民族声乐学习的困惑与解惑—以《青春舞曲》为例

王珏琼

没想到这么难唱？！

1.初学作品，漏洞百出

自从听了女高音歌唱家龚爽在2014年所演唱的《青春舞曲》之后，我一直对这首歌曲保持着强烈的兴趣。因为王洛宾先生搜集整理的维吾尔族传统民歌《青春舞曲》的主旋律让人印象深刻，只要一哼“太阳下山明早依旧爬上来，花儿谢了明年还是一样地开”，人们自然会联想到美丽的新疆。原本的曲调简洁自然，易于歌唱，传唱度非常高。

龚爽所唱的这首《青春舞曲》是由作曲家胡廷江根据原作品进行改编创作的。长期学习民族声乐的我对这个名字特别熟悉，初识胡廷江老师他为金铁霖教授的声乐课担任艺术指导。这位老师不仅是一位优秀的艺术指导，更是年轻有为的作曲家。无论是《春天的芭蕾》还是《玛依拉变奏曲》，其作品在相关演唱技巧上均有着极大的难度。

这首“新”的《青春舞曲》被赋予了新的生命力。作品原本短小精悍、积极向上的旋律被保留下来，但去除了传统的创作手法，采用了现代作曲技法，使该作品呈现出新时代的风貌特征。胡廷江版《青春舞曲》在原基本音级的基础上，加入了大量的变化音和偏音，丰富了作品前奏的色彩，倚音的加入更是再现了新疆民歌的风格。音乐层次感强，歌唱技巧要求高。

一次机缘巧合，我得到了学习该作品的建议，欣喜若狂。我坚信，凭借自己极大的兴趣和学习热情，一定能够很快地完成该作品的案头工作。但是，随着第一次正式学唱开始，我曾经的自信就被一个个难题所取代。

明明我能够把歌词的每个字都用普通话念得清清楚楚，但是为什么在唱的时候就没有办法唱好呢？我的声音怎么这么差强人意？最后高音部分的“啊”从小字二组的升f一直到小字三组的升c，我怎么感觉自己完全唱不好呢？音高怎么都达不到，“够”不着！尤其是在歌曲开始部分，第一个“哎”字（见谱例1），我总是不知道自己该怎么唱这个长音，怎样拖长声线来表现音乐，声音也与自己平时听歌唱家演绎的水平相差太多，我十分失望。如果是因为有些地方音太高，那低的地方总能唱吧，中声区应该可以表现得好一点儿吧？这个地方的节奏和原作的曲调相同，谱例上看得很清楚，我也听过范唱，那我也试一试。但是，在合伴奏的时候，我总是在这些看起来简单的地方出错，不是跟不上节奏，就是感觉字“卡”在嘴巴里出不来，为什么我唱不好这首作品呢？

2.刻意模仿，未必奏效

我很想把歌唱好，为此，特意在网上搜索了好几个版本《青春舞曲》的范唱视频。她们的演绎方式各不相同，却总能让我耳朵一震。我很想从她们的表演中学习到方法。

在歌曲的开始，每个人演唱的感觉都不一样：龚爽的声音比较大气；刘玥的声音虽不及龚爽，却也自然清爽，富有情趣；吴碧霞的声音跟歌曲旋律融合得更好。自从听龚爽在《耳畔中国》唱了《我的祖国》后，我马上被她美妙的声音所吸引。她的声音不仅美，而且感觉每个字都被强烈的气息感包围。我想，她的气息应该比我多很多。在获得“中国音乐金钟奖”声乐（民族）金奖后，龚爽名声大噪，我时不时就会去搜索她是不是有新的歌曲发布，也在微博上关注她平时的演出动态。

因为对这位年轻歌唱家的欣赏，我决定学习和模仿她所唱的《青春舞曲》版本。我认真地找出了几个自己认为比较难的地方，在龚爽演唱该部分的时候去听声音，认真模仿，并尝试去找一找这个声音，期待自己也能够向正确的方向发展。但尝试之后，我发现完全没办法获得自己想要的声音，根本唱不上去。我似乎能够感受到歌唱家高位置的头腔共鸣和强大的气息，却解决不了自己高音上不去、没有气息支持的问题。

到底怎样才能征服这首作品呢？我学习声乐不就是要学习怎样发出那么优美、气息量强大的声音吗？我总是感觉自己在唱的时候，想着谱子上的音高，一旦从低音变到高音，我就特别紧张，喉咙发紧，臀部外撅，背部不由自主地弯曲。明明很认真地把字的声母和韵母都说清楚了，声音却“卡”在喉咙里，怎么都“送”不出去。气息也很短，唱完一段，就感觉特别累、特别喘，喘气的声音也特别大，中间一直感觉自己在“哈……哈……哈……”，和歌唱家的差别太大了。

我有一种学习的挫败感。难道我一直自以为正确的方法是错误的？唱歌不就是应该用歌唱技巧把音乐表达出来吗？不就是等技巧熟练了以后，再练好气息和标准的发音，相互配合地去表现作曲家所要表达的意图，同时酣畅淋漓地抒发情感，在舞台上表现出来吗？我们平日里每天的练习不都是追求这样的过程与结果吗？

另一片天地

1.宝贵的“干货”

每每收到老师所分享的学习资料，我都会抱着进一步提升自己专业能力的决心去好好研读。虽无法像在课堂上交流那么容易，但我还是会非常认真地去阅读和观看老师发来的文章和视频，试图在其中找到更多学习的资料。在此过程中，我接触到了越来越多没有接触过的声乐认知和学习方法。我突然意识到，自己原本的学习方式和方法上可能出现了偏差，应该变换一种思维去探索，可能可以得到新的收获。

当我阅读到“国际声乐大师28条歌唱笔记”的第9条（“好声音是软的，柔的，有伸缩性，有美感的”）时，我就想，为什么我平时唱高音时声音都是刺耳的，总是感觉自己在“挤”着唱，而不用这种方式，我又没办法唱出这个音。这个所谓柔的、软的声音到底是怎么来的？“歌唱笔记”里第19条写道：“含胸拔背，这是高音的感觉。”那么，为什么我总是在高音的时候不由自主地开始驼背、脖子前伸？在“歌唱笔记”中所描述的一系列内容，居然和我之前的声乐学习实践背道而驰。

老师也会为我们转发从国内外著名声乐教育家和歌唱家的声乐沙龙群中获得的宝贵的声乐学习资料。例如，“推及声音，观众要求的是好听、美的歌声所传达的东西，而不会太过在乎你的技术如何、位置高不高、气息稳不稳。‘美声’是美的，但美的不一定是‘美声’。”类似的言语为我打开了声乐学习的新大门，而我总是站在自己的角度去追求所谓的声音，确实与观众的评判标准不同。如果我们将评判标准放在技巧上，那么也就失去了艺术美的审美高度。

后来，我又看了一些由“苗岭百灵”阿幼朵演唱的《醉苗乡》《水月亮》等视频，我惊呼于这位出生在贵州省的苗家妹子所发出的动人歌声和自然的情感表达。没有经过专业音乐院校系统的声乐学习，阿幼朵也可以将歌曲的表达做得很到位。

至此，我的思维渐渐清晰起来：声乐并非是一味追求“唱”、追求所谓的“音高”，它所追求的更应该是美和自然的感受。如果在学习中过分强调用技巧去解决作品，那么我出现的问题只能是越来越多，且有局限性。尽管这为我打开了一个新的认知角度，却又出现了新的问题：怎样才能不过分强调技巧的训练来唱好一首歌呢？之前，我并没有接触过相关的学习和实践。再说，声乐学习很抽象，有时我自认为在课堂或者台上唱得很好，听录音时却和自己之前的想法截然相反，高音刺耳尖锐，音乐形象也没有清晰表达，就更谈不上音乐层次了。

2.循循善诱，指点迷津

在平日的学习中，怀揣着对声乐进一步了解的愿望，我试图理解老师所点出的让我跳出“唱”的概念去理解声音，我开始重新审视声乐中“声音”的来源问题。但是，在听完范唱后，我却没有办法改变自己的声音“从口中唱出”的问题，我意识到要想改掉长时间累积的毛病，任重道远。

出于对歌唱的热爱，我开始积极地寻找改变自己错误、僵硬的歌唱状态的方法。老师的诸多看法和见解让我看到了希望，我希望通过自己的努力去寻找老师所传授的声乐学习之道。我认真地积累老师所传授的要点，将上课时所接触的语、律、情、形放在声音的训练中，并将此声乐理念从理论角度进行了展示、说明。

声音训练关系图

上方“声音训练关系图”中，“语境”即语言环境，该词最早由英国人类学家马林诺夫斯基（B.Malinowski）于1923年提出，分为“情景语境”和“文化语境”两类。“律境”指音乐进行中，音与音之间形成的高度差、力度变化、色调变化所体现出作品的律感生态。“情境”是形容歌者在表演过程中，将作品的精神内涵通过投入自身真实的情感来唤起观众的共鸣。歌唱中常用的肢体语言包括眼神、面部、手势、形体动作等，各部位都有不同的表达方式和作用。

在与老师的交流过程中，我开始反思之前自己关于歌唱的思维方式。每次，我总是单单从曲谱的表面语言出发，认为只要理解字面意思、普通话发音标准，就能够准确表达歌曲；并不明白声乐作品其实是由音乐和文字两种艺术手段相互配合，来达到塑造艺术形象的任务。

我一直要求自己去“唱”，却不明白“歌唱”只不过是使用了非常激动的感情“说话”而已。“律境”方面，之前我接触过音律、律动等词语，但我的理解还停留在节奏的层面上，一直以为只要把节奏中的节拍唱准、唱对，就能够把歌曲的节奏感表达出来。反思最核心的“情境”，我认为自己做到了“抒情”，但是不如意的效果让我看到了自己在此方面表达的刻意性。其实，我应从声乐作品的本体出发，无论是“情景语境”“文化语境”，还是由旋律、节奏、力度等构成的“律境要素”，都是作品呈现在歌唱者面前无声的情感语音。在舞台的肢体语言表达方面，我大多时候是不敢动。可能大家很难想象一个歌者站在舞台中央，没有任何表情、肢体语言的歌唱。单单就“手”而言，我常常是想举上去，举到一半却又不舒展，不衬“情境”。

明确了新的学习理念，我兴致勃勃。对我而言，这是自己本专业领域从未有过的推敲和挑战。不同于之前的学习，现在我要建立新的声乐学习状态和声音训练状态，力求在自己的声乐道路上迈出一大步。

牛刀小试，新方法下的声音训练

这首《青春舞曲》真是让我又爱又恨—爱的是该作品丰富的音效节奏和具有挑战性的声乐演唱内涵；恨的是之前练习都没有办法很好表达，歌曲的完成度很低。这次对于该作品新的分析是为了解决我固有的声乐认知和声音训练上的弊病。

1.语言学角度的“语境”分析

根据语言中每个音素具有不同的音色、音质的特点，我认识到了在字腔训练的过程中，必须与语言有声化所产生的音高、长短、强弱和音色四个基本属性相对应。

在歌词中，第一个出现的“哎”和第二个“哎”（见谱例1），情态表现就不一样。前者更多表达兴奋的吆喝，好像是在邀请远方的小姐妹一起过来欢歌起舞；而后者表达的是相聚后耳鬓厮磨的嬉笑打闹。所以，我认为两者产生的声腔形态是不同的，在用声上要做差异化处理。相较于后者，前者的演唱气息流动更剧烈，声音位置相对更靠前，情绪也更加积极。再者，由于与对象的远近程度不同，所以“吆喝”“呼喊”较“表达”在用声上要开、亮、大一些，而“表达”时声腔相对要竖、深一些。歌词中出现了两次“明”（太阳下山明早依旧爬上来，花儿谢了明年还是一样地开。），分别在“早”和“年”的前面，同一个“明”过渡到不同字的变化会有很大不同。明属于四声的阳平，其声母“m”属于双唇音，五音在唇音上，属于齐齿呼。过渡到“早”，由于“早”是舌尖前音，发力在牙上。而“年”虽然属于舌间音，但是发力在舌上。故，前者转换口腔较后者大、扬、亮一些。

谱例1

2.歌曲的“律境”

相较于之前，我更加清楚地意识到歌唱情感的表达需要结合演唱者自身感受，体验音乐作品中的思想意识、情感观念。歌唱实践中所遇到的旋律、音调、“律动”，都是歌唱情感表达的必要条件。“律境”在音乐的进行中是音与音之间形成的高度差、力度变化和色调的变化，体现出了音乐作品的律感生态。当“律境”作为动词，就是“律动”。

歌曲的第74—76小节“青春小鸟飞过来，请你带上我的爱”（见谱例2）中出现了附点四分音符和切分节奏，正是这些音乐元素所揭露的语感与“律境”的完美结合，勾画出了“我”对青春小鸟的依恋之情。第75小节的切分节奏让人感受到“飞”的律动，似乎隐约地铺垫了音乐中的特定“情境”，这是作者感慨青春远去，并急切呼唤青春不要远去！切分节奏的妙用，推动了旋律“律动”、情绪起伏。紧接着，后一小节中附点音符再次出现，也再次点名了主人公的身份。一声“带上我的爱”，情绪不断推动音乐发展，“律境”与“语感”的高度同步，刻画了对美好青春的留恋不舍。

谱例2

从此处的分析中，我认识到音乐本体中包括声腔、声韵、声调诸多元素的变化。声乐作品的情感表达就是声腔“律动”的展现过程，“律动”的本质功能是构成音乐流畅的动力元素。回顾之前的学习，我根本没有意识到声腔要素中的“律境”等因素。

3.“情境”的展现

通过前面两个环节的层层积累，我意识到了声情并茂的内涵—歌唱艺术，是以人声为载体，以直接表达人们的思想感情为主要特征。“情境”促使演唱者在表演过程中，将作品的精神内涵通过投入自身真实的情感来唤起听众的共鸣。这就需要声音造型作为支撑。演唱者所要做的就是在演唱一首歌曲时，运用不同色彩的声音来表现不同的音乐形象，构建演唱者与观众之间的交流平台。

想要准确把握这首《青春舞曲》的内涵，在演唱和表演上做到声情合一并不容易。该作品通过转调、节奏的变化，特别是拟人化描写（花儿谢了一样开，鸟儿飞去不再来，请你带上我的爱，我的青春小鸟一样别走开），表达了对青春真挚、细腻的情感。针对作品所赋予的“情境”，在声音造型上，着色要深沉、柔和，声腔要结实、厚重，音韵要平缓、抒情，音质要情真意切。

其中，包括了多处叹词“啊”的花腔，八度以上的大跳，所对应音色的激昂，借着从上段过渡到中段“语境”上的情绪激昂与“律境”上的密集开放相互交织。此等场景描绘的是作者所形容的小鸟不单单是指活生生、展开翅膀、呼啦啦飞走留下美丽的弧线的鸟儿，还隐喻青春像小鸟，也能长翅膀飞走，再也看不见的事实。整个作品曲风明快，情感看似奔放，也似内敛。由此，在声音造型上，要随音乐作品起伏而变化。注重色调局部布局与整体布局的关系，加大胸腔共鸣和头腔共鸣，着色要浑厚而不是透亮。

4.添彩的肢体语言

我总是感觉自己在歌唱时肢体语言表达不够到位，甚至可以说是不知道该怎么动。

这首作品整体节奏情绪欢快，音乐律动感很强。我想使歌唱有更好的情感传递，获得声情并茂的效果，就必须借助适当的肢体语言表达来增强歌唱的表现力。这就要好好理一理作品中不同肢体语言的表达和作用。

常言道：“眼神是心灵的窗户。”我认为，这首作品从头到尾都得注意“传神”，因为一个好的眼神能够传递出音乐的情感变化。如，唱“别走开”和“飞过来”时的眼神应该针对诉说对象来传递和诉说“青春不要离开”的心境。中段慢速化“青春小鸟飞过来，请你带上我的爱”，用戏剧性的面部表情对“青春”吐露情感。恰当的面部表情，能够让我与音乐作品的思想更加融合，让观众感同身受。我经常在表演中使用双手，因为我认为双手是肢体语言的主要参与者。在歌曲开始的“哎”，应该用一只手前伸的状态，面带微笑，喜悦地去招唤远方的小伙伴（即“青春”）。到全曲的最后，通过一波又一波的高声线的连接，曲终的“别走开”要用双手去挥舞来表达畅怀之意。

一个适当的手势，可以增加自信和加强歌曲表达的语气，进一步使声音得到解放，传情达意。

初出茅庐，比赛历练中的收获和反思

我从大学二年级就开始参加比赛，虽然自己唱得并不好，但是一直在努力向前。也正是因为这份执着，我爱上了舞台，爱上了声乐表演。

我还清晰地记得第一次参加声乐比赛时的场景。那是市级的青年歌手大赛，我刚刚系统学习声乐一年多的时间，抱着试一试的心态，想要在舞台上锻炼自己，我报名参加了。我演唱的是歌曲《党旗更鲜艳》，但在演唱“苦苦追求”的“求”字时怎么都唱不好，总是有一种高音出来非常“吊”的状态。

此版《青春舞曲》是我在成为研究生之前，就已经在比赛中唱过的作品。我认为，该作品非常适合竞赛，因为里面有丰富的节奏型和大气的曲调风格，特别是其中的花腔部分。尽管花腔部分的每个音的跳跃都是独立的发声，但要做到“声断气不断”就需要长期的艰苦训练。而通过舞台实践，我发现别说是一直保持花腔演唱时的高位置，其实从第一个“哎”字开始，我的声音位置就已经掉下来了。我错误地以为这个“哎”只是在表现声音，并没从真正的含义。

我很喜欢这首《青春舞曲》，所以我投入的学习时间也比较多，我想以一种全新的声乐学习方式去化解之前学习中的弊病。成为声乐研究生之后，我深知要多多积累经验，才能成就内心和能力并驾齐驱、专业上更强大的自己。新的学习方法，让我更加意识到语言、情境化和情感表达在学习上的重要性。

之前，我在唱歌时一直有着明显的舌根音，这源自我不正确的说话方式，即偏低的口腔发音特点。我也进一步认识到了语气的重要性。语气所带来的情感上的起伏，更能够带动我流畅声线的抒发。就像老师说的那样，声音不是“做”出来的，而是自然流露出来的。肢体语言表达也是一样，在演绎作品时，身体是自然而然地随着歌曲所做出的呼应动作。

经过这一年多来的努力和坚持，我迎来了新的比赛。我再次选择了《青春舞曲》作为我的竞赛歌曲。在舞台上，我感觉到自己演唱上的轻松状态，越来越不惧怕原来出问题的地方，我更在意的是如何诠释作品。我不再惧怕高音，从语言的角度出发，配合着清晰的节奏律动，我也敢用肢体动作去演绎自然的歌唱状态。此刻的我，看到了自信的自己所能做到的一切。我深知自己每日练习的汗水和艰辛没有白费，也深深感谢老师在我声乐道路上的谆谆教诲和耐心指引。

小 结

经过一轮漫长的新的声乐学习过程后，我从一个刚开始唯唯诺诺的学生逐渐成长为舞台上自信的歌者。我对于“民族声乐”概念的认知和发声方法的掌握上都有了很大的提升，这些都是老师一步一步的指导结合实际的比赛和表演经历所造就的。

声乐其实是一种表演艺术，它把音乐作品转换为实际印象，在歌唱中直接以音乐、语言和肢体来传递情感。声音训练是声乐学习中必不可缺少的步骤，注重“语境”“律境”“情境”和肢体语言等方面的培养，才能够更好地演绎声音。