展，学生的情感精神需求就显得尤为重要，审美能力的高低与个人的教育修养水平有着紧密联系，只注重知识灌输、技能训练等理性思维培养，而不注重感性思维能力，这样的人是不完整的，缺失了对于美的感受力以及对于情感的理解力。这一点我们在平时教学时就会发现，有的学生对于老师布置的有明确步骤的作业都能完成，对于老师的指令亦步亦趋，但是当要他们自主创作的时候，却完全不知所措，这一点在大专生中尤为明显，尤其是一些农村出来的孩子，长期的应试教育几乎磨平了他们所有的想象力和创造力，这一点对于设计师来说几乎是致命的。这种情况尤其需要老师耐心地开导，启发他们对于审美的兴趣，鼓励他们自主完成设计。

经过了几轮毕业生的指导，我发现经过了审美教育的毕业生，他们的毕业设计比之其他学生有着明显的区别，作品的创造性与和谐度都有提升。但是大专院校的美育事业还有很长的路要走，这是一项见效慢、周期长、很需要耐心的水磨工夫，需要我们所有人的共同努力。

参考文献：

[1]黑格尔著，朱光潜译.美学 [M]，北京：商务印书馆，1979.

[2] 贡布里希著.杨成凯，李本正，范景中译.艺术与错觉——图画再现的心理学研究[M]，南宁：广西美术出版社，2012.

[3]许江，焦小健.具象表现绘画文选[M].杭州：中国美术学院出版社，2002.