中国画的艺术技巧

□叶浅予

中国画称“肖像”为“传神”。顾名思义，替人画像不能满足于“形似”，一定要做到“神似”。即使是山水画，也不能满足于对一座山或一片水的表面模仿，必须要以诗人般的感情来描绘大自然的美景，达到“画中有诗”的境界；至于花鸟画，那就要使人感到“活泼天机”和“鸟语花香”，标本模型式的刻画是被反对的。由此可见，中国画家对于造型的主张是现实主义的。

为了达到“形神兼备”，中国画家在观察生活和锻炼技法的时候是极其刻苦认真的。五代山水画家荆浩，谈他自己“写松万本方得其真”；齐白石从小画草虫，到了七八十岁的时候还在变革画法，有一幅《虾》题着“白石衰年变法”，的确变得形神更加逼真。画家对造型的要求如此高，而一生的精力却是有限的，所以中国画家有专工一门的传统:有的长于花鸟，有的长于山水，有的长于人物，有的偏长于几种花或几种鸟，有的甚至只专长于一种东西，比如韩干的“马”、韩的“牛”、易元吉的“猿”。中国画依题材不同来分科由来已久，各人发挥所长，专工一门，形成了中国画题材内容的百花齐放；又由于各人表现手法不同而创造了多种多样的风格，便成为中国画的百家争鸣。

《印度舞》 叶浅予

中国画造型的骨干是“线”。画家通过线的强弱、曲直、长短、粗细、浓淡、虚实、转折等变化来表现物象的体形、质感和动势等复杂的关系，以此构成完整的形态。在人物画里有所谓“十八描”，是历代画家所创造的线型，如“高古游丝描”“铁线描”“兰叶描”“蚯蚓描”等。这不过是指有实物可以比拟的部分而已，线型的变化何止十八描。

严格地讲，中国画的每一条线，应该同时表达“形、质、动”三种感觉综合的效果，而没有高度的艺术技巧是很难做到的。唐代画家吴道子所创造的人物有“吴带当风”之称，是说吴氏所画的人物衣带有临风飘举的感觉，又说吴氏画山水“行笔纵放，如风雨骤至，雷雨之交作”。可以想见，吴道子笔下的线条已达到变化万状和气势磅礴之境地。

中国画的造型技法讲究有笔有墨，笔法和墨法是连在一起的。在用笔的变化中，即用线、皴、擦、点、染等笔法之中，一定要运用墨色的正确变化，才能完整地表现形象。笔墨的关系，在某一方面犹如骨肉的关系，有笔无墨好像一个瘦骨嶙峋之人；有墨无笔，便像一个大胖子，都是不健康的。

山水画多以墨为骨，很少用浓墨重彩，而水墨画则纯用墨色的变化来表达色彩。花鸟画到了写意特别发达的近代，画家也都喜欢单用墨色来表现，即使运用色彩，他们也认为通篇用色等于无色，在需要的地方染上需要的颜色才能发挥色彩的最佳效果。

中国画的篇幅和样式的变化很多，最普通的大幅有立轴和横批，小幅有册页和手卷。此外还有通景、屏条、镜心、扇面等样式。古代的大幅作品除了画在庙堂宫殿的墙壁上，也画在可以移动的围屏上。中国画家不但能在指定的篇幅里经营指定的题材，而且还能够将同一题材安排在不同的篇幅里。因此，中国画家在“经营位置”即构图方面的适应能力是很强的。

中国画的构图方法，在运用“透视”原理上有极大的灵活性。如果只限于应用固定视界的照相式焦点透视法，便无法表现山水画中的平远、深远、高远等不同的远近法，因为人的高度只有一米多，视平线很低，只要眼前有东西挡住，无论什么远景都无法看得周全。可是优美的风景往往是“山重水复疑无路，柳暗花明又一村”，这样的美景只有人在里面走动，或从高处观看，才能领略到它的妙处。因此，中国画家创造了运动透视法（或称散点透视法）和“以大观小”法（或称鸟瞰法）的构图来处理这类题材。而人物绘画是用艺术的手腕将现实的景物完美地表现出来，如果不能突破照相式的处理，是不会令人满意的。

《延边长鼓》 叶浅予

《丰年多鼠图》 齐白石