浅析印象主义莫奈艺术作品的背后故事

陈淑敏

摘 要：赞助人总是眼望过去，希望获得经典的复制品；而艺术家在眺望将来，想开辟一些未经发现的天地。。风格如天性，只在画里自然而然地流露。但在19世纪艺术家那里，“风格”是倜傥的个性，是激烈的宣言。这是第一次，围绕着“艺术风格”，战争开始了。

关键词：莫奈 印象主义

在1870年莫奈到了英国伦敦，英国风景画家透纳和康斯泰勃尔的作品对其产生了影响。在1871年因父亲病逝回国途径荷兰的途中，发现并买下日本浮世绘。1872年在家乡勒阿弗尔港创作的《印象·日出》，在1 974年第一届印象主义画展上被记者借用讽刺，成为印象主义画派名称的由来。

莫奈一生坚持印象主义绘画，擅长光与色的表现技法，找到了最适于表现光与色的明度差别变化的形式，改变了阴影和轮廓线的画法。他有一双天才般的眼睛，即使晚年患了白内障，仍然坚持作画，在风格上更加简洁、抽象，呈现给我们的是永恒的、跳跃的笔触和闪烁的色彩。

画家是在户外对景画的，当时阳光明媚，光线穿过树叶间的缝隙洒落在人们的身上和草地上，透明灿烂，令人耳目一新。 前景中的水果以纯度不高的黄色和绿色为主，为了体现色块的亮度对比，水果的造型比较抽象。在中景中，以大面积的白裙和白餐布为主，在水果的旁边投下一块大光斑，是画面的最亮处，光影肆无忌惮地跳跃在餐布中，就像岁月爬过的辰光。亮白与彩色的水果形成鲜明对比。而人们头上的树叶用的是鲜绿和鲜黄，斑斑驳驳，展现着青春的气息。他们是画家的朋友巴齐耶和恋人凯米莉。上面这幅画名叫《草地上的午餐之习作》或《散步者：巴齐耶和凯米莉》，看上去是《草地上的午餐》画面的左侧部分，说明这幅画和《草地上的午餐》有密切的关系。背景中的蓝色调和站着的男士的衣服颜色为同色系，同时画面下方的餐布是带点蓝的冷白色，这样打破了传统绘画中强烈的透视景深，使画面呈现出平面的状态。

莫奈在1862年到格莱尔画室学画，认识了雷诺阿、巴齐耶、西斯莱，他们常被称为“四好友集团”。雷诺阿是莫奈的终生挚友，他的创作题材主要是以描绘青年妇女为主，其中人体创作占了很大的比例。在他走投无路的时候还投奔了莫奈，跟随去户外写生。

西斯莱是印象主义画派中最优雅的一位画家，主要是画风景画。他对色彩非常敏锐，善于表现光线色彩变化下富有诗意的自然景色。巴齐耶 就是《草地上的午餐》里的那位男士。他非常勤奋地创作，并且对光、色彩和空气变化更为醉心。巴齐耶是一位热心的人，虽然他自己在经济上也不是非常的富裕，但是常常帮助莫奈他们解决生活困难，做他们的模特儿或者买他们的画。

在15到16世纪，艺术史上那些如雷贯耳的名字——达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔——过着这样的日子：他们有委托人，有任务，一手交钱，一手交货。《蒙娜丽莎》是达·芬奇为富商约稿所绘，米开朗琪罗独挑西斯廷教堂天顶画，系教皇逼迫而成。到17世纪，北方画家如鲁本斯、凡代克、伦勃朗们，也多是依委托作画；18世纪名家如布歇、弗拉戈纳尔这些人，多是为宫廷贵族画画而成名。虽然17世纪西班牙大名家委拉斯凯兹常说，他愿意为西班牙平民画像，但那时节，能支撑他们生活的，依然是高官貴族。美术史家会举出荷兰名手老勃鲁盖尔的例子：他不是个扎根土地的农民画家吗？事实上，勃鲁盖尔们所做的农村风俗画，最后兑现为金币，还是卖给荷兰的市民阶层。 欧洲艺术家需要委托人和贵族阶层的供养，这是19世纪之前的通例，又非止画家如此。伟大的巴赫1750年死去时，音乐家依然不过是显贵家的仆人；莫扎特名气最盛时，也得投托着维也纳的宫廷和贵人。18世纪法国大静物画家夏尔丹曾经自嘲：要不是太太家有钱，供得起他画自家厨房玩儿，他可能也得去到处拍富人马屁呢。

然而19世纪的到来，令艺术家们的生活天翻地覆。法国大革命后，欧洲王室权威渐落，艺术家们也愿意为自己寻一条骄傲的道路。贝多芬在年满三十时，就曾慷慨激昂地宣称：“只要我随意写几首曲子，就能够解救我朋友的危急！”这是新一代艺术家们的理想，他们可以摆脱仆人的地位，不必依附教皇、领主、爵爷们。世界广阔无边，他们尽可以横刀纵马，创造自己的艺术——至少他们是这么认为的。 因为想独立，因为想有更多的自己，于是在19世纪，“风格”变得至关紧要。在提香和拉斐尔的时代，固然大师们风格卓异、一目了然，但他们的目的，依然是“完成委托的作品” 你可以这么说：在19世纪，欧洲艺术家真正开始叩问自己，到底为什么来到人间？企图留下什么样的姿态？他们不再像17世纪，有堆积如山的祭坛画、肖像画等他们完成，会忙着为贵族们完成肖像，描绘客厅，装饰别墅。19世纪的画家相信自己可以画一切的事物，范围无边无际。米开朗琪罗时代对风景画的鄙夷——米开朗琪罗的原话是：“风景画是给那些无力画人物的人准备的。”——已经随尼古拉斯·普桑、康斯特布尔、透纳们的作品，逐渐消散了。古典题材、宗教题材、现实题材，题材越是宽泛自由，艺术家们的趣味就越无法去投合公众了。实际上，19世纪的心态可以如是归结： 买画者：“好啦好啦，我只想要一幅很像拉斐尔的，嗯，或者很像鲁本斯的作品，你给我画吧！” 艺术家：“拜托，都19世纪了，为什么我们还要亦步亦趋呢？为什么我还要做米开朗琪罗的奴隶呢？为什么我不能画点自己的东西呢……” 传统的中断、无限的自由、风格的张扬、独立的重要，艺术家和赞助人之间开始出现了无可弥补的鸿沟。当19世纪的艺术家被迫篡改自己的风格来完成作品，他会觉得自己在让步，因而丢失了自尊。但如果艺术家决意只听从内心的呼声，拒绝约稿的要求，他就没面包吃。

参考文献：

[1] （英） 约翰逊 （Johnson，P.），著.艺术的历史[M]. 上海人民出版社， 2008

[2] 马永建著.现代主义艺术20讲[M]. 上海社会科学院出版社， 2005

[3] [法]西尔维·帕坦（SylviePatin）原著，张容译.莫奈[M]. 上海译文出版社， 2004