新时期舞台摄影艺术之我见

叶碧波

摘 要：舞台摄影是对舞台演出的艺术记录，是摄影艺术的类型之一，且具有扩大舞台演出影响力的重要作用。本文介绍了新时期舞台摄影对摄影师的基本要求，结合舞台灯光的特性，详细地分析了舞台摄影的技巧，旨在为有关需要提供帮助。

关键词：舞台摄影；基本要求；技巧

中图分类号：J41 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2016）17-0139-01

随着社会的进步及国民经济的快速发展，影视行业也取得了巨大的进步。为提高舞台演出的影响力，使舞台演出得到更高的关注度及知晓度，舞台摄影也应运而生。新时期舞台摄影是一种动态摄影，不仅要求摄影师熟练掌握摄影技巧，还要对舞台的灯光、演出的剧情及相关音乐、舞蹈具有一定的了解。如何熟练掌握新时期舞台摄影的技巧，将舞台演出的内容形象生动地用画面展现出来，是当前的一个重要的课题。

一、对摄影师素养的基本要求

随着舞台演出的不断增多，舞台摄影的要求越来越高，我们有必要规范舞台摄影，对摄影师在摄影时提出行为要求和限制，以免影响舞台效果和观众欣赏。

第一，自律是对舞台摄影师最基本的要求。演出时，摄影师在拍摄位置选定后就不能随意走动，在拍摄时必须做到不影响观众观看和演出的正常进行。

第二，拍摄时最好使用消音罩或把快门声调成静音，以尽量避免发出声响或噪音影响周边观众欣赏演出。

第三，闪光灯和对焦辅助灯在舞台摄影中绝对禁止使用，就连数码相机回看照片都要严格限制，各种提示灯也应关闭或遮挡。

第四，在拍摄时最好穿深色的衣服，让自己融入观众之中，以免吸引观众的视线。

二、舞台灯光表现出的特性

舞台灯光的主要作用是提供舞台表演照明和营造氛围效果，要拍好舞台剧目表演，只有先了解舞台灯光的特性，才能用相机更好地记录舞台上光与影的变化。

（一）舞台灯光的分类

舞台灯光分聚光灯、幻灯、泛光灯三类，按安装的部位不同又分柱光、顶排光、天排光、地排光、面光、耳光、脚光及流动光。聚光灯系统指能发出定向并能控制光区范围的灯具，一般是用折射原理，通过透镜投出不同的光斑，加上螺纹柔光镜头则能产生边缘柔和的光斑；幻灯系统是在聚光灯具前再加一组物镜使其投光成像，又分为利用幻灯片成像的投景幻灯，利用长焦距物镜使小光斑清晰成像，成为突出主角形象的追光灯，通过转动的圆盘式链带把云、水、火等活动形象投在景物上的投景幻灯，以及椭球面凹镜名为造型灯等灯具；泛光灯系统是指能发出柔和均匀的光线，并能照射出一定方向灯光的灯具，一般用于照亮天幕、绘画布景或演出区域。

（二）舞台灯光的特殊性

1.光线弱色温低。舞台照明的光源一般是标准灯光色温，光线与日光相比色温较低，光线较弱，降低了拍摄速度，而演出现场又不能使用闪光灯，闪光灯会把现场的灯光型转换成日光型，不但破壞现场气氛，损害人物造型，还影响观众欣赏效果。

2.光线变化大。舞台光源必须跟随演出节目剧情的变化而变化，明暗交替，色光和白光单独出现或混合交替出现，形成浓郁的情感氛围，曝光较难掌握。

3.光线反差大。舞台光线根据剧情和造型的需要，常会出现演出区域亮、背景区域暗，顶光强，辅光弱等现象，反差十分强烈。

三、舞台摄影的技巧

（一）器材选择

1.强烈推荐使用降噪功能强大的全画幅相机和大光圈防抖镜头，获得高画质和低噪点影像。因为降噪功能强大可以使用高感光度而获得较好的画质，大光圈可以增大进光量，提高曝光速度，一般的防抖镜头可以提高2倍的快门速度，这些都可以提升拍摄的成功率。

2.在财力允许的条件下，尽量使用双机双镜拍摄。一个机身安装16-35毫米镜头，一个机身安装70-200毫米镜头，方便全景、大中近景及特写的拍摄，而一支镜头无法涵盖全部景别，在拍摄时频繁地更换镜头往往会错过很多精彩的瞬间。

3.选择带连拍功能的高像素相机。连拍可以抓住细微的肢体语言和表情变化，突出细节，高像素则有利于后期裁剪后依然保持较高像素，达到高端杂志等媒体对高画质的要求。

4.三角架或独脚架的合理使用可以大幅提升拍摄的成功率。舞台灯光虽然绚丽多彩，但色温较低，拍摄时手持相机难以稳定，有时为了特意追求动静结合的艺术效果还专门采用慢速快门拍摄，因此在舞台摄影中三脚架或独脚架是必备器材。

（二）选择合理的拍摄位置

舞台摄影常用的拍摄位置：第一，一楼大厅前3排正中偏左一点，有利于演员入场时中近景的拍摄，此处位置拍摄出来的照片是仰拍；第二，一楼大厅5至7排正中偏左一点，此处拍摄的照片全部是平视；第三，拍摄大场面的最佳的位置在二楼前排正中，此处角度属于俯拍，前后画面几乎不会重叠，画面也有图案美的效果。特别注意不要选择太偏离舞台中央或者离舞台距离太远的位置，因为光的亮度会随着距离而衰减。在相同的舞台场景，使用同一光圈，离舞台越远，所需要曝光时间就会越长，导致快门速度变慢，获得照片的成功率降低。

（三）拍摄前尽量了解剧情

要想利用技术技巧拍摄出精彩出色的照片，就最好在拍摄前观看几遍，或者向剧情知情人了解剧情，对演出的精彩的瞬间或高潮在什么时候出现做到心中有数。就能确定合适的拍摄位置、焦距、构图、光圈，以及曝光时间等，从而得心应手，拍出具有艺术性且达到策划标准的照片。

（四）准确曝光，把握光圈、测光模式、白平衡、曝光补偿与快门的组合

1.使用点测光，或局部测光和曝光补偿的有效组合。舞台灯光变化复杂，使用点测光或局部测光是最佳测光方法之一，可将测光点落在被拍摄人物的脸上或者主光灯区域，并利用曝光补偿根据“白加黑减”的原则进行增减，从而方便、快捷达到准确曝光。

2.使用自动白平衡。现在数码相机处理在复杂光线下的白平衡功能已经非常强大（特殊光源除外），在舞台灯光下也能准确自动设定，加上拍摄的完全数据格式（佳能相机是RAW格式）在后期处理中也可以随意调节，所以自动白平衡是最佳的选择。

3.快门速度、光圈和感光度（ISO）之间的关系。所需的快门速度就是你想拍摄图片效果达到的最低的曝光速度，与光圈和感光度是最佳组合。光圈越大，快门速度越快，感光度越高，快门速度越快，反之亦然。

（五）不同剧目的拍摄特点

1.舞蹈类是摄影师重點偏爱的题材。舞蹈的种类繁多，各有各的特色，主要以形体动作来表达和抒发感情。低角度仰拍可以夸张演员在跳跃时的高度，尤其是使用较慢的快门速度也能抓拍住跳跃最高点静止的瞬间。群舞跳跃时，我们通常使用正面拍摄，易使画面富有节奏与韵律，因为导演通常都以正方向的视线来设计舞蹈队形。我们一般用1/60或1/125秒来拍摄快速运动的舞姿，这样可以拍出虚实并存的图像，表现一种虚幻缥缈的感觉。同时，拍摄时可以使用连拍，增加成功率。拍摄集体舞最好的时机是开场和结尾，导演一般都设计了优美的造型，不要错过良机。

2.戏曲剧种繁多，有京剧、川剧、越剧、昆剧、沪剧等，表演时往往具有一定的规律，老生、小生、花旦、丑角等都有各自的动作特点，以手、眼、身、法、步配合唱腔来表达角色的内心活动和故事情节。其服饰也非常讲究，别具一格，化妆也以重彩浓抹为主，拍摄时应注意这些细节的表现。有些戏曲有不少跌打翻腾、斤头连串、刀枪飞舞的表演，我们应注意聆听锣鼓点的节奏，抓取精彩的瞬间，同时注意合适的快门速度，拍出理想的效果。

3.话剧与歌剧的题材具有现代性，表演方法和手段也以对话和动作为主，话剧对布景、灯光、道具等较讲究，主要表现场景，拍摄时应该将主体人物与布景、道具的情景联系。歌剧的舞台灯光强弱往往变化较大，且以唱为主，拍摄应抓住“唱”来表现典型情节。

4.杂技的拍摄重点是表现高难度的技巧和优美姿态的结合，演出高潮往往在节目的最后，我们一般使用全景、中景或近景来表现其“高难度”与“惊险”。

5.曲艺是说唱艺术，其表演人数少，道具简单，随处可演。曲艺中有些说唱还有必备的道具，作为陪体，它有助于说明曲艺的特点，拍摄时最好使用近景。

四、结语

综上所述，舞台演出的类别较多，不同的演出类别对舞台摄影的要求也不同。因此，新时期舞台摄影师要熟练掌握舞台摄影的相关技巧，结合舞台的灯光、场景等现场因素，根据舞台演出的类别及演出的内容，准确把握舞台演出的精彩瞬间，拍摄出一批批优秀的作品，为观众展示精彩的舞台演出，从而推动舞台演出事业的发展。

参考文献：

[1]王丽红.舞台摄影的特点及应该注意的问题[J].大众文艺，2016（02）.

[2]上官星.浅谈舞台艺术摄影技巧[J].戏剧之家，2015（23）.