长笛各时期的形制变化与演奏基本要求

何靖

摘 要：长笛乐器形制的发展影响着长笛艺术的发展。在形制的变化下，有着不同的驾驭能力与演奏不同音乐风格的特色。音乐与科技的发展促进着乐器的进步，乐器在变革中也逐渐适应音乐的新要求，相互之间相辅相成。通过对音乐时期中长笛的结构、作品特色、演奏特点、总结并研究，感受长笛演奏中的艺术之美。

关键词：长笛 形制发展 长笛作品 演奏要求

在拉丁语系中，长笛“FLUTE”的意思，本意为 “人的气息”或“心灵的气息”。本义上看，可以感受到长笛的产生与社会的情感和交流有着密切的联系，是人类社会文化发展的产物。神话通常中会具有形象性的色彩（兽形神，人形神）其中每一个神都具有音乐的演奏能力与技巧。海神吹奏小号，缪斯会唱歌。太阳神阿波罗会弹奏里拉琴、而牧神潘则擅长吹笛子。

一、长笛形制发展中的音乐作品

1.巴洛克及前期长笛形制

15世纪时，横笛演奏的画面大量的出现在了西欧的绘画和文学资料中，用于独奏较少，基本用于乐器的组合，也为歌手做伴奏。当时的乐器是移调长笛，制作工艺简单不够精致。通常。到了文艺复兴时期，圆锥形的管体，一个吹孔，侧面有6个指孔，交叉执法演奏、材料多为木质。这时期的音乐也是世俗化的倾向，表现宗教内容非常明显。当时声乐是占为主导的地位。器乐经常只担任声乐的伴奏。

17世纪德国音乐家研制出的笛头和笛身，可以分为两节，并中间有插孔以便调节音准。这时期渐渐的大小调和声体系形成与确立了主调、音乐成为主导通奏盛行。1670年巴洛克长笛由法国奥特泰尔家族制成，这时的长笛笛头的直径为19毫米，笛尾的内径为14毫米，形态呈圆锥形状。最后的一个音孔旁，有一个略小的小音孔并有一个由铜和银质制成的按键，用右手的小指控制，这种单键结构，使得长笛首先成为一种半音乐器。后期由德国演奏家匡兹在笛尾上加了第2个键。这个时期器乐发展与声乐达到了平等的地位，有了前所未有的发展。

作曲家维瓦尔第创作了非常多的长笛作品《海上风暴》《金翅雀》《夜》都是如今广为人知的经典曲目。维瓦尔第的创作构思清新，对器乐题材特别是协奏曲的发展做出了巨大的贡献。长笛和其他的乐器，就与乐队齐奏协奏的形式在一起演奏，充分的发挥出了长笛本身的特点，也把这样乐器提高到了一定的高度。同样这时期的作曲家台莱曼，我们大家经常演奏他的《十二首幻想曲》注重旋律的写作，主调显得很知性，经常会抛开精致的对位方法，并强调轻盈明快与对称。幻想曲一首一个调，一首一个色彩。创作其中表现出了技法的高深。有宁静的、有自然的，要快速的、有慢速的，有对比，有旋律，是以长笛演奏者的经典必备作品。同时期亨德尔写过7首长笛奏鸣曲，也是我们的经典之作。当时长笛都是配有大键琴、羽管键琴、一起演奏的。他的创作使用了丰富的德国音乐风格和娴熟的复调技法，集成了巴洛克音乐风格的精华。

约塞·巴斯蒂安·巴赫经常使用长笛，是从他创作的戈登时期开始的。他的长笛音乐就像人的思想，就像音乐的圣经，像楼梯似的，像阶梯感的，逐句上升的。长短乐句交替进行，音乐有律动走向，有强烈的节奏感，对比也是那么的高贵而深远。巴赫写的组曲《a小调无伴奏长笛奏鸣曲》是长笛演奏者的经典之作， 作品由四首舞曲组成有快、有慢、有急、有缓; 节奏欢快、技巧鲜明、音乐流畅，给我们听到了长笛美妙而又传说的感受。这时期当然还有很多的作曲家，例如布拉维等作品，有洛可可风格，音乐华丽也具技巧性。

2.古典主义时期长笛形制

到了18世纪，长笛形制的最大特点就是，结构上分成了三个独立的部分，并且简化了制作工艺， 制作者可以更精准的在乐器上钻孔，音准也有了很大的改善。发音也变得敏銳起来，音色更加圆润而甜美。 选材上这时候多用象牙、黑檀木等一些硬木。17至19世纪最受欢迎的也有黄杨木。古典主义时期，加入了4个键、6个键、8个键的长笛，扩展了音域，灵活了指法，这些内容都在新格罗夫辞典中有所记录。伯姆的老师卡佩勒发明了右手的两个小颤音键。古典音乐的音乐艺术崇尚理想内容和形式关系，追求两者的平衡。音乐的语言朴素、经典，以严谨、和谐的形式来表达真挚的感情，与民间音调舞蹈的节奏联系非常密切。长笛的音乐作品也呈现出简洁优美、鲜明动听的特质。与巴洛克时期相比，旋律不再是连绵不断的扩展运行，而变为方整的、短小的乐剧，并经常在乐句上进行扩展。这个时期长笛的兴起可能也是有原因的。婓特烈大帝爱长笛、爱得疯狂，以至于他的长笛老师匡兹写过三百多首长笛作品，也写下了长笛的演奏法著作。当时有音乐出版社出版，同时德维耶纳成为巴黎音乐学院的长笛教授，也写下了长笛理论与教学法书籍， 可能是因为皇室的需要，《匡兹的 G大调长笛协奏曲》庄严华丽一副唐皇相，贵族气息浓厚。莫扎特写下了长笛的三首协奏曲、四首重奏作品。同时《海顿 D大调长笛协奏曲》斯塔米兹也写下了《G大调长笛协奏曲》等等。这时期的作品乐句方正，思路清晰，有明确的终止感，音乐走向了市民阶级、主调、和声、织体等都鲜明了起来。同时期音乐创作鲜明特点的是音乐之父巴赫的儿子。巴赫也被称为“汉堡巴赫”他创作的长笛作品《a小调长笛无伴奏奏鸣曲》作品显得有洛克克风格，更多的在典雅之中多了很多的修饰， 表现出了丰富的色彩，增强了很多的对比。好似是巴洛克的长笛音乐与古典长笛音乐的一种汇合，但表现的确更有张力与生命力。

3.浪漫主义时期长笛形制

1847年，伯母将15个音键，带有23个指键的杠杆联动装置，并有完整的三个八度的第一支现代长笛，就成为当下的金属长笛了。音乐有了更多的音响化，有了更多的创作形式。音乐与戏剧、与歌剧结合、音乐与 美术展示。所以在学习长笛的时候，我们会了解更多的艺术文化，作品的丰富，就考验我们长笛手的能力了。

伯母创作的《大波兰舞曲op、16》、高贝尔《幻想曲》、杰南《威尼斯狂欢节变奏曲》、德美斯曼《音乐会独奏第六号》、莎米娜德《小协奏曲》、埃内斯库《如歌与急板》等等，足以让我们深入练习、深入体会。还有由声乐套曲美丽磨坊女《凋零主题花朵》为主题改编的长笛变奏曲，也有法国演奏家塔法内尔根据韦伯《自由射手歌剧》改编的长笛幻想曲。作曲家们用一支长笛展示出了整个歌剧的形象的作品。作中处处彰显着长笛在各个演奏技能，各个气息能力上，的无限的变化。音乐越来越多的像诗、像语言，更有韵味发展。

舒曼的《三首浪漫曲》、史特克美斯的《乘着歌声的翅膀幻想曲》、多普勒《匈牙利田园幻想曲》《瓦拉格的幻想曲》具有匈牙利民间舞曲形式与风格;德国作曲家莱尼克，用神话故事女水神创作出了我们常演奏的女水神奏鸣曲，一只小小的长笛。在这丰富的故事感情中描绘出了水中的精灵，爱上英俊的骑士。后来又遭到背叛的情景，竟然将音乐如诗如画的在长笛中进行了刻画，也彰显着丰富的音乐色彩与多种音乐语言。当然演奏者就需要更多去表现自己的能力。

20世纪音乐抛弃了过去的很多准则，试着探索新的音响、新的手段、旋律与和声、强烈的发生了变化。序列音乐、偶然音乐的出现，让整个时代发生了个性。长笛，除了现在的银制长笛外，有金长笛、白金长笛，也甚至有人把它做成玻璃长笛。尼尔森创作有《长笛协奏曲FS.119》、《伊贝尔长笛协奏曲》、普罗科普耶夫《长笛与钢琴奏鸣曲》、贝里奥《模进》、武满彻《声》、梅西安《黑鸟》等等，作曲家出现了科学家写长笛音乐，比如瓦雷兹喜欢数学，他写下了《密度21.5》的长笛作品，说到密度21.5其为著名的法籍美国长笛独奏家做的。当时演奏家使用的是一只材质为白金的新长笛，而这种金属的材质密度21.5，便以此得名。作品是简约的小品，也是一个独奏作品，但是它的材料写法既不同于以往的时期的学派，精巧的设计，里面减七和弦的奇妙色彩运用成为了长笛的经典典范。这时期法国作曲家若利纬，他用长笛写一个希腊的神话，里诺是英雄，是拉克利斯的音乐老师，他发明了韵律和旋律，因为他竟然在神的面前唱歌，比神更加美妙，传说被太阳阿波罗所杀。所以乐曲中就刻画了古希腊葬礼步调仪式。在叫喊声、舞蹈的及激荡节奏中表现出了一种葬礼，悲伤元素。所以长笛的音乐是美妙，也是很有内在意义的。一只长笛有那么多人为它创作，有那么多人为他倾慕，我们不得不要更好的加强今后的学习，通过它，我们可以了解音乐，通过他我们还可以了解故事与历史文化。

二、演奏作品中的具体要求

演奏中我们要注意自己的一些科学的训练与全面的分析，要形成良好的练习习惯。追求对时期形制与音乐风格的研究，探索作曲家的创作意图等。

1.演奏姿势的良好状态

我们要时刻关注我们的姿势和仪态。两脚的位置、肩肘的松弛、重心的调整、放松的头部和颈部。手臂与胸腔的空间范围要开阔、稳定的支点（1.左食指一关节2.右拇指的指尖3.下巴与唇托的接触点）要让自己形成自然准确稳定的支点。就像巴黎音乐学院的教授米歇尔德布斯强调的，左手稳定下巴，用腹部肌肉撑，与呼吸找到力上的平衡。气息是演奏的本源，所以我们要练好呼吸，要良好的控制它，就要下大量的功夫。

2.“歌唱性”的吹奏理念

我们吹奏时要有美声的概念，让自己先歌唱，让乐器一起共鸣歌唱。口腔、鼻腔、头腔的开放，会让我们受益匪浅。巴赫就曾经提倡到要让歌唱、旋律的线条，要大量的进行练习。这种方式比阅读大量的书卷更有价值。明确呼吸的技巧，打开声音的同时，打开鼻子，合理的控制你的吸气于呼吸，他的快慢深浅都要存在于你的音乐情境之中。当然这需要一段时间的揣摩，我们可以从小的作品里记录自己的呼吸，调整自己的状态，尝试各种不同的练习，多吹各种变化的长音。

3.扎实科学的基本功训练

演奏我们可以用音色练习，如格拉夫的长笛基础练习，逐渐的养成自己大量的好习惯。音乐的练习也是必要的。要注意音高不要过于尖锐。要注意低音域的饱和与震动。音乐传记中提到，演奏者应该跟随低音声部多加练习，找到音乐之间的内在平衡。音色展示出了丰富的笛声，并指技能的体现是展现长笛魅力的重要手段。所有的大小调音阶、半音阶、三度、五度音程。全音程等，与减七和旋都要进行灵活的练习。连音的练习、吐音的练习、变节奏的练习等等，都要日常的在我们生活中渐渐加入，要对最低音和最高音的手指进行单独的训练，要对大量的无名指和衰弱执法以及小指的单独训练，要练习长音与泛音，气的平稳与颤音，声音的松弛与柔和，这需要慢慢的体会和感受。也许我们从一个音上先练，我们有目的有追求的效果，漸渐的我们就会自然吐音，在音乐中制造感染力的风格，灵活的吐音、松弛的舌根，灵活的舌尖，这些都配合的，要像钟表一样。干净、严谨、顺畅、而又精准。吐音的练习有崔佛·怀等的吐音练习，也有很多的音阶、练习曲，都可以进行大量的练习，要让你的舌尖灵活，像我们的说话一样，自然有分句。

4.灵活的技巧与多样形式

演奏技巧是为音乐做服务的，演奏的练习没有计划和规划，都是无意义的。系统的学习，也是一点点付出努力才积累出来的。当我们听到音乐家美好的笛声、娴熟的技术背后，他将要付出多么大的练习，多么多的思考，所以要把技巧和优美的音色完全结合起来，一定会让你的音乐发出美妙的声音，一定会使观众在欣赏过程中感到小小的长笛焕发出无限柔美的震撼。当然，如果你学习专业音乐，你就要进行更多的理论分析、合成分析、曲式分析，在那个位置，它发生什么样的效应？还是有理论积累和依据的。可以知道哪些地方是和谐的，哪些地方是不和谐的？要强调的是不和谐的，而要把协和的自然歌唱的去演奏，我们要拓展我们的练习模式，有条的情条件的情况下，可以去找钢琴合作。可以从小的二重奏到四重奏，再到管弦乐团，长笛乐团一起去演奏，让自己有意识的树立起声部的概念，既听到和声的效应，又找到自己的位置，在生活中可以多多的用耳、用脑、用心。

三、长笛作品中的艺术之美

练习不是一天就能到达的，只有长期的坚持和磨练，才会逐渐提升对作品的深入练习和研究品读，从感知、意念升华到感情的表达。

长笛，这样典型的欧洲古典木管乐，展示着欧洲的音乐文化，也在时期的变化中展示着欧洲的文化与历史风貌。它强调着思想的深刻与感情的抒发，常常与美术、建筑、文学、戏剧共同交融、相互渗透。好的作品就像油画般层次深刻，就像建筑班对比深刻，就像美声般优美入心，就像戏剧般冲突激荡。无论你我是初级，中级极，还是高级，我们都可以长期交流，共同探讨，一起慢慢坚持，一定会有积累的成果。学习长笛、学习乐器、学习音乐，唯有坚持与勤奋，能让我们在空气的彼岸听见美妙的风景。

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